Os fãs de O Urso (The Bear) podem começar a marcar as suas agendas para junho de 2025, quando a quarta temporada da série está prevista para estrear. John Landgraf, o patrão do canal FX, confirmou recentemente que a produção da nova temporada está a avançar rapidamente e deverá estar pronta na mesma altura do próximo ano.
A série, protagonizada por Jeremy Allen White, tem sido um sucesso tanto de crítica como de audiência, conquistando vários prémios, incluindo o Emmy de Melhor Ator Principal em Série de Comédia para White. A narrativa acompanha a vida de um jovem chef, que herda um restaurante familiar em Chicago, e as dificuldades emocionais e profissionais que enfrenta ao tentar revitalizar o negócio.
Embora Landgraf não tenha confirmado se a quarta temporada será a última, os fãs estão entusiasmados com a continuação da história. Desde o seu lançamento, O Urso tem sido elogiada pela sua representação autêntica das pressões da vida na cozinha e pela forma como equilibra momentos de drama e humor. A produção já se encontra numa fase avançada, com grande parte das filmagens concluídas.
As primeiras três temporadas de O Urso estão disponíveis no Disney+, onde têm sido amplamente vistas e comentadas. A estreia em junho de 2025 será, sem dúvida, um dos eventos televisivos mais aguardados do próximo ano.
A mais recente produção dos estúdios Blumhouse, Não Fales do Mal, está a surpreender nas bilheteiras com uma abertura forte nos Estados Unidos. O filme, um thriller psicológico dirigido por James Watkins, arrecadou 115 milhões de dólares no seu primeiro fim de semana, superando as expectativas que inicialmente previam receitas em torno dos 10 milhões.
Com uma história centrada numa família americana que se hospeda numa remota quinta britânica, onde rapidamente descobrem que os seus anfitriões são assassinos em série, o filme conseguiu captar a atenção do público. As críticas têm sido positivas, elogiando a tensão crescente e as atuações de James McAvoy e Mackenzie Davis, os protagonistas do filme.
O sucesso de Não Fales do Mal é mais um exemplo da popularidade crescente dos filmes de terror psicológico, que nos últimos anos têm dominado as bilheteiras, mesmo em tempos de maior concorrência. O género, que há muito atrai um público fiel, parece estar a atrair também novos espectadores, especialmente devido ao apelo das histórias baseadas em suspense e mistério, ao invés de apenas sustos previsíveis.
No entanto, ao contrário de Beetlejuice Beetlejuice, o filme ainda não tem data de estreia confirmada para Portugal, o que poderá retardar o impacto internacional. A expectativa é que a sua chegada ao mercado europeu siga a trajetória de sucesso observada nos Estados Unidos.
Jeremy Allen White, conhecido pela sua interpretação em O Urso (The Bear), está a preparar-se para um dos maiores desafios da sua carreira: interpretar Bruce Springsteen numa biopic sobre o lendário cantor. O filme, intitulado Deliver Me from Nowhere, será baseado no livro homónimo de Warren Zanes, que explora a criação do icónico álbum Nebraska, lançado por Springsteen em 1982.
Durante uma recente conferência de imprensa nos Emmy Awards, onde ganhou o prémio de Melhor Ator Principal numa Série de Comédia, Jeremy Allen White revelou alguns detalhes sobre este novo projeto. “Estou muito entusiasmado para começar”, disse o ator, que também destacou o apoio que tem recebido de Bruce Springsteen e do seu manager, Jon Landau. White mencionou que Springsteen tem sido “muito prestável”, oferecendo-lhe conselhos valiosos sobre como abordar a complexa personagem do famoso músico.
Este filme promete explorar uma fase crucial da carreira de Springsteen, onde ele se afastou das grandes produções para criar um álbum mais introspectivo e cru. O álbum Nebraska é amplamente considerado uma obra-prima pela sua simplicidade e profundidade emocional, o que tornará este projeto particularmente exigente para White, que terá de captar não só a figura pública de Springsteen, mas também a sua vulnerabilidade criativa.
A rodagem do filme deverá começar em breve, e os fãs de Springsteen estão ansiosos para ver como Jeremy Allen White trará à vida uma das figuras mais influentes da história da música americana.
O regresso de Tim Burton com Beetlejuice Beetlejuice, a sequela do icónico Os Fantasmas Divertem-se de 1988, está a fazer sucesso nos Estados Unidos, mas o desempenho fora da América do Norte tem sido modesto. Nos primeiros dez dias de exibição, o filme arrecadou 188 milhões de dólares nos EUA, mantendo-se no topo das bilheteiras, mas os números internacionais não estão a acompanhar esse ritmo.
A nostalgia pela obra original, que lançou Michael Keaton e Winona Ryder como protagonistas, parece ter tido um impacto mais significativo nos Estados Unidos, onde o filme é considerado um clássico. Contudo, em mercados como Portugal, o desempenho está a ser mais discreto, com apenas 62.714 espetadores nas primeiras semanas. Analistas acreditam que a falta de familiaridade com o filme original em vários países, onde a obra não teve uma estreia em cinema, pode explicar esta disparidade.
A nova versão, que conta também com a participação de Jenna Ortega e Monica Bellucci, não deixa de ser uma das mais aguardadas do ano. Tim Burton manteve o seu estilo visual excêntrico, que mistura comédia com terror, mas parece que o entusiasmo fora da América do Norte não foi tão grande quanto o esperado. Apesar disso, a produção ainda pode atingir os 300 milhões de dólares necessários para cobrir os custos e garantir o seu sucesso comercial.
Com a indústria cinematográfica a recuperar dos tempos difíceis durante a pandemia, Beetlejuice Beetlejuice é um dos primeiros grandes lançamentos a devolver confiança aos cinemas norte-americanos. Contudo, os estúdios continuarão atentos à reação internacional, que poderá determinar a continuação de outros projetos semelhantes.
James McAvoy, o talentoso ator escocês, confirmou recentemente os rumores de que foi contratado à última da hora para substituir Joaquin Phoenix no filme Fragmentado, de M. Night Shyamalan. Esta revelação lançou luz sobre uma das questões mais debatidas nos bastidores de Hollywood, já que Phoenix abandonou o projeto semanas antes das filmagens começarem, obrigando a produção a encontrar rapidamente um substituto.
Em entrevista ao podcast “Happy Sad Confused”, McAvoy detalhou a pressão que sentiu ao ter apenas duas semanas para se preparar para um papel tão complexo como o de Kevin Wendell Crumb, uma personagem com transtorno dissociativo de identidade que abrigava 23 personalidades distintas. McAvoy destacou que o argumento bem escrito de Shyamalan foi fundamental para que ele conseguisse entender rapidamente as nuances de cada personalidade, especialmente as mais destacadas, como Patricia e Dennis.
O ator, conhecido por papéis como o Professor X na saga X-Men, elogiou Joaquin Phoenix e afirmou que, embora o seu tempo de preparação tenha sido curto, ele acredita que a sua versão de Kevin foi única. No entanto, não pôde deixar de reconhecer que a interpretação de Phoenix teria sido igualmente extraordinária, dada a qualidade do ator.
Este não é o único projeto que Phoenix abandonou inesperadamente. Recentemente, o ator também desistiu de um filme dirigido por Todd Haynes, a apenas cinco dias do início das filmagens, o que causou problemas de produção significativos. Segundo relatos, Phoenix tem mostrado um padrão de comportamento em que abandona projetos próximos do início das filmagens, algo que a imprensa de Hollywood tem acompanhado com atenção.
James Cameron, o visionário realizador responsável por alguns dos maiores sucessos da história do cinema, está a preparar-se para um novo desafio cinematográfico. O cineasta comprou os direitos do próximo livro de Charles Pellegrino, Ghosts of Hiroshima (Fantasmas de Hiroshima), e planeia transformá-lo num grande filme, unindo esta obra ao livro anterior do autor, O Último Trem de Hiroshima (2015). Esta será a primeira produção fora da franquia Avatardesde Titanic.
O filme será uma narrativa épica baseada em factos reais, que segue a história de um homem japonês que sobreviveu ao bombardeamento atómico de Hiroshima e, pouco depois, à segunda explosão nuclear em Nagasaki. Cameron, conhecido por abordar temas de guerra e destruição, já havia manifestado interesse em tratar da questão das armas nucleares desde filmes como O Exterminador do Futuro. No entanto, desta vez, o foco estará na experiência humana e nas consequências devastadoras dos eventos históricos.
Em declarações recentes, Cameron revelou que o projeto é, para ele, pessoal. O realizador conheceu Tsutomu Yamaguchi, o único sobrevivente documentado de ambos os bombardeamentos, pouco antes da sua morte. Esse encontro, segundo o cineasta, foi uma passagem simbólica do testemunho de Yamaguchi, algo que Cameron sente como uma responsabilidade de contar ao mundo. O filme Last Train From Hiroshima promete ser uma obra profunda e angustiante, que visa relembrar o horror da guerra e as histórias de resiliência dos sobreviventes.
A produção deste filme só deverá iniciar após a conclusão das gravações dos próximos capítulos de Avatar. O terceiro filme está previsto para 2025, enquanto o quarto chegará às salas de cinema em 2029. Cameron assegurou que o seu compromisso com Last Train From Hiroshima não será adiado por muito mais tempo, afirmando que é um projeto ao qual está “ligado emocionalmente”.
A 76ª edição dos Prémios Emmy ficará na história como uma das mais memoráveis dos últimos tempos, destacando produções inovadoras e consagrando novos talentos no panorama televisivo. Entre os grandes vencedores da noite, destacam-se as séries “Shogun”, “Baby Reindeer” e “Hacks”, que dominaram as principais categorias e marcaram a celebração com feitos históricos.
“Shogun”: O Encontro de Culturas e o Triunfo Internacional
“Shogun”, uma adaptação ficcional sobre o Japão do século XVI, emergiu como a grande vencedora da noite ao conquistar o prémio de Melhor Série Dramática, tornando-se a primeira produção de língua não inglesa a receber tal distinção. A série, produzida pela FX, levou para casa um total de 18 prémios, incluindo quatro das categorias mais prestigiadas: Melhor Série Dramática, Melhor Realização, Melhor Ator e Melhor Atriz. O elenco incluiu o ator português Joaquim de Almeida e o luso-canadiano Louis Ferreira, destacando a presença de talentos lusófonos num projeto que celebra o encontro entre culturas.
Hiroyuki Sanada, que brilhou como protagonista, recebeu o Emmy de Melhor Ator em Série Dramática, enquanto Anna Sawai venceu o prémio de Melhor Atriz pelo seu papel como Toda Mariko. Ambos os atores subiram ao palco com discursos emocionados, destacando o impacto cultural e humano da série. Sanada mencionou que “quando o Oriente e o Ocidente caminham juntos, podemos fazer milagres”, sublinhando a importância da colaboração global em produções de grande escala. A série, realizada por Frederick E.O. Toye, explorou a complexidade das relações entre diferentes culturas e conseguiu cativar o público e a crítica com a sua abordagem visual e narrativa.
“Baby Reindeer”: A Força de uma História Pessoal
Outra série que marcou a noite foi “Baby Reindeer”, uma produção da Netflix baseada na experiência pessoal do escritor e ator Richard Gadd. A série venceu o Emmy de Melhor Minissérie ou Série de Antologia e levou ainda mais três estatuetas, incluindo Melhor Escrita e Melhor Ator para Gadd. No seu discurso de aceitação, Gadd partilhou a sua jornada pessoal e destacou a importância de contar histórias autênticas e corajosas, encorajando os criadores a tomarem riscos e a explorarem temas desconfortáveis.
Jessica Gunning, coprotagonista de Gadd, também saiu vencedora ao receber o prémio de Melhor Atriz Secundária em Minissérie. A atriz mostrou-se emocionada e orgulhosa pela série, afirmando que a produção representa um marco na sua carreira e um tributo à dedicação de todo o elenco.
“Hacks” e “The Bear”: A Surpresa na Comédia
No campo da comédia, a vitória de “Hacks” sobre “The Bear” foi uma das grandes surpresas da noite. A série da HBO Max venceu o prémio de Melhor Série de Comédia, desbancando a produção da FX, que era a favorita à vitória. “Hacks” ainda consagrou Jean Smart como Melhor Atriz em Comédia e levou o prémio de Melhor Escrita para comédia, graças ao trabalho de Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky.
Por outro lado, “The Bear” não saiu de mãos vazias. A série arrebatou três prémios de representação: Jeremy Allen White foi consagrado Melhor Ator em Comédia, Ebon Moss-Bachrach venceu o Emmy de Melhor Ator Secundário, e Liza Colón-Zayas fez história ao tornar-se a primeira atriz latina a vencer o prémio de Melhor Atriz Secundária em Comédia. A realização de Christopher Storer também foi premiada, destacando a força da série em diversas categorias.
Outros Destaques e Vencedores
A noite dos Emmys também reconheceu o talento de outras produções de destaque. Elizabeth Debicki, por exemplo, conquistou o Emmy de Melhor Atriz Secundária em Série Dramática pela sua interpretação em “The Crown”, enquanto Billy Crudup foi distinguido como Melhor Ator Secundário em Série Dramática por “The Morning Show”. A minissérie “Ripley”, realizada por Steven Zaillian, também garantiu um prémio na categoria de Melhor Realização.
A escrita para série dramática ficou nas mãos de Will Smith (não o ator), que venceu pelo seu trabalho em “Slow Horses”, da Apple TV+. Já na categoria de talk shows e variedades, “Last Week Tonight With John Oliver” e “The Daily Show” mantiveram a sua hegemonia, saindo novamente vitoriosos.
Uma Noite de Consagração para a Televisão
A 76ª edição dos Prémios Emmy provou ser um marco na história da televisão, consagrando produções que desafiaram convenções e exploraram novos horizontes narrativos. “Shogun” destacou-se não apenas pelo seu valor artístico, mas também pelo simbolismo de uma vitória histórica para uma série de língua não inglesa. Já “Baby Reindeer” mostrou o poder transformador das histórias pessoais, enquanto “Hacks” e “The Bear” disputaram o título de melhor comédia numa noite repleta de surpresas e emoção.
Com a diversidade de histórias e talentos premiados, esta edição dos Emmys reafirma a capacidade da televisão em refletir as realidades complexas e a criatividade ilimitada de quem está por trás das câmaras. A televisão continua a ser uma plataforma essencial para a criação de narrativas poderosas e inclusivas, que cativam públicos em todo o mundo.
A 76.ª cerimónia dos Prémios Emmy será realizada hoje, e promete ser um evento marcante no mundo da televisão. Os Emmys, um dos maiores reconhecimentos da indústria televisiva, destacarão as melhores séries, performances e produções do ano passado. Marcada para a madrugada de domingo para segunda-feira, de 15 para 16 de setembro, a cerimónia será apresentada por Tony Hale, conhecido pelo seu papel em “Veep”, e Sheryl Lee Ralph, estrela de “Abbott Elementary”.
Esta edição dos Emmys reflete uma mudança significativa nas produções, com o domínio de séries provenientes de plataformas de streaming e canais de cabo norte-americanos. “Shōgun”, um épico histórico ambientado no Japão feudal, lidera com impressionantes 25 nomeações. Esta série, transmitida pela FX e disponível em Portugal através do Disney+, conseguiu ultrapassar em número de nomeações algumas das mais prestigiadas produções televisivas da atualidade. A série, uma adaptação do livro de James Clavell, já havia sido adaptada em 1980, recebendo na altura 14 nomeações. A nova versão não só duplicou este número, como também conquistou nomeações para membros do elenco, incluindo Hiroyuki Sanada e Anna Sawai.
Outras séries também se destacam nesta cerimónia, como “The Bear”, que conseguiu 23 nomeações. Esta comédia dramática sobre um jovem chef a lidar com a pressão de gerir um restaurante familiar trouxe uma abordagem inovadora à televisão, combinando tensão culinária com momentos de introspeção emocional. A segunda temporada, em particular, tem sido aclamada pela crítica, com episódios como “Fishes”, que capturou de forma brilhante o caos de um jantar familiar desastroso.
A minissérie “Baby Reindeer”, da Netflix, também causou grande impacto, com 11 nomeações. Adaptada do espetáculo do comediante escocês Richard Gadd, a produção aborda temas sombrios e controversos, incluindo perseguições e saúde mental. Apesar das críticas e até de um processo judicial relacionado com a veracidade dos factos retratados, “Baby Reindeer” foi amplamente elogiada e é uma das favoritas na sua categoria.
No campo das comédias, “Homicídios ao Domicílio” também se destaca com 21 nomeações. A série, que conta com um elenco de luxo, incluindo Steve Martin, Martin Short e Selena Gomez, mistura humor e mistério de forma cativante, sendo uma das favoritas do público e da crítica. A terceira temporada desta série já está disponível na Disney+, e espera-se que continue a receber aclamação crítica.
Outros nomes relevantes nas nomeações incluem “The Crown”, que com 18 nomeações marca o fim de uma era para a série que retrata a vida da família real britânica, e “True Detective: Night Country”, com 19 nomeações. A competição será feroz entre estas produções, mas o que torna os Emmys deste ano ainda mais fascinantes é a diversidade de histórias e géneros que estão a ser reconhecidos.
Este ano, as categorias de interpretação prometem disputas emocionantes. Na categoria de Melhor Ator numa Série de Drama, encontramos figuras de peso como Idris Elba por “Hijack” e Hiroyuki Sanada por “Shōgun”. Na vertente feminina, Jennifer Aniston (“The Morning Show”) e Imelda Staunton (“The Crown”) competem pelo prémio de Melhor Atriz numa Série de Drama.
Nas comédias, Jeremy Allen White, protagonista de “The Bear”, é um dos grandes favoritos ao prémio de Melhor Ator, enquanto Ayo Edebiri, também de “The Bear”, está nomeada para Melhor Atriz. Steve Martin e Martin Short, ambos de “Homicídios ao Domicílio”, também competem na categoria de Melhor Ator em Comédia, o que promete uma noite cheia de surpresas e celebrações.
Lista de Nomeados das Principais Categorias:
Melhor Série de Drama:
“The Crown”
“Fallout”
“The Gilded Age”
“The Morning Show”
“Mr. & Mrs. Smith”
“Shogun”
“Slow Horses”
“O Problema dos 3 Corpos”
Melhor Série de Comédia:
“Abbott Elementary”
“The Bear”
“Calma Larry”
“Hacks”
“Homicídios ao Domicílio”
“Palm Royale”
“Reservation Dogs”
“What We Do in the Shadows”
Melhor Minissérie ou Antologia:
“Baby Reindeer”
“Fargo”
“Lições de Química”
“Ripley”
“True Detective”
Melhor Telefilme:
“Mr. Monk’s Last Case: A Monk Movie”
“Quiz Lady”
“Vermelho Branco e Sangue Azul”
“Scoop”
“Unfrosted”
Melhor Ator numa Série de Drama:
Idris Elba (“Hijack”)
Donald Glover (“Mr. & Mrs. Smith”)
Walton Goggins (“Fallout”)
Gary Oldman (“Slow Horses”)
Hiroyuki Sanada (“Shōgun”)
Dominic West (“The Crown”)
Melhor Atriz numa Série de Drama:
Jennifer Aniston (“The Morning Show”)
Carrie Coon (“The Gilded Age”)
Maya Erskine (“Mr. & Mrs. Smith”)
Anna Sawai (“Shōgun”)
Imelda Staunton (“The Crown”)
Reese Witherspoon (“The Morning Show”)
Melhor Ator numa Série de Comédia:
Matt Berry (“What We Do In The Shadows”)
Larry David (“Calma Larry”)
Steve Martin (“Homicídios ao Domicílio”)
Martin Short (“Homicídios ao Domicílio”)
Jeremy Allen White (“The Bear”)
D’Pharaoh Woon-A-Tai (“Reservation Dogs”)
Melhor Atriz numa Série de Comédia:
Quinta Brunson (“Abbott Elementary”)
Ayo Edebiri (“The Bear”)
Selena Gomez (“Homicídios ao Domicílio”)
Maya Rudolph (“Loot”)
Jean Smart (“Hacks”)
Kristen Wiig (“Palm Royale”)
Melhor Ator Secundário numa Série de Drama:
Tadanobu Asano (“Shōgun”)
Billy Crudup (“The Morning Show”)
Mark Duplass (“The Morning Show”)
Jon Hamm (“The Morning Show”)
Takehiro Hira (“Shōgun”)
Jack Lowden (“Slow Horses”)
Jonathan Pryce (“The Crown”)
Melhor Atriz Secundária numa Série de Drama:
Christine Baranski (“The Gilded Age”)
Nicole Beharie (“The Morning Show”)
Elizabeth Debicki (“The Crown”)
Greta Lee (“The Morning Show”)
Lesley Manville (“The Crown”)
Karen Pittman (“The Morning Show”)
Holland Taylor (“The Morning Show”)
Conclusão:
A 76.ª cerimónia dos Emmys promete ser uma noite emocionante, com produções de grande qualidade a competirem pelos prestigiados troféus. Fique atento ao desenrolar deste evento que celebra o melhor da televisão mundial.
Sean Connery, cujo nome está intimamente ligado ao lendário papel de James Bond, foi muito mais do que o agente secreto 007. Com uma carreira que atravessou mais de cinco décadas, Connery tornou-se um ícone do cinema, conhecido pelo seu charme, carisma e presença única no ecrã. Nascido em Edimburgo, a 25 de agosto de 1930, o ator começou a vida em circunstâncias humildes, mas o seu talento e perseverança levaram-no a conquistar os mais altos píncaros da indústria cinematográfica.
Connery tornou-se internacionalmente famoso quando assumiu o papel de James Bond, uma personagem que interpretaria em sete filmes da franquia, começando com Dr. No (1962). A sua interpretação do espião britânico moldou o imaginário popular do agente secreto: sofisticado, mas perigoso, galante, mas letal. Connery personificou Bond de uma forma que nenhum outro ator conseguiu igualar. Mesmo após a sua saída da série, a sombra do seu Bond original continuou a pairar sobre as versões subsequentes da personagem. Contudo, reduzir Connery apenas a James Bond seria subestimar o seu imenso alcance como ator.
Ao longo da sua carreira, Connery provou ser versátil, estrelando em diversos géneros, desde dramas históricos até comédias e filmes de ação. Ganhou um Óscar de Melhor Ator Secundário pelo seu papel em The Untouchables (1987), no qual interpretou um polícia veterano de Chicago. Connery sempre escolheu os seus papéis com um olho atento à qualidade, recusando estereótipos e desafiando-se a explorar novas facetas do seu talento. Outras obras memoráveis incluem Indiana Jones e a Última Cruzada (1989), onde desempenhou o papel do pai do famoso arqueólogo, e A Rocha (1996), onde mostrou que, mesmo aos 66 anos, ainda podia ser uma estrela de ação.
A decisão de se retirar do cinema em 2003, após o lançamento de A Liga de Cavalheiros Extraordinários, foi recebida com surpresa pelos fãs e pela indústria. Connery, frustrado com a produção do filme e desiludido com a evolução do cinema moderno, optou por afastar-se dos ecrãs. A indústria, que estava a mudar rapidamente, tornou-se um lugar que Connery já não reconhecia e, aos 73 anos, sentiu que era o momento certo para se afastar. Embora o seu amor pelo cinema nunca tenha desaparecido, Connery preferiu passar os seus últimos anos numa tranquilidade que há muito lhe escapava.
Após a sua retirada, Connery fixou residência nas Bahamas, onde viveu com a sua esposa, Micheline Roquebrune, uma pintora franco-marroquina com quem foi casado por mais de 40 anos. Durante o seu tempo de retiro, Connery manteve uma vida privada e discreta, aproveitando o tempo com a família e dedicando-se a hobbies como o golfe. Este período de paz contrastou fortemente com a intensidade da sua vida como estrela de cinema, permitindo-lhe encontrar um equilíbrio que muitas celebridades raramente alcançam.
No entanto, os últimos anos da vida de Connery foram marcados por um declínio de saúde. Em 2013, tornou-se público que o ator sofria de demência, uma condição que levou a uma diminuição das suas aparições públicas. A sua esposa, Micheline, foi um dos seus maiores apoios durante este período, garantindo que Connery recebia os melhores cuidados possíveis. Apesar da sua doença, Connery manteve-se o homem digno e orgulhoso que sempre fora, mesmo à medida que as suas memórias se desvaneciam.
A 31 de outubro de 2020, Connery faleceu pacificamente durante o sono, na sua casa nas Bahamas, aos 90 anos. A notícia da sua morte foi um golpe para fãs e colegas de todo o mundo, e as homenagens não se fizeram esperar. Daniel Craig, o mais recente ator a interpretar James Bond, descreveu Connery como um “homem com muito estilo e carisma”, enquanto Harrison Ford relembrou a sua amizade e parceria no set de Indiana Jones e a Última Cruzada. O mundo do cinema perdeu não apenas um ícone, mas um homem cuja paixão pela sua arte inspirou gerações.
Após a sua morte, a sua esposa revelou que Connery desejava um fim calmo e sem sofrimento, algo que felizmente conseguiu. Apesar do fardo da doença, a família de Connery assegurou que os seus últimos momentos fossem tranquilos e longe dos olhares do público, em linha com a sua natureza reservada.
O legado de Sean Connery no cinema é inegável. Ele não apenas definiu o papel de James Bond, mas também mostrou ao mundo que era um ator de uma profundidade incrível. A sua presença no ecrã, a sua voz inconfundível e o seu charme eterno continuarão a ser celebrados pelas gerações vindouras. Mais do que uma estrela de cinema, Connery foi um artista que trouxe dignidade, gravidade e carisma a cada papel que desempenhou, deixando uma marca indelével no mundo do entretenimento.
Ao longo das últimas duas décadas, os filmes de super-heróis tornaram-se uma presença dominante no cinema. Este género, que inicialmente atraía os fãs dos quadrinhos, rapidamente conquistou um vasto público, e alguns dos melhores exemplos de filmes de super-heróis, como Black Panther ou Vingadores: Endgame, quebraram recordes de bilheteira e receberam elogios da crítica. Contudo, nem todas as tentativas de levar super-heróis ao grande ecrã foram bem-sucedidas, e há verdadeiros desastres cinematográficos que merecem ser lembrados… pelas piores razões.
No clube de cinema, é importante não apenas celebrar os clássicos, mas também analisar os fracassos, porque muitas vezes estes contêm lições valiosas sobre o que não fazer numa produção cinematográfica. Abaixo, apresentamos os 10 piores filmes de super-heróis de todos os tempos, com base no artigo do Collider.
Este western de super-heróis, baseado na banda desenhada da DC Comics, tinha todos os ingredientes para ser bem-sucedido. Com um elenco de luxo, incluindo Josh Brolin, John Malkovich, e até Michael Fassbender, e uma premissa interessante que envolvia um caçador de recompensas atormentado com o poder de falar com os mortos, esperava-se algo memorável. Contudo, o resultado final foi um filme confuso, com uma narrativa errática e diálogos medíocres. Os realizadores não conseguiram decidir se queriam fazer um filme de comédia, ação, ou um drama sombrio, e o resultado foi um fracasso total.
2. Supergirl (1984)
Quando foi anunciado que o universo do Superman se iria expandir com a introdução da sua prima, Kara Zor-El, havia expectativas elevadas. No entanto, Supergirl falhou em quase todos os níveis. A história, que segue Kara na sua busca por um artefacto perdido, é recheada de clichés e subtramas irrelevantes. Embora Helen Slater tenha feito um esforço no papel principal, o argumento fraco e os efeitos especiais pobres condenaram o filme ao fracasso. A personagem, tão rica nos quadrinhos, merecia muito mais, algo que os fãs ainda esperam ver numa adaptação futura.
3. The Spirit (2008)
Baseado na famosa banda desenhada de Will Eisner, The Spirit foi um desastre visual e narrativo. Com Frank Miller no leme, conhecido pelo seu trabalho estilizado em Sin City, o filme apostou fortemente no estilo noir, mas esqueceu-se de um enredo coerente e personagens cativantes. Gabriel Macht fez o seu melhor para dar vida ao personagem principal, mas foi impedido por um argumento incoerente e cenas de ação desinspiradas. No geral, o filme foi uma tentativa frustrada de misturar humor e ação num contexto de banda desenhada.
4. Ghost Rider: Spirit of Vengeance (2011)
Com Nicolas Cage no papel do motoqueiro fantasma, esperava-se que a continuação de Ghost Rider trouxesse mais ação e espetáculo. Contudo, o resultado foi um filme que parecia mais uma sequência de videojogos do que uma narrativa cinematográfica. A trama, que envolve Johnny Blaze a tentar salvar um jovem de ser possuído pelo diabo, foi criticada pela falta de lógica e pela dependência em CGI de baixa qualidade. O filme até teve algum sucesso de bilheteira, mas foi amplamente desprezado pela crítica e pelos fãs.
5. Fant4stic (2015)
O reboot do Quarteto Fantástico foi uma das maiores desilusões dos últimos anos. Apesar de ter um elenco promissor, incluindo Miles Teller e Michael B. Jordan, o filme falhou em capturar a essência divertida e dinâmica dos quadrinhos. Em vez de focar nas interações carismáticas entre os personagens, o filme enveredou por uma abordagem séria e aborrecida, onde a maior parte da ação envolve os heróis a construir máquinas e a lidar com problemas científicos. Para piorar, o vilão, Doutor Destino, foi reduzido a uma caricatura sem profundidade.
Este filme infame, dirigido por Joel Schumacher, é lembrado pelos seus excessos visuais e diálogos absurdos. Com George Clooney no papel de Batman e Arnold Schwarzenegger como Mr. Freeze, Batman & Robin é um exemplo de como o excesso de estilo pode destruir um filme. Desde os fatos com mamilos até às one-liners ridículas, o filme tornou-se rapidamente uma piada. Curiosamente, foi tão mau que acabou por influenciar a indústria, levando a uma abordagem mais séria aos filmes de super-heróis nos anos seguintes.
7. Superman IV: The Quest for Peace (1987)
Depois de dois sucessos com Superman, esta quarta entrada na saga de Christopher Reeve foi uma verdadeira desgraça. Tentando capitalizar o debate sobre desarmamento nuclear, o filme traz um enredo inverosímil e cenas de ação sem brilho. Até os atores pareciam desmotivados, o que fez com que este filme fosse considerado um dos piores do género.
8. Catwoman (2004)
Esta adaptação, com Halle Berry no papel principal, desviou-se radicalmente da fonte original dos quadrinhos, e os fãs notaram. O enredo, que gira em torno de uma funcionária de uma empresa de cosméticos que ganha poderes felinos, foi amplamente ridicularizado por ser absurdo. A atuação de Berry, embora elogiada, não foi suficiente para salvar o filme de se tornar num verdadeiro desastre cinematográfico.
9. Son of the Mask (2005)
Se The Mask de 1994 foi um sucesso, a sua sequela, Son of the Mask, foi o oposto. Sem Jim Carrey no papel principal, o filme perdeu o charme e a energia do original. As tentativas de humor falharam miseravelmente, resultando num filme que não agradou a adultos nem a crianças.
10. Steel (1997)
Steel, protagonizado pelo famoso jogador de basquetebol Shaquille O’Neal, é um dos filmes de super-heróis mais esquecíveis de sempre. A história, sobre um engenheiro que se transforma num herói para combater o crime, foi ridicularizada pela sua falta de originalidade e pelos fracos efeitos especiais. O filme também falhou nas bilheteiras, arrecadando apenas uma pequena fração do seu orçamento.
Reflexão para o Clube de Cinema
Estes exemplos demonstram que, mesmo com bons atores ou fontes inspiradoras, um filme de super-heróis pode falhar se o argumento e a execução não estiverem à altura. No clube de cinema, discutir estes filmes permite-nos compreender os desafios de adaptar quadrinhos para o cinema e as decisões criativas que podem transformar um projeto promissor num fracasso.
Após o sucesso de Spider-Man: No Way Home, o realizador Destin Daniel Cretton foi confirmado como o novo responsável pelo quarto filme do Spider-Man no Universo Cinematográfico da Marvel (MCU). Esta mudança marca a primeira vez que um filme de Spider-Man no MCU não será dirigido por Jon Watts, com Tom Holland a regressar ao papel de Peter Parker.
Com esta mudança de direção, os fãs estão ansiosos para ver como Cretton abordará a personagem, especialmente depois dos eventos traumáticos do último filme, que deixou Peter Parker sem o apoio de Tony Stark, a sua tia May, e os amigos MJ e Ned, que já não se lembram de quem ele é. Esta nova fase promete ser mais sombria, com Peter a enfrentar os desafios de ser um super-herói sem qualquer suporte financeiro ou emocional, aproximando-se assim das histórias clássicas dos comics.
A escolha de Cretton para a realização deste filme parece perfeita, dada a sua experiência com Shang-Chi e a sua capacidade de criar personagens complexos, enfrentando dilemas pessoais e emocionais. Este novo Spider-Man pode proporcionar a Tom Holland a oportunidade de interpretar uma versão mais adulta e emocionalmente profunda de Peter Parker, o que poderá trazer um novo fôlego à franquia e cativar tanto os fãs antigos como novos.
Com o filme ainda em fase de desenvolvimento, não há previsão oficial de estreia, mas as expectativas em torno deste novo capítulo de Spider-Man são imensas.
A continuação de um dos maiores thrillers de todos os tempos está finalmente a caminho. HEAT 2, sequência do épico de 1995, dirigido por Michael Mann, já está em desenvolvimento. O cineasta revelou recentemente detalhes empolgantes sobre o projeto, que tem sido esperado pelos fãs há anos.
Mann, conhecido por sua capacidade de criar tensão com longas cenas de ação, revelou que HEAT 2 será um filme de três horas, prometendo ser tão grandioso quanto o original, que contou com uma duração de 2 horas e 50 minutos. As gravações acontecerão em várias localizações, incluindo Paraguai, Mexicali, Chicago, Los Angeles e, curiosamente, no Butão, no Sudeste Asiático. Esta diversidade de cenários está intimamente ligada à narrativa, que explorará dois períodos temporais distintos: 1988, oito anos antes dos eventos do primeiro filme, e o ano 2000, seguindo a história de Chris Shiherlis na América do Sul.
Embora o elenco ainda não tenha sido oficialmente anunciado, rumores indicam que Adam Driver poderá interpretar a versão mais jovem de Neil McCauley, papel que foi de Robert De Niro no original. Já Ana de Armas e Austin Butler estão também cotados para papéis centrais, com Butler a suceder Val Kilmer como Chris Shiherlis.
A expectativa é que HEAT 2 continue a tradição do seu predecessor, oferecendo não só uma narrativa complexa e envolvente, mas também uma experiência cinematográfica única.
A atriz Scarlett Johansson foi recentemente vista no set de filmagens de Jurassic World: Rebirth, o quarto filme da aclamada saga Jurassic World. As gravações, que estão a decorrer em Londres, revelaram Johansson caracterizada com um visual que mistura um elegante fato com ténis desportivos, oferecendo um primeiro vislumbre da sua personagem neste novo capítulo da franquia.
A trama de Jurassic World: Rebirth passa-se cinco anos após os eventos do último filme, Jurassic World: Domínio. O enredo explora um planeta que se tornou inóspito para os dinossauros, que agora sobrevivem apenas em ambientes equatoriais isolados, onde o clima assemelha-se ao de eras passadas, quando estas criaturas dominavam a Terra. A sinopse ainda revela que as três criaturas mais colossais dessa biosfera tropical detêm a chave para a criação de uma droga revolucionária, capaz de trazer benefícios milagrosos à humanidade.
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Além de Johansson, o elenco de Jurassic World: Rebirth contará com estrelas de renome como Jonathan Bailey e Mahershala Ali. O filme marca o regresso de David Koepp ao roteiro, ele que escreveu o guião do filme original Jurassic Park (1993), e será dirigido por Gareth Edwards. A estreia está prevista para 1 de julho de 2025, e a expectativa em torno da produção não podia ser maior.
Dave Bautista, ator de grande sucesso conhecido pelas sagas “Guardiões da Galáxia” e “Dune”, recentemente chamou a atenção dos fãs ao aparecer visivelmente mais magro no Festival de Cinema de Toronto, a 6 de setembro, na antestreia de “The Last Showgirl”, filme realizado por Gia Coppola. Com 55 anos e 1,98 metros de altura, Bautista revelou uma silhueta significativamente mais esbelta, o que causou preocupação entre os seus seguidores.
O ator, que já pesou 170 quilos durante o auge da sua carreira como lutador da WWE, revelou que perdeu mais de 33 quilos no último ano e meio. Segundo ele, não pesava tão pouco desde os seus 19 anos. A decisão de emagrecer veio da sua carreira no cinema, especialmente após engordar para um papel no filme “Batem à Porta”, de M. Night Shyamalan, no qual pesava cerca de 143 quilos. Bautista afirmou que, após esse filme, percebeu que precisava de perder peso, pois sentia-se desconfortavelmente grande.
Nas suas próprias palavras, Bautista mencionou que o ganho de peso foi acelerado e causado, em parte, por uma dieta rica em batatas fritas e panquecas. Ao iniciar o processo de perda de peso, o ator descobriu que se sentia melhor, tanto física como mentalmente. Além disso, ele referiu que a sua nova aparência o ajuda a sentir-se mais confortável em frente às câmaras e ao lado de outros atores.
Apesar de algumas preocupações expressas pelos fãs, Bautista garantiu que a sua saúde está em boas condições. Atualmente com 109 quilos, afirmou que ainda é um “grande ser humano” e que planeia continuar a emagrecer para garantir uma maior versatilidade nos papéis que desempenha.
Esta transformação física faz parte do empenho do ator em continuar a expandir a sua carreira em Hollywood, demonstrando que, além de um corpo musculado, está focado em ser uma presença menos “distrativa” nos ecrãs, permitindo que os seus personagens brilhem mais.
A Netflix estreou recentemente o filme “Uglies”, uma adaptação da popular saga literária para jovens adultos de Scott Westerfield. O filme, lançado no dia 13 de setembro, transporta os espetadores para um futuro distópico onde a beleza é uma exigência social. Nesta realidade, todos os jovens, ao completarem 16 anos, são submetidos a uma cirurgia plástica para adquirir a aparência desejada.
A história acompanha a jovem Tally, interpretada por Joey King, que vive ansiosamente à espera da sua vez de se submeter à cirurgia. No entanto, quando a sua amiga foge, Tally embarca numa missão para a salvar, questionando-se se realmente quer seguir o caminho que a sociedade lhe impõe.
O realizador McG, conhecido pelo trabalho em “Os Anjos de Charlie”, afirmou que o filme oferece uma crítica ao conceito moderno de beleza e à crescente obsessão com as redes sociais. “Uglies” é um reflexo da pressão que muitos jovens sentem para idealizar a sua imagem online, num mundo onde as fotografias são constantemente editadas e filtradas para atingir um padrão de perfeição.
A atriz Joey King, que leu o livro original aos 11 anos, considera que o filme é extremamente relevante nos dias de hoje. A narrativa de “Uglies” convida os espetadores a refletirem sobre a importância de aceitar quem somos, em vez de tentar seguir os padrões de beleza impostos pela sociedade.
Com uma mensagem poderosa e atual, “Uglies” promete ser mais do que um simples filme de ficção científica, oferecendo uma reflexão sobre a identidade e os valores humanos.
Chad McQueen, filho da lenda do cinema Steve McQueen e conhecido pelo seu papel como “Dutch” em “Karate Kid”, faleceu aos 63 anos. A notícia foi confirmada pela família, através de um comunicado partilhado nas redes sociais, onde, apesar de não ter sido revelada a causa oficial da morte, um amigo próximo indicou que McQueen faleceu devido a falha de órgãos no seu rancho em Palm Desert. O ator nunca recuperou totalmente de uma queda sofrida em 2020.
Chad McQueen teve uma carreira diversificada que combinava a sua paixão pelas corridas de carros e o cinema. Tal como o seu pai, o lendário Steve McQueen, Chad também se destacou no mundo do automobilismo, competindo em grandes eventos como as 24 Horas de Le Mans e as 12 Horas de Sebring. No entanto, a sua carreira como piloto profissional foi interrompida em 2006, após um acidente quase fatal durante os treinos para as 24 Horas de Daytona.
No mundo do cinema, Chad McQueen não teve o mesmo impacto que o seu pai, mas continuou a atuar em diversos filmes de ação ao longo dos anos 90. Entre os seus trabalhos mais notáveis estão “Death Ring” (1992), “New York Undercover Cop” (1993) e “Firepower” (1993). Apesar de os produtores da popular série “Cobra Kai” terem tentado convencer McQueen a participar numa reunião dos membros originais do dojo Cobra Kai, ele recusou a oferta.
Chad McQueen deixa três filhos, dois dos quais estão envolvidos na escudaria McQueen Racing, fundada pelo próprio em 2010. Para além disso, os seus filhos também participaram na produção de dois documentários dedicados à memória de Steve McQueen: “Steve McQueen: The Man & Le Mans” e “I Am Steve McQueen”.
Lançado em 2001, o épico de guerra “Pearl Harbor”, dirigido por Michael Bay e produzido por Jerry Bruckheimer, prometia ser um sucesso cinematográfico à altura de filmes como “Titanic”, de James Cameron. Com um orçamento de 140 milhões de dólares, jovens estrelas populares como Ben Affleck, Josh Hartnett e Kate Beckinsale, e o pano de fundo de uma das maiores catástrofes militares da história, o ataque japonês à base americana de Pearl Harbor, o filme parecia ter todos os ingredientes para um enorme sucesso de bilheteira e de crítica.
No entanto, embora o filme tenha arrecadado 449,2 milhões de dólares mundialmente, mais de três vezes o seu orçamento, não conseguiu replicar o sucesso de “Titanic” em termos de crítica. Ao contrário do romance trágico de Cameron, “Pearl Harbor” foi arrasado pelos críticos, com apenas 24% de avaliações positivas no Rotten Tomatoes. Muitos apontaram para o facto de Bay ter tentado seguir a fórmula de sucesso de “Titanic”, mas sem a sensibilidade romântica necessária para emaranhar o público emocionalmente no triângulo amoroso central entre dois soldados e uma enfermeira.
O principal problema apontado pelos críticos foi a falta de profundidade emocional e a abordagem desajeitada ao contar a história do triângulo amoroso durante o ataque. A grandiosidade das cenas de batalha, caracterizadas pelo espetáculo visual e efeitos especiais pirotécnicos, acabou por sobrepor-se à construção das personagens e às suas relações. A imprensa especializada condenou o filme por ser, em grande parte, um espetáculo visual sem substância emocional.
No entanto, nem tudo foi negativo para o filme. A espetacular reconstituição do ataque a Pearl Harbor foi amplamente elogiada, recebendo inclusive quatro nomeações aos Óscares, das quais venceu a de Melhor Edição de Som. O filme é considerado um dos maiores feitos técnicos de Bay e, mesmo após duas décadas, as cenas de ação continuam a ser impressionantes.
Hoje em dia, “Pearl Harbor” encontra-se disponível na plataforma Disney+, onde novos espetadores podem descobrir (ou redescobrir) este épico de guerra que, apesar das críticas, conseguiu deixar a sua marca no panorama cinematográfico.
Em baixo deixamos o trailer original e o como elemento de comédia o “Honest Trailer dos Screen Junkies”
O filme Reality, realizado por Tina Satter, retrata de forma crua e meticulosa o interrogatório de Reality Winner, a jovem que divulgou informações confidenciais sobre a interferência russa nas eleições americanas de 2016. Esta obra cinematográfica é uma estreia impressionante de Satter no grande ecrã, trazendo consigo uma tensão quase palpável, sustentada pela reconstituição fiel de cada palavra trocada durante o interrogatório que culminou na detenção de Winner.
O título Reality não só remete para o conceito de realidade em si, mas também para o nome improvável da protagonista, Reality Winner, que em 2017 foi abordada pelo FBI depois de ter libertado um relatório confidencial da Agência de Segurança Nacional (NSA), onde trabalhava como tradutora. Este documento revelava a interferência russa nas eleições americanas de 2016. Reality, uma jovem de 25 anos e veterana da Força Aérea dos Estados Unidos, acabou por ser sentenciada a cinco anos de prisão – a maior pena de sempre para um caso de fuga de informação deste tipo.
A Reconstrução do Dia Decisivo
O ponto fulcral de Reality decorre a 3 de julho de 2017, quando Winner regressa a casa em Augusta, Geórgia, após uma ida ao supermercado. Antes de conseguir entrar, é interpelada por dois agentes do FBI, que a confrontam com o seu crime. Este momento é recriado no filme de forma absolutamente fiel, onde cada detalhe conta, desde a posição dos agentes até à descrição das compras que Reality transportava. O filme de Tina Satter tem como base a transcrição integral do interrogatório realizado pelo FBI, o que lhe confere um realismo cronometrado, quase documental.
A Precisão do Argumento
O argumento de Reality não inventa nem enfeita. Satter, também dramaturga, construiu o filme a partir da peça que estreou em 2019, baseada exatamente na transcrição daquele dia. No ecrã, os diálogos reproduzem palavra por palavra o que foi dito durante o interrogatório. Em várias ocasiões, as falas são acompanhadas pelas próprias transcrições escritas, exibidas para o público como forma de intensificar a experiência. Desta maneira, o espectador sente o desconforto e a banalidade do momento, onde a vida quotidiana de Reality Winner se mistura com a gravidade da situação, revelando a linha ténue entre a autoridade e o cidadão comum.
Minimalismo e Suspense
A força de Reality reside no minimalismo com que constrói o seu suspense. O filme evita qualquer dramatização desnecessária e mantém-se fiel ao material não dramático em que se baseia. A relação entre Winner e os agentes do FBI oscila entre o absurdo e o opressor, com conversas aparentemente triviais sobre crossfit e os animais de estimação de Winner a contrapor a seriedade da investigação. Esta justaposição cria momentos de comédia negra que amplificam a tensão subjacente.
Reality não procura forçar qualquer comentário político direto, mas a sua fiel reconstituição deste caso serve de lembrete do poder das forças de autoridade e da fragilidade do indivíduo perante o Estado. Embora o filme seja um retrato particular da paranoia política americana, o seu impacto vai além das fronteiras dos Estados Unidos. Com novas eleições americanas a aproximarem-se, Reality relembra-nos de como a democracia pode ser vulnerável a ameaças, internas e externas, e da importância de denunciar injustiças, mesmo quando o preço a pagar é elevado.
Conclusão
O filme Reality é um testemunho da complexidade da vida moderna e da fragilidade da nossa condição como cidadãos num mundo onde a informação e o controlo caminham de mãos dadas. Ao reconstituir um momento de enorme tensão política e pessoal, Tina Satter criou uma obra que nos leva a refletir sobre a natureza do poder, da verdade e da justiça. O caso de Reality Winner serve como um alerta constante sobre os riscos inerentes à transparência e às fugas de informação em sociedades democráticas.
A HBO anunciou oficialmente o início das audições para a sua aguardada série baseada na saga de Harry Potter. O casting procura novos talentos para interpretar as icónicas personagens de Harry Potter, Ron Weasley e Hermione Granger. Este convite destina-se exclusivamente a crianças entre os 9 e os 11 anos, que residam no Reino Unido ou na Irlanda, e que estejam interessadas em dar vida a estas figuras lendárias da cultura pop. A notícia foi confirmada pela HBO à revista Variety, gerando entusiasmo entre os fãs da saga mágica.
As audições são abertas, permitindo que qualquer criança que cumpra os requisitos básicos se candidate, sem a necessidade de experiência prévia. Os jovens atores devem ter entre 9 e 11 anos em abril de 2025 e residir no Reino Unido ou na Irlanda. As candidaturas devem ser submetidas pelos pais ou pelos guardiões legais até 31 de outubro de 2024, segundo as orientações do anúncio, que foi partilhado nas redes sociais.
Inclusão e Diversidade no Elenco
Um dos aspetos que mais se destaca neste processo de seleção é o compromisso da HBO com um elenco inclusivo e diverso. O anúncio sublinha que a escolha dos novos atores será baseada unicamente no seu talento, independentemente da “etnia, deficiências, raça, orientação sexual ou identidade de género”. Este enfoque na diversidade contrasta com as recentes polémicas em torno da autora da saga, J.K. Rowling, que se envolveu em debates sobre a questão da identidade de género, sendo criticada por algumas das suas opiniões sobre mulheres trans.
O Processo de Audição
Os aspirantes a feiticeiros terão de gravar dois vídeos como parte do processo de candidatura. O primeiro vídeo deve mostrar a criança a recitar uma história ou um poema de sua preferência, com a única condição de que não seja um excerto dos livros de Harry Potter e que não exceda os 30 segundos. No segundo vídeo, os candidatos devem apresentar-se, referindo a sua idade, local de residência, altura, e descrevendo uma pessoa ou animal com quem tenham uma relação próxima. Em ambos os vídeos, as crianças devem usar o seu sotaque natural, uma instrução clara no anúncio da HBO.
Para auxiliar os pais ou guardiões legais, a produtora incluiu diretrizes sobre como gravar os vídeos, incentivando a escolha de roupas confortáveis e que as crianças gostem de usar. Além disso, há três formulários disponíveis para a submissão de candidaturas específicas para as personagens de Harry Potter, Hermione Granger e Ron Weasley. Este formato de audições abertas recorda o processo utilizado no ano 2000 para descobrir Emma Watson e Rupert Grint, que interpretaram Hermione e Ron, respetivamente, nos filmes. Daniel Radcliffe, que ficou mundialmente conhecido como Harry Potter, foi selecionado por um processo um pouco diferente, sendo descoberto por um produtor e um argumentista após meses de audições.
Uma Nova Adaptação para a Televisão
A nova série de Harry Potter será composta por sete temporadas, cada uma baseada nos respetivos livros da saga. Contudo, ainda não foi anunciada uma data oficial de estreia. Em fevereiro de 2024, David Zaslav, diretor-executivo da Warner Bros., revelou que a série está programada para estrear no início de 2026. A referência à data de abril de 2025 para os candidatos sugere que as gravações devem começar em meados de 2025.
Embora o elenco para as personagens principais ainda seja desconhecido, há especulação sobre o envolvimento de atores mais velhos para papéis secundários, seguindo o modelo dos filmes originais. Até ao momento, não foram divulgados nomes. O que se sabe é que Francesca Gardiner e Mark Mylod, conhecidos pelo seu trabalho na série Succession, serão os produtores executivos e realizadores de alguns episódios da nova adaptação.
Conclusão
Com a promessa de um elenco diversificado e uma adaptação televisiva fiel aos livros, os fãs de Harry Potter aguardam com entusiasmo o desenvolvimento desta nova série. A abertura das audições dá esperança de que novos talentos possam emergir e conquistar o público com interpretações frescas e cativantes das personagens que marcaram gerações. Será interessante ver quem serão os novos rostos que irão personificar Harry, Ron e Hermione nesta versão televisiva de uma das sagas mais amadas da literatura e do cinema.
O filme Grand Tour, de Miguel Gomes, foi oficialmente escolhido como o candidato de Portugal para uma nomeação ao Óscar de Melhor Filme Internacional em 2025. Esta revelação foi feita pela Academia Portuguesa de Cinema, que destacou o longa-metragem entre cinco finalistas, todos eles exemplares notáveis da cinematografia portuguesa contemporânea. A obra chega às salas de cinema portuguesas no dia 19 de setembro, depois de ter conquistado o prémio de Melhor Realização no prestigiado Festival de Cinema de Cannes, em maio deste ano. Este prémio marcou um feito inédito para o cinema nacional, afirmando ainda mais o talento de Miguel Gomes a nível internacional.
Entre as obras finalistas escolhidas pela Academia Portuguesa de Cinema, além de Grand Tour, encontravam-se A Flor do Buriti, de João Salaviza e Renée Nader Messora, Manga d’Terra, de Basil da Cunha, O Teu Rosto Será o Último, de Luís Filipe Rocha, e O Vento Assobiando nas Gruas, de Jeanne Waltz. No entanto, foi a visão singular de Miguel Gomes e a sua abordagem inovadora ao cinema que captaram a atenção dos membros da Academia.
A história de Grand Tour desenrola-se no início do século XX, acompanhando Edward, interpretado por Gonçalo Waddington, um funcionário público britânico que foge da sua noiva, Molly (Crista Alfaiate), no dia da chegada desta para o casamento. Edward embarca numa viagem solitária pela Ásia, numa tentativa de escapar não só ao matrimónio, mas também aos dilemas existenciais que o atormentam. Molly, por sua vez, decide persegui-lo, determinada a cumprir o seu destino conjugal, enquanto atravessa o continente asiático. O filme, assim, explora temas como a fuga, o medo do compromisso e a busca pela identidade, tudo num cenário que combina exotismo e introspeção.
Este longa-metragem foi produzido pela produtora portuguesa Uma Pedra no Sapato, em coprodução com países como Itália, França, Alemanha, China e Japão. A produção foi feita em duas fases distintas: a primeira envolveu uma equipa reduzida que acompanhou o realizador em várias localizações do Oriente; a segunda, mais tradicional, teve lugar em estúdios em Roma e Lisboa, onde se realizaram as filmagens com os atores principais.
A 97.ª edição dos Óscares, marcada para 2 de março de 2025, será um momento crucial para o cinema português. As nomeações serão reveladas a 17 de janeiro, e Portugal, desde 1980, tem submetido candidatos à categoria de Melhor Filme Internacional. Apesar de nunca ter conseguido uma nomeação nesta categoria, a expectativa cresce em torno de Grand Tour, um filme que já provou o seu valor nos palcos internacionais.
É importante sublinhar que este é o segundo filme de Miguel Gomes a ser escolhido pela Academia Portuguesa de Cinema. Em 2016, a academia submeteu o tríptico As Mil e Uma Noites, também realizado por Gomes, à consideração para os Óscares. Contudo, tal como em anos anteriores, a obra não foi selecionada entre os nomeados. Para além deste processo de seleção da Academia, o cinema português pode ainda ser considerado noutras categorias dos Óscares, dependendo de critérios como a premiação em festivais internacionais de prestígio.
A nível internacional, outros países também já começaram a revelar os seus candidatos à corrida pelo Óscar de Melhor Filme Internacional. A Alemanha escolheu Les Graines du Figuier Sauvage, do realizador iraniano Mohammad Rasoulof, uma coprodução franco-alemã premiada em Cannes. A Letónia, por sua vez, aposta em Flow, uma obra de animação sem diálogos realizada por Gints Zilbalodis, que foi galardoada no Festival de Annecy. Já a Palestina submeteu From Ground Zero, um projeto que junta 22 curtas-metragens de novos realizadores oriundos de Gaza.
Com uma forte tradição de cinema de autor e obras que frequentemente desafiam convenções, Portugal continua a procurar o seu lugar entre os nomeados para os Óscares. Grand Tour poderá ser a chave que finalmente abre as portas de Hollywood ao cinema português, mas até ao anúncio das nomeações, resta apenas aguardar e torcer para que a visão única de Miguel Gomes seja reconhecida pela Academia de Hollywood.