Cinema português em queda nas bilheteiras: apenas 1% dos espectadores viu filmes nacionais em 2025

“On Falling”, de Laura Carreira, lidera entre as produções nacionais, mas o domínio de Hollywood mantém-se esmagador

O cinema português continua a lutar por atenção nas salas nacionais. De acordo com os dados divulgados pelo Instituto do Cinema e do Audiovisual (ICA), os filmes portugueses ou com coprodução nacional conseguiram apenas 1,1% dos 4,5 milhões de espectadores que foram ao cinema entre Janeiro e Maio de 2025. Em termos de receita de bilheteira, a quota ainda é mais baixa: 0,8%, equivalente a 228 mil euros.

Num período em que as salas de cinema registaram um crescimento global de 13% em espectadores e 16,5% em receitas, com um total de 28,5 milhões de euros, o cinema nacional ficou, mais uma vez, à margem deste entusiasmo crescente. Mesmo com o incentivo da campanha “Cinema em Festa”, que vendeu bilhetes a 3,5 euros em mais de 420 salas durante três dias de Maio, a repercussão sobre os filmes portugueses foi praticamente residual.

Hollywood domina, Portugal resiste

Entre os 172 filmes estreados até Maio, apenas 44 foram de produção ou coprodução norte-americana. No entanto, esses mesmos filmes foram responsáveis por mais de 67% do total da exibição, tanto em receita de bilheteira como em número de espectadores. Ou seja, os blockbusters continuam a dominar por completo a preferência do público português.

O filme mais visto do ano nos cinemas foi, até agora, “Um Filme Minecraft”, de Jared Hess, que somou 498.120 espectadores e três milhões de euros em receitas. Em segundo lugar, surge “Ainda estou aqui”, de Walter Salles, com 383.829 bilhetes vendidos.

O melhor português do ano? “On Falling”

Na frente do cinema nacional está “On Falling”, da realizadora Laura Carreira, que reuniu 12.531 espectadores e cerca de 75 mil euros de receita. Um número modesto face ao panorama geral, mas ainda assim representativo da dificuldade crónica do cinema português em conquistar o público nacional, mesmo quando há reconhecimento internacional.

Apesar do talento e da diversidade de abordagens do cinema nacional, a verdade é que continua a existir uma dificuldade estrutural em atrair público para as salas. O mercado continua polarizado e dominado por grandes estúdios internacionais, com uma capacidade de promoção e distribuição incomparável face à realidade portuguesa.

Reflexões para o futuro

Os dados agora divulgados colocam mais uma vez a questão: como reconquistar o público para o cinema português?Será necessária uma maior aposta na promoção e acessibilidade? Uma revisão das estratégias de exibição? Ou até um questionamento do modelo de financiamento e distribuição?

Uma coisa é certa: há filmes portugueses a estrear e a circular — muitos deles aplaudidos em festivais internacionais —, mas continuam a ser invisíveis para a maioria dos espectadores nacionais. Talvez esteja na hora de pensar não apenas no que se faz, mas também em como se faz chegar o cinema português ao seu próprio público.

Martin Scorsese revela por que deixou de ir ao cinema: “As pessoas estragam a experiência”

O realizador de Taxi Driver e O Lobo de Wall Street já não suporta telemóveis, pipocas e conversas durante o filme

Martin Scorsese, 82 anos, nome maior da história do cinema e defensor incansável da experiência cinematográfica como um ritual sagrado, acaba de admitir uma espécie de rendição pessoal: já não vai ao cinema ver filmes. E não é por falta de títulos interessantes, mas sim porque, segundo o próprio, as salas estão a tornar-se espaços de distracção constante— e o mestre perdeu a paciência.

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Numa conversa com o crítico Peter Travers no blogue The Travers Take, citada pelo The Guardian, o realizador de Shutter Island, Assassinos da Lua das Flores e O Irlandês confessou que deixou de frequentar as salas de cinema porque já não consegue concentrar-se nos filmes devido ao comportamento do público. O mais irritante? Telemóveis acesos durante a exibição.

“Fiquei chocado com o comportamento das pessoas durante os filmes.”

Scorsese vai mais longe e enumera os restantes culpados por esta debandada pessoal: entradas e saídas constantes, barulho, e claro, a tradicional ida ao bar das pipocas — mas em modo rotativo. Em vez da tão propalada “magia do grande ecrã”, o que o realizador encontrou foi um circo caótico.

“Sim, eu também falava durante os filmes… mas sobre o filme!”

O cineasta reconhece que, no passado, também falava durante os filmes. Mas — e aqui entra o purismo cinéfilo — havia contexto e respeito:

“Sim, talvez, mas quando falávamos era sempre sobre o filme e o quanto nos divertíamos ao analisar os pormenores.”

Não se trata apenas de saudosismo. Scorsese está a verbalizar um sentimento partilhado por muitos: a crescente perda de etiqueta nas salas de cinema. As queixas sobre espectadores que comentam o filme em voz alta, atendem chamadas ou usam redes sociais durante a sessão são cada vez mais comuns. E se até Martin Scorsese desiste, é sinal de que o problema atingiu proporções épicas.

Ainda activo, mas em modo privado

Apesar de já não ir ao cinema como espectador, o realizador está longe de se reformar. Aos 82 anos, Scorsese prepara um drama policial passado no Havai, com Dwayne Johnson como protagonista — um emparelhamento inesperado e que promete dar que falar.

Além disso, está também envolvido na produção de um documentário sobre o Papa Francisco, revelando que o seu apetite narrativo continua bem vivo — mesmo que agora consuma os filmes em casa, num ambiente silencioso e controlado.

Uma voz que importa

Não é qualquer pessoa que pode fazer estas críticas com autoridade. Mas quando é Martin Scorsese — o homem que filmou Taxi Driver, Touro Enraivecido, A Última Tentação de Cristo e O Lobo de Wall Street — talvez valha a pena ouvir.

A questão que fica é: estaremos mesmo a perder o ritual de ir ao cinema? E conseguiremos recuperá-lo? Ou a experiência colectiva está condenada a ser engolida por luzes de ecrãs, ruídos de snacks e desatenções sonoras?

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Talvez seja tempo de voltarmos a olhar para as salas de cinema como templos da atenção — e não como extensões do sofá da sala. Scorsese já se afastou. Quem será o próximo?

Studio Ghibli faz 40 anos: entre o legado mágico de Miyazaki e o medo de um fim encantado demais

Um aniversário cheio de magia… e incerteza

O Studio Ghibli celebra 40 anos de existência em 2025, e fá-lo com o brilho de dois Óscares no bolso, um parque temático, uma presença forte na Netflix e uma legião de fãs apaixonados em todos os cantos do mundo. Mas há também uma sombra a pairar sobre este aniversário: Hayao Miyazaki, o génio por trás da maior parte das suas obras-primas, tem agora 84 anos, e o futuro do estúdio que cofundou com Isao Takahata parece… bem, tão nebuloso como a floresta encantada de Totoro.

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Com o aclamado O Rapaz e a Garça a arrecadar o segundo Óscar do estúdio em 2024 — mais de duas décadas depois de A Viagem de Chihiro ter vencido o primeiro — há quem acredite que Miyazaki se esteja finalmente a despedir da animação. Mas, vindo dele, nunca se sabe. Afinal, este é o homem que já se reformou mais vezes do que o Totoro cabe numa árvore.

Um estúdio feito à mão — literalmente

A Viagem de Chihiro

Desde 1985, o Studio Ghibli tornou-se sinónimo de animação feita com alma, pincel e um toque de melancolia. A Viagem de Chihiro, O Meu Vizinho Totoro, A Princesa Mononoke e Nausicaä do Vale do Vento (considerado por muitos o primeiro Ghibli, embora tecnicamente anterior à fundação oficial do estúdio) não são apenas filmes: são experiências emocionais que misturam ternura com tristeza, esperança com medo, e fantasia com duras verdades sobre a condição humana.

Ao contrário de muitos animes produzidos em massa, Ghibli sempre preferiu o caminho mais exigente: animações feitas à mão, argumentos densos, personagens femininas fortes e universos onde o bem e o mal não andam de mãos dadas — dançam uma valsa de ambiguidades.

“Cheiro de morte” e outras maravilhas

Goro Miyazaki, filho de Hayao, revelou que os filmes do estúdio trazem muitas vezes um “cheiro de morte” subtil. Não no sentido mórbido, mas sim como metáfora da vida, da perda, do que não se diz mas paira. Até Totoro, o filme das criaturas fofinhas da floresta, explora o medo infantil de perder uma mãe doente.

Não é por acaso que A Princesa Mononoke — um filme sobre o conflito entre natureza e civilização — foi descrito como uma obra-prima ambientalista e espiritual. A ligação dos filmes à natureza e ao mundo espiritual é um dos pilares da estética e da filosofia Ghibli, algo que ressoa particularmente nos dias de hoje, com as alterações climáticas a transformar fábulas em realidades.

Susan Napier, especialista em cultura japonesa, sublinha que o que distingue Ghibli dos desenhos animados ocidentais é precisamente essa complexidade emocional e ambiguidade moral. Nada de vilões cartoonescos ou finais forçados — apenas personagens reais em mundos irreais, com dilemas muito humanos.

Influências francesas, princesas independentes e florestas venenosas

A magia do Ghibli não nasceu do nada. Takahata estudou literatura francesa, Miyazaki inspirou-se em Antoine de Saint-Exupéry e no animador Paul Grimault, e ambos liam compulsivamente. O resultado? Filmes como Nausicaä, protagonizado por uma princesa curiosa que prefere estudar insectos gigantes a esperar que um príncipe a salve.

É essa combinação rara entre referências literárias, espírito progressista e um olhar estético meticuloso que tornou Ghibli um fenómeno global — tão artístico quanto político, tão espiritual quanto social.

E agora, Totoro?

O futuro do estúdio, sem Miyazaki ao leme, levanta dúvidas. A professora Miyuki Yonemura alerta que dificilmente alguém conseguirá replicar aquele mesmo olhar, aquele mesmo cuidado, aquela mesma magia.

Mas os fãs, como Margot Divall, acreditam que o legado continuará — desde que o estúdio mantenha o seu coração intacto: “Desde que não perca a sua beleza, desde que continue com a quantidade de esforço, cuidado e amor.”

Depois do Desastre nas Bilheteiras, “Branca de Neve” com Rachel Zegler e Gal Gadot Chega ao Disney+

Resta saber se o mundo Ghibli se vai manter como aquele comboio encantado de Chihiro, a deslizar serenamente por cima da água… ou se sairá dos carris quando o mestre se for.

Portugal em destaque no Festival de Cinema de Guadalajara: mais de 30 filmes e homenagem a Maria de Medeiros

Do Douro ao México: celebração do cinema português na 40.ª edição do festival

Portugal é o país convidado da 40.ª edição do Festival Internacional de Cinema de Guadalajara, que arrancou esta sexta-feira no México. A presença lusa faz-se sentir em força, com mais de 30 filmes portugueses — dos clássicos à vanguarda contemporânea — e uma programação que presta homenagem à atriz e realizadora Maria de Medeiros, uma das figuras mais internacionais da nossa cinematografia.

A selecção inclui nomes incontornáveis como Pedro Costa, Manoel de Oliveira, José Álvaro Morais e obras de diferentes géneros e formatos, do documentário à ficção, da curta à longa-metragem, do cinema de autor à animação em stop-motion.

Uma homenagem justa a Maria de Medeiros

epa10655750 Maria de Medeiros arrives for the screening of ‘The Old Oak’ during the 76th annual Cannes Film Festival, in Cannes, France, 26 May 2023. The movie is presented in the Official Competition of the festival which runs from 16 to 27 May. EPA/GUILLAUME HORCAJUELO

Entre os destaques do festival está a homenagem a Maria de Medeiros, celebrando o seu percurso como atriz, realizadora e artista multifacetada. Serão exibidos filmes icónicos da sua carreira, como Silvestre, de João César Monteiro, onde protagonizou um dos seus primeiros papéis no cinema, e Capitães de Abril, a sua obra como realizadora que homenageia a Revolução dos Cravos.

A homenagem é uma forma de sublinhar a ligação histórica e afectiva de Maria de Medeiros com o cinema europeu e internacional, bem como o seu papel de embaixadora cultural de Portugal no mundo.

Animação portuguesa também em destaque

O cinema de animação marca igualmente presença no festival, com Os demónios do meu avô, de Nuno Beato, a ser exibido acompanhado por uma exposição com miniaturas em stop-motion usadas na produção do filme — um raro vislumbre do processo criativo por detrás da técnica artesanal.

O realizador João Gonzalez, autor do premiado Ice Merchants, dará ainda uma masterclasse sobre animação, contribuindo para o reconhecimento internacional da nova geração de animadores portugueses.

Clássicos e novos olhares

A selecção de obras portuguesas inclui títulos fundamentais como Maria do Mar (1930), de Leitão de Barros, e Trás-os-Montes (1976), de António Reis e Margarida Cordeiro — ambos pilares históricos do nosso cinema.

Mas também há espaço para o contemporâneo com filmes como A fábrica de nada (Pedro Pinho), As Fado Bicha (Justine Lemahieu) e A noite (Regina Pessoa). O documentário A Savana e a Montanha, de Paulo Carneiro, que aborda a resistência à exploração de lítio em Covas do Barroso, está nomeado para o prémio de melhor longa-metragem documental ibero-americana.

Outros filmes em competição incluem Tardes de solidão, do espanhol Albert Serra (coprodução portuguesa), Ouro negro, de Takashi Sugimoto (produzido por Uma Pedra no Sapato), e Tapete voador, curta-metragem de Justin Amorim baseada em casos reais de abuso sexual em Portugal.

Representação LGBT e consciência social

Na secção Maguey, dedicada a narrativas LGBT, o filme Duas vezes João Liberada, de Paula Tomás Marques, traz à tela a história de uma figura ficcional perseguida pela Inquisição por transgredir as normas de género da época.

Já La memoria de las mariposas, da peruana Tatiana Fuentes Sadowski, com coprodução portuguesa da Oublaum Filmes, está a concurso na categoria de cinema socioambiental, um tema cada vez mais presente nas preocupações dos festivais internacionais.

Um festival que celebra o passado, o presente e o futuro do cinema português

Com esta programação vasta e eclética, o Festival de Guadalajara assume-se como uma montra de luxo para o cinema português, reconhecendo não só os mestres do passado como também as vozes emergentes de uma nova geração de criadores.

A 40.ª edição do festival decorre até 14 de Junho, e é, sem dúvida, um momento de celebração para todos os que acreditam na força transformadora do cinema português além-fronteiras.

Robert De Niro e Whoopi Goldberg rendem-se a Portugal no Festival Tribeca: “Segurança, diversidade e talento”

Lisboa volta a brilhar no mapa do cinema internacional com a segunda edição do Tribeca Lisboa

O Festival Tribeca Lisboa regressa em força de 30 de Outubro a 1 de Novembro, e a apresentação da segunda edição, feita esta quinta-feira em Nova Iorque, não deixou dúvidas: Portugal conquistou corações — e grandes nomes — no panorama do cinema internacional. Entre elogios à segurança, diversidade e hospitalidade portuguesa, Robert De Niro, Whoopi Goldberg e Jane Rosenthal partilharam publicamente o seu entusiasmo com a experiência lisboeta.

ver também: Três estreias portuguesas no Festival de Cinema de Marselha: Rita Azevedo Gomes, Leonor Noivo e João Miller Guerra em destaque

O evento, realizado no âmbito do Festival Tribeca em Nova Iorque, revelou novidades para a edição lisboeta e confirmou a presença de Kim Cattrall, Meg Ryan e Giancarlo Esposito no evento português, que promete tornar-se um marco do calendário cultural da cidade.

Whoopi Goldberg: “Lisboa é maravilhosa, segura e diversa”

A atriz e comediante Whoopi Goldberg, numa declaração à Lusa, sublinhou a multiculturalidade de Lisboa e a sensação de segurança que encontrou nas ruas da capital portuguesa:

“Gostei de ver todas as pessoas, porque não eram só brancos. (…) Havia todos os tipos de pessoas. Adorei isso e recomendo que as pessoas vão, porque é maravilhoso.”

Apesar de não confirmar se marcará presença na edição de Lisboa deste ano, Goldberg mostrou-se genuinamente entusiasmada com o país e deixou no ar a vontade de voltar.

Robert De Niro encantado com o Beato

Também Robert De Niro não poupou elogios à sua visita a Lisboa, especialmente ao Hub Criativo do Beato, onde decorreu a primeira edição do Tribeca Lisboa em 2024:

“Aquela zona industrial (…), o Beato, foi fantástica. Diverti-me muito. Estou ansioso por voltar e falar sobre a nossa relação com todos em Lisboa, em Portugal.”

De Niro, que cofundou o festival em 2001 como resposta ao 11 de Setembro, vê em Lisboa uma extensão natural do espírito do Tribeca — um lugar para contar histórias, cruzar culturas e apostar no talento emergente.

Jane Rosenthal destaca “intercâmbio cultural” e necessidade de proteger artistas

Jane Rosenthal, a outra fundadora do festival, frisou o ambiente positivo e receptivo que encontrou em Lisboa, assim como o interesse genuíno do público português na programação apresentada:

“Tudo isso trouxe-nos de volta às origens do festival de cinema, mas de uma forma alegre, uma forma de intercâmbio cultural, diplomacia cultural.”

Rosenthal aproveitou ainda para sublinhar a importância de proteger a liberdade de expressão, referindo que cabe aos artistas e educadores manter acesa a chama da criatividade:

“Só seremos mais fortes se formos mais educados. E os artistas, as histórias de artistas podem, por vezes, ir além do que os políticos dizem.”

Novidades da segunda edição: mais dias, mais locais e uma estreia açoriana

A edição de 2025 do Tribeca Lisboa terá três dias de duração (de 30 de Outubro a 1 de Novembro) e expandir-se-á para novos espaços além do Hub Criativo do Beato: o Teatro Ibérico e a Igreja do Convento do Beato também vão acolher sessões, reforçando o ambiente cinematográfico da cidade.

Entre os filmes já confirmados está “Honeyjoon”, primeira longa-metragem da realizadora norte-americana Lilian T. Mehrel, produzida em parceria com a portuguesa Wonder Maria Filmes. O filme, rodado integralmente em São Miguel, nos Açores, conta com Ayden Mayeri, Amira Casar e José Condessa no elenco.

Lisboa no radar do cinema global

Para o CEO do Grupo Impresa, Francisco Pedro Balsemão, o sucesso da primeira edição provou que Lisboa pode (e deve) ter um papel de destaque no circuito internacional:

“Isto não é só um festival, é uma forma de nós conseguirmos criar mais conteúdos, de estarmos a abrir horizontes, estarmos mais próximos da visão internacional dos conteúdos audiovisuais.”

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Fundado em 2001, o Tribeca Festival começou como uma celebração do cinema independente, mas evoluiu para um espaço alargado de storytelling em múltiplos formatos. Com Lisboa como destino europeu, Portugal está agora no centro desta narrativa global — com estrelas, talentos e histórias que merecem ser contadas.

Três estreias portuguesas no Festival de Cinema de Marselha: Rita Azevedo Gomes, Leonor Noivo e João Miller Guerra em destaque

Cinema português em força no FIDMarseille 2025

Portugal volta a marcar presença no panorama internacional do cinema com três estreias mundiais no Festival Internacional de Cinema de Marselha (FIDMarseille), que celebra a sua 36.ª edição de 8 a 13 de Julho de 2025. Os novos filmes de Rita Azevedo Gomes, Leonor Noivo e João Miller Guerra foram seleccionados para a programação oficial do festival francês, um dos mais relevantes do circuito europeu no campo do cinema documental e de autor.

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Entre ficção, documentário e experiências híbridas, os três projectos representam diferentes abordagens estéticas e temáticas, revelando a vitalidade criativa do cinema português contemporâneo — e também a sua capacidade de dialogar com temas universais.

“Fuck the Polis”: Rita Azevedo Gomes em competição internacional

Em estreia mundial e inserido na competição internacional, Fuck the Polis marca o regresso de Rita Azevedo Gomes com uma obra que volta a cruzar literatura, paisagem e existencialismo. O título invoca o livro de poesia de João Miguel Fernandes Jorge, mas também um gesto político de rebeldia e contemplação.

Segundo a sinopse oficial, o filme parte de uma personagem chamada Irma, que, vinte anos depois de uma viagem à Grécia feita sob a convicção de que estava condenada, regressa agora acompanhada por três jovens. Entre ilhas, mar e céu, o grupo mergulha em leituras, escutas e vivências guiadas pelo apelo à beleza e à clareza. O argumento é assinado pela realizadora e por Regina Guimarães, e a produção é da responsabilidade da própria Rita Azevedo Gomes.

“Bulakna”: Leonor Noivo estreia-se na longa-metragem

Também em competição e em estreia absoluta estará Bulakna, primeira longa-metragem de Leonor Noivo, produzida pela Terratreme Filmes com coprodução francesa. O documentário foca-se na diáspora de mulheres filipinas, um tema raramente explorado no cinema português, e promete lançar luz sobre histórias de migração, resistência e identidade feminina globalizada.

Leonor Noivo, com uma carreira marcada por curtas-metragens intensas e observacionais, dá agora um passo sólido para o grande ecrã, mantendo o seu olhar atento à intimidade dos corpos e à invisibilidade das histórias que habitam as margens do quotidiano.

“Complô”: o cinema político de João Miller Guerra

A terceira estreia portuguesa no festival é Complô, de João Miller Guerra, documentário que parte da figura de Ghoya (Bruno Furtado), rapper e activista luso-cabo-verdiano, cuja história de vida é atravessada por questões de identidade, exclusão e pertença.

Segundo a produtora Uma Pedra no Sapato, o filme mergulha na experiência de alguém que “viu negado à nascença o direito de ser e se sentir português”, propondo uma reflexão poderosa sobre racismo estrutural e cidadania num país que ainda se confronta com os seus fantasmas coloniais. Uma obra urgente e política, que prolonga a linha de intervenção social visível noutras obras do realizador.

Coproduções e panorama internacional

Além dos filmes portugueses, o FIDMarseille 2025 conta ainda com coproduções nacionais, como All Roads Lead to You, da artista ucraniana Jenya Milyukos, e Morte e Vida Madalena, do brasileiro Guto Parente — ambas com presença portuguesa nos créditos, revelando a crescente participação lusa em projectos transnacionais.

O festival abrirá com Kontinental, do romeno Radu Jude, outro autor de culto do cinema europeu contemporâneo.

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O FIDMarseille volta assim a afirmar-se como um espaço privilegiado para a descoberta de vozes singulares e para a afirmação de um cinema que resiste ao formato, à fórmula e ao facilitismo — e Portugal, felizmente, está no centro dessa conversa.

Especial Dia de Portugal no TVCine Edition: seis estreias para celebrar o cinema português

De Frederico Serpa a Sérgio Graciano, um 10 de Junho recheado de grandes estreias

O Dia de Portugal vai ser celebrado com uma maratona de cinema 100% português nos canais TVCine, que assinalam a data com seis estreias televisivas absolutas. A programação, transmitida a 10 de Junho no TVCine Edition, arranca às 11h e prolonga-se até ao início da noite, oferecendo uma amostra diversificada e rica do que se faz (e imagina) no cinema nacional. São filmes que percorrem géneros, geografias e visões, sempre com o talento português em primeiro plano.

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11h00 – Arrabalde, de Frederico Serpa

A jornada começa com Arrabalde, uma estreia na realização para Frederico Serpa, que também protagoniza este filme-poema urbano. Dois amigos percorrem de bicicleta uma cidade que tanto pode ser Lisboa como qualquer outra. À medida que o dia avança e a noite se instala, os episódios que testemunham põem em causa as suas bússolas morais. Com participações de Martim Guerreiro, Alexandra Freudenthal, Luís Miguel Cintra e Manuel João Vieira, esta é uma ode inquieta à cidade contemporânea.

12h20 – Na Mata dos Medos, de António Borges Correia

Segue-se Na Mata dos Medos, uma obra que mistura o real e o imaginado numa estrutura metacinematográfica. Alice, uma realizadora viúva, investe-se num projecto de filme-ensaio sobre os primeiros amores. Aos poucos, o espectador mergulha nesse mesmo filme idealizado, atravessando camadas de ficção e memória. Vencedor do Prémio do Público no FESTin, o filme conta com Anabela Brígida, Joana Bárcia e Cláudio da Silva.

13h50 – Nome, de Sana Na N’Hada

Diretamente da secção ACID do Festival de Cannes, Nome retrata a Guiné-Bissau de 1969, em plena guerra de libertação. O protagonista, um jovem que se junta ao movimento de resistência Maquis, regressa anos depois como herói — mas encontra uma realidade amarga e desiludida. Esta coprodução entre Guiné-Bissau, Portugal, França e Angola é assinada pelo veterano Sana Na N’Hada e tem no elenco Marcelino António Ingira, Binete Undonque e Marta Dabo.

15h50 – O Melhor dos Mundos, de Rita Nunes

Num cenário de ficção científica em Lisboa, no ano de 2027, O Melhor dos Mundos aborda dilemas éticos, científicos e emocionais entre um casal de investigadores que se vê dividido perante a iminência de um possível sismo devastador. Sara Barros Leitão e Miguel Nunes lideram o elenco desta proposta ambiciosa de Rita Nunes, que mistura ciência, drama e introspecção.

17h05 – Mãos no Fogo, de Margarida Gil

Inspirado livremente em A Volta do Parafuso de Henry James, este filme mergulha numa atmosfera de mistério e inquietação. Uma jovem estudante de cinema descobre que a mansão duriense que filma para um documentário tem muito mais para revelar do que se imagina. Margarida Gil assina aqui o seu nono filme, com um elenco onde brilham Carolina Campanela, Rita Durão e Marcello Urgeghe.

18h55 – Os Papéis do Inglês, de Sérgio Graciano

A maratona encerra com um épico luso-angolano que cruza literatura, mistério e identidade. Inspirado na obra de Ruy Duarte de Carvalho, o filme acompanha a busca de um homem pelos enigmas deixados pelo seu pai no deserto do Namibe, atravessando décadas de história. Com argumento de José Eduardo Agualusa, Os Papéis do Inglês conta com João Pedro Vaz, Miguel Borges, Joana Ribeiro e Délcio Rodrigues.

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Um retrato plural do cinema português

Este Especial Dia de Portugal nos TVCine é mais do que uma maratona cinematográfica: é um retrato caleidoscópico da criatividade portuguesa, com espaço para a memória colonial, a ficção científica, o realismo poético, a crítica social e a adaptação literária. Um verdadeiro mergulho na diversidade estética e temática que marca o nosso cinema, e uma excelente oportunidade para descobrir — ou redescobrir — o talento que se filma em português.

A não perder, a 10 de Junho, a partir das 11h, em exclusivo no TVCine Edition e no TVCine+.

“Uma Noite no Zoo”: Quando os Animais Viram Zombies e o Zoo Vira um Campo de Batalha! 🐺🦙🧟‍♂️

Nova animação estreia a 3 de julho e promete gargalhadas, ação e… um coelho completamente doido

Já vimos animais a cantar, a cozinhar, a pilotar aviões e até a viver aventuras secretas em apartamentos de luxo. Mas agora, em Uma Noite no Zoo, os animais ultrapassam todos os limites… e viram zombies mutantes! A nova aposta da NOS Audiovisuais estreia a 3 de julho nos cinemas portugueses e promete ser um verdadeiro “Zoopocalipse” animado.

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Realizado por Ricardo Curtis (Os Incríveis, Monstros e Companhia) e Rodrigo Perez-Castro (O Livro da Vida, Ferdinando), o filme junta ação, humor e uma pitada de terror (muito leve, claro) numa história onde a sobrevivência é levada a sério… mas sempre com uma boa gargalhada pelo meio.

Meteoro, vírus zombie e um coelho que quer dominar o mundo 🐰☄️

Tudo começa quando um meteoro cai sobre o Zoo de Colepepper, libertando um vírus misterioso que transforma os animais pacatos em autênticas criaturas descontroladas. Cabe a Gracie, uma jovem loba sonhadora, e a Dan, um puma solitário com voz de líder relutante, organizar uma resistência improvisada para salvar o Zoo – e talvez até o planeta.

Mas nenhum herói se safa sozinho. Ao seu lado surgem aliados inesperados: Xavier, o lémure hiperactivo, Frida, a capivara zen, Ash, a avestruz neurótica e Felix, o macaco malabarista. Juntos, terão de enfrentar o terrível Coelho Zero – um tirano mutante com aspirações de império viral. Sim, é tão caótico e divertido como parece.

Uma homenagem animada aos clássicos dos anos 80 🧪👾

Com uma estética vibrante e um enredo cheio de referências, Uma Noite no Zoo pisca o olho a clássicos como Gremlins e Os Caça-Fantasmas. É uma carta de amor ao cinema de aventura dos anos 80, mas com ritmo moderno e animação de alta qualidade. A banda sonora energética e o humor visual garantem que os mais novos fiquem colados ao ecrã… e que os pais não adormeçam no processo.

Apesar de todo o caos (e zombies), o filme não perde de vista os seus temas centrais: coragem, cooperação e aceitação da diferença. No meio de tanto ruído, é bom ver que ainda há espaço para mensagens com coração.

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Preparem-se para uma noite no Zoo como nunca viram. A partir de 3 de julho, o caos vai chegar aos cinemas – e vai ser assustadoramente divertido.

“Maria Montessori”: O Filme Que Vai Dar Voz à Mulher que Mudou o Mundo da Educação

Leïla Bekhti e Jasmine Trinca brilham num drama histórico sobre maternidade, exclusão e resistência feminina 💥

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Se pensarmos na palavra “escola”, provavelmente poucos nomes surgem tão associados à inovação pedagógica como o de Maria Montessori. Mas quem era, afinal, esta mulher que ousou desafiar o sistema educativo no virar do século XX? A resposta chega já a 12 de junho com Maria Montessori, um filme biográfico que promete muito mais do que uma simples aula de História.

Realizado por Léa Todorov e com argumento coassinado pela própria realizadora e por Catherine Paillé, Maria Montessori mergulha nas camadas íntimas da vida desta médica italiana – a primeira a exercer medicina em Itália – que revolucionou a pedagogia com um método centrado na autonomia, liberdade e respeito pelas crianças.

Mas o filme não se limita a traçar o percurso da cientista. Maria Montessori é, acima de tudo, um retrato de duas mulheres que ousaram viver fora das regras: Montessori, interpretada por Jasmine Trinca, e Lili d’Alengy, uma cortesã parisiense vivida por Leïla Bekhti, que esconde uma filha com deficiência. É em Roma que os caminhos destas duas figuras improváveis se cruzam, num encontro que muda o rumo das suas vidas e que dá corpo a um drama de forte intensidade emocional.

Mulheres à frente do seu tempo… e sozinhas no mundo

O que une estas duas mulheres, aparentemente de mundos distintos, é a luta silenciosa contra a repressão social e o preconceito. Ambas guardam segredos – Maria tem um filho nascido fora do casamento, Lili tenta proteger a filha das garras do estigma. Em comum têm a maternidade não convencional e a coragem de não baixarem os braços. E é na relação entre elas que o filme encontra o seu coração.

Não estamos perante uma narrativa empacotada num arco tradicional de superação. Maria Montessori assume-se como um drama delicado, de olhar humanista, onde a câmara dá tempo às emoções e espaço aos silêncios. A realização de Léa Todorov é sensível e contenida, deixando que as personagens respirem e que o espectador mergulhe nas suas angústias e esperanças.

Uma história comovente… e politicamente atual

A pedagogia de Montessori não serve aqui apenas como pano de fundo, mas como motor simbólico de transformação. A sua visão sobre a infância, até então encarada com desdém e violência institucional, é apresentada como um gesto de revolução silenciosa. E, num mundo onde as vozes femininas ainda lutam para serem ouvidas, o filme ganha uma ressonância política inesperada e necessária.

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Maria Montessori estreia em exclusivo nos cinemas UCI a 12 de junho. Mais do que um filme biográfico, é uma homenagem à persistência feminina, ao poder da empatia e à urgência de dar espaço às histórias que nunca chegaram aos manuais escolares. Preparem os lenços… e os aplausos.

Ana de Armas: Da pronúncia fonética ao topo da ação em “Ballerina”

De “Knock Knock” a “Ballerina”, a viagem improvável e extraordinária de Ana de Armas até ao coração do universo John Wick.

Ana de Armas já provou que não é uma estrela qualquer — é uma força imparável. Com o novo filme Do Mundo de John Wick: Ballerina, que acaba de estrear nos cinemas portugueses, a atriz cubana alcança o seu momento de consagração num género que, até há pouco tempo, parecia-lhe completamente improvável: o cinema de ação.

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Mas a sua relação com Keanu Reeves — e com o próprio Wick-verso — começou bem antes de patins de gelo transformados em armas mortais. Foi em Knock Knock (2015), um thriller erótico realizado por Eli Roth, que Ana de Armas pisou pela primeira vez um plateau de Hollywood. Tinha acabado de chegar a Los Angeles, falava pouco inglês e teve de decorar o guião… foneticamente.

“Foi duro. Senti-me miserável por vezes. Muito sozinha”, recorda hoje. “Mas queria provar que conseguia. Diziam-me ‘vemos-te daqui a um ano, quando falares inglês’. E eu respondia: ‘Vejo-vos daqui a dois meses’.”

Da “Bond Girl” à protagonista de ação

De Armas subiu a escada de Hollywood com uma velocidade vertiginosa. Brilhou em Blade Runner 2049, roubou a cena em Knives Out e foi nomeada para o Óscar com a sua arrebatadora interpretação de Marilyn Monroe em Blonde. Mas Ballerina é o seu primeiro grande protagonismo num filme de ação com estreia mundial em sala — e o desafio é tão grande quanto o universo que herdou.

Ballerina decorre entre os eventos de John Wick 3: Implacável e John Wick 4 e segue Eve, uma bailarina que se transforma em assassina para vingar a morte da sua família. Uma personagem feminina dura, letal, mas também com camadas de vulnerabilidade — algo que Ana de Armas transmite com uma autenticidade rara.

“O que mais gosto nos meus heróis de ação é vê-los a fraquejar. Não quero a personagem estoica, que sabe que tudo vai ficar bem. Quero que lutem com tudo”, diz Chad Stahelski, realizador da saga John Wick e produtor de Ballerina.

Uma vida de sacrifício, luta… e persistência

Para Stahelski, o que convenceu definitivamente não foi apenas o talento ou o carisma de Ana de Armas, mas a sua história de vida.

“Ela não veio só aproveitar a vista — ela gosta de subir a montanha”, afirma.

E Ana confirma: “Nunca tive um plano B. Esta era a única coisa que eu tinha. Esta é a forma como me alimento e como sustento a minha família. Isto é sobrevivência.”

Desde os dias em que sofria de asma na infância em Cuba, incapaz de correr com os amigos, até hoje — onde protagoniza cenas de luta coreografadas, lida com lança-chamas e combate corpo a corpo — Ana de Armas redefiniu o que significa ser uma estrela de ação.

Um rosto novo, uma energia diferente para o universo “John Wick”

Apesar de ter tido um breve papel na ação de 007: Sem Tempo Para Morrer, foi com Ballerina que Ana mergulhou verdadeiramente no treino físico e emocional de uma heroína do género. E isso vê-se na tela — e fora dela.

Participou em festivais, entrevistas, vídeos virais com asas de frango picante, e até foi questionada sobre o seu próximo filme com Tom Cruise, Deeper. Tudo sem perder a graça, o humor e a empatia que a tornam uma presença cativante. E sim, parte dessa leveza vem do facto de dividir o seu tempo entre Los Angeles e… Vermont.

“Sim, surpreende muita gente. Mas trouxe-me felicidade, sanidade e paz”, diz ela a rir.

O futuro? Com os dois pés na ação… e o coração no cinema

Com Ballerina, Ana de Armas carimba o passaporte para o panteão dos grandes nomes do cinema de ação. E mais do que isso: abre a porta a uma nova geração de protagonistas femininas complexas, humanas e verdadeiramente letais.

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Para a atriz, a missão está clara: “Quando dou uma hipótese a algo, dou o meu melhor. O que quer que isso signifique. E depois posso dizer: dei o meu melhor.”

E sim, Ana: deu — e arrasou.

Tom Cruise Faz História (Outra Vez): Guinness Recorde Para Cena de Paraquedas em Chamas em Mission: Impossible — The Final Reckoning 🪂🔥

Aos 61 anos, Tom Cruise continua a provar que a idade é apenas um número… especialmente quando se fala em voar de helicóptero com um paraquedas em chamas. Sim, leu bem. O astro de Hollywood conquistou agora um Guinness World Record pelo maior número de saltos com paraquedas em chamas — 16, para ser exacto — durante as filmagens de Mission: Impossible — The Final Reckoning.

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Este feito não é apenas mais uma entrada no vasto portefólio de loucuras físicas de Cruise. É a consagração oficial de uma carreira que desafia continuamente os limites do que um actor pode (ou deve) fazer num set de filmagens.

Um salto (ou 16) para a eternidade

O momento histórico foi filmado nos céus da cordilheira de Drakensberg, na África do Sul, com Cruise a saltar de um helicóptero a mais de 75.000 pés de altitude, com o paraquedas literalmente ensopado em combustível e a arder. Cada salto terminava com a libertação do paraquedas em chamas, seguido da activação de um segundo paraquedas de segurança. Porque claro, se é para ser perigoso, ao menos que se faça com classe (e seguro).

E como se não bastasse o fogo e a gravidade, Cruise levava também um arnês com uma câmara Snorri de 22 kg presa ao corpo para captar imagens em plano fechado do momento. Se parece insano… é porque é mesmo.

“Não estamos a correr riscos… obviamente.” 😏

O Guinness World Records não teve dúvidas: “Tom não é apenas um actor de filmes de acção — ele é um herói de acção real”, afirmou Craig Glenday, editor-chefe da instituição. “Esta conquista mostra o seu compromisso absoluto com a autenticidade e os limites que está disposto a ultrapassar.”

Numa entrevista dos bastidores, Cruise — entre risos — garantiu que tudo foi feito com cuidado: “Vamos ser inteligentes. Não estou a dizer para sermos imprudentes. Nós não corremos riscos… obviamente.”

Claro que isto vindo de alguém que já pilotou aviões de combate reais em Top Gun: Maverick, escalou o Burj Khalifa em Missão: Impossível — Protocolo Fantasma, e saltou de motos de penhascos na Noruega, pode ser interpretado de várias formas.

Mais do que um recorde, uma lenda viva

Este momento épico junta-se a uma longa lista de acrobacias inesquecíveis protagonizadas por Cruise. Mas o que distingue The Final Reckoning é o facto de ser a despedida desta saga em duas partes, e tudo indica que esta seja uma das entradas mais ambiciosas da série.

Com um Guinness Recorde agora no currículo e os fãs a salivar por ver o resultado final no grande ecrã, Tom Cruise não está apenas a terminar Missão: Impossível — está a reformular o que significa ser uma estrela de acção no século XXI.

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E se por acaso tinha dúvidas, lembre-se: há actores que simulam ser heróis… e há Tom Cruise.

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O Terror Está de Volta ao Amor: “Together” Promete Arrepiar os Corações a 14 de Agosto 🎬🖤

Preparem-se para um verão com arrepios – mas não é por causa do ar condicionado! Together chega aos cinemas portugueses a 14 de agosto e promete ser uma das experiências cinematográficas mais intensas do ano. Protagonizado por Dave Franco (The Disaster Artist) e Alison Brie (Promising Young Woman), o filme tem sido descrito como uma verdadeira viagem visceral ao universo do body horror… e do casamento em crise. Um terror tão íntimo como inquietante.

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O Amor é Lindo… Até Deixar de Ser

Casados na vida real desde 2017, Dave Franco e Alison Brie encarnam em Together o casal Tim e Millie, que decide fugir do bulício da cidade e recomeçar numa casa isolada no campo. O que começa como um retiro romântico rapidamente se transforma num pesadelo psicológico: as tensões da relação intensificam-se e, como se não bastasse, uma entidade misteriosa começa a interferir… primeiro nas emoções, depois nos corpos.

Sim, leu bem. Este não é apenas mais um thriller conjugal com um fantasma ao fundo do corredor. Estamos a falar de body horror puro e duro – daqueles que fazem torcer o estômago e olhar para o amor com um misto de fascínio e medo.

Crítica Unânime e 100% no Rotten Tomatoes 🍅

Estreado mundialmente no Festival de Cinema de Sundance em janeiro, Together conquistou a crítica de forma rara no cinema de género. Mantém, até agora, uma impressionante classificação de 100% no Rotten Tomatoes – um feito que poucos filmes de terror conseguem alcançar, quanto mais um indie com alma e ambição.

Sob a realização de Michael Shanks, que aqui se estreia na direção de longas-metragens, o filme combina atmosfera, intimismo e um crescendo de tensão que culmina numa experiência desconcertante. E não só o realizador estreia-se – Franco e Brie também assinam a produção, tornando este projeto ainda mais pessoal.

“Juntos” até que o Horror os Separe

A grande força de Together reside na química perturbadora entre os protagonistas. Esta não é apenas uma história sobre um casal; é uma exploração dos limites do amor, da dor e da identidade. Quando tudo o que conheces é a pessoa que tens à tua frente… e mesmo essa começa a parecer estranha, que resta?

Preparem-se: este é um filme que mistura os terrores sobrenaturais com os muito reais dilemas de uma relação que se desmorona. E fá-lo com coragem, criatividade e um certo prazer sádico.

Together estreia em Portugal a 14 de agosto, com distribuição da NOS Audiovisuais. O trailer oficial já está disponível — e é melhor vê-lo com a luz acesa.

Al Pacino contra o Diabo… e os Críticos: “The Ritual” Chega com 0% no Rotten Tomatoes

É o fim de uma era? Al Pacino, um dos maiores actores da história do cinema, entrou oficialmente na lista negra da crítica com The Ritual, um novo filme de terror que, mesmo antes de chegar aos cinemas dos EUA esta semana (6 de Junho), já conquistou um feito… pouco invejável: 0% no Rotten Tomatoes. Sim, leu bem. Zero.

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Esta marca marca a primeira vez na longa carreira de Al Pacino (mais de 60 créditos em cinema e nove nomeações aos Óscares) que um dos seus filmes recebe unanimidade negativa entre os críticos. Um recorde absolutamente diabólico.

O Filme: Exorcismos, Demónios e… Dejá Vu

Realizado por David Midell, The Ritual é baseado na obra “Begone Satan!” de 1935 e inspira-se no mesmo caso verídico de possessão que originou O Exorcista. No filme, Pacino interpreta o padre Theophilus Riesinger, que se junta ao padre Joseph Steiger (Dan Stevens) para tentar salvar Emma Schmidt (Abigail Cowen), uma jovem alegadamente possuída por forças demoníacas.

O elenco é robusto: Ashley Greene (Twilight), Patrick Fabian (Better Call Saul) e Patricia Heaton (Everybody Loves Raymond) completam a equipa. Mas o talento reunido em frente às câmaras não foi suficiente para agradar os críticos.

0% Não É para Todos 🎯

Há filmes maus, há filmes esquecíveis… e depois há The Ritual, que até agora conseguiu a proeza de não arrancar uma única crítica positiva entre 26 análises contabilizadas no Rotten Tomatoes. Para colocar isto em contexto: Jack and Jill(2011), outro dos pontos baixos na filmografia de Pacino, ainda conseguiu 3%. The Ritual leva o troféu pela negativa.

A imprensa foi unânime — e impiedosa. Glenn Kenny do New York Times escreveu: “Vejam O Exorcista outra vez.” Já Frank Scheck, do Hollywood Reporter, ironizou: “Ninguém teve coragem de parar The Ritual, mais uma tentativa fracassada de exorcizar as memórias do clássico de 1973 de William Friedkin.”

Terror… Sonolento

A crítica mais repetida? É aborrecido. Meagan Navarro, da Bloody Disgusting, acusou o filme de “falhar em provocar qualquer emoção ao repetir o terceiro acto de um filme de exorcismo pela milésima vez.” E Robert Kojder (Flickering Myth) lamenta que o filme nem sequer tenha a decência de transformar-se num prazer culposo com Pacino a gritar “HOO-AHH Dunkachino!” enquanto expulsa demónios.

Mike McGranaghan, do Aisle Seat, foi ainda mais longe na comparação visual: “Fotografado como um episódio de The Office, com câmaras tremidas e zooms rápidos. Só faltava o Pacino olhar para a câmara à Jim Halpert.”

Nem o Diabo Merecia Isto

Apesar da recepção crítica desastrosa, The Ritual poderá encontrar o seu público entre os fãs de terror “so bad it’s good” – e quem quiser ver Al Pacino gritar “Attention, Beelzebub!” com toda a solenidade de quem já fez Shakespeare.

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O filme estreia a 6 de Junho nas salas dos EUA e já teve exibições limitadas no Reino Unido e Irlanda. Para já, mantém-se firme nos 0%, mas a esperança é a última a ser exorcizada… ou não.

“Red Rooms”: Obsessão, True Crime e a Dark Web no thriller que vai perturbar os nossos ecrãs

Estreia a 26 de Junho em Portugal o perturbador e fascinante filme de Pascal Plante, que já está a dar que falar entre os amantes de true crime e cinema psicológico.

🩸 Se alguma vez se perguntou até onde pode ir o fascínio pelo true crime, Red Rooms promete responder… da forma mais desconfortável possível. O novo filme do canadiano Pascal Plante, que estreia nas salas portuguesas a 26 de Junho, é um thriller psicológico afiado como uma lâmina, que desmonta — e questiona — a nossa obsessão moderna com os monstros da realidade.

O que se esconde por trás do fascínio pelo horror real?

Em Red Rooms, seguimos Kelly-Anne (brilhantemente interpretada por Juliette Gariépy), uma modelo de comportamentos metódicos e uma vida à superfície irrepreensível. Mas, nos bastidores da sua rotina glamorosa, esconde-se um interesse doentio: Kelly-Anne é absolutamente obcecada pelo julgamento de Ludovic Chevalier, um homem acusado de ser um dos assassinos em série mais sádicos da história recente do Canadá — o chamado Demónio de Rosemont — que gravou os assassinatos das suas vítimas e, alegadamente, os difundiu na dark web.

Kelly-Anne assiste religiosamente às sessões de julgamento, lado a lado com Clémentine (Laurie Babin), uma adolescente que partilha a mesma obsessão mórbida. Juntas, vão descer lentamente ao inferno de um voyeurismo digital sem limites, procurando a peça em falta: o vídeo desaparecido de um dos assassinatos, uma prova macabra que poderá condenar — ou redimir — Ludovic.

Um thriller elegante e gélido que deixa cicatrizes

Pascal Plante constrói o filme como uma cirúrgica reflexão sobre a sociedade contemporânea. Red Rooms não é só sobre serial killers — é sobre quem os venera, quem os mitifica e quem, por detrás de um ecrã ou de uma fachada socialmente aceitável, consome o horror como entretenimento. O filme dialoga com fenómenos como os documentários da Netflix, os podcasts de true crime e a estética dos fóruns mais obscuros da internet.

Mas, mais do que julgar, Red Rooms observa. Com uma realização minimalista, fria e precisa, Pascal Plante encena o desequilíbrio emocional de Kelly-Anne como um thriller de câmara lenta: inquietante, mas hipnotizante.

A dark web como espelho do nosso pior

Com referências assumidas a obras como The Poughkeepsie Tapes, Zodiac ou mesmo Nightcrawler, Red Rooms mergulha nas profundezas daquilo que a internet permite — e daquilo que cada um de nós é capaz de fazer quando o ecrã se fecha.

E se é verdade que “todos os assassinos em série têm os seus admiradores”, então este filme é o alerta vermelho que nos faz olhar ao espelho. Que voyeurismos cultivamos? Que verdades preferimos ignorar?

A resposta chega a 26 de Junho, e garantimos: vai dar que falar.

🎬 “Red Rooms”, de Pascal Plante

🗓️ A patir de 26 de Junho no Filmin

🎭 Com: Juliette Gariépy, Laurie Babin, Maxwell McCabe-Lokos

Stephen King, o dançarino secreto do apocalipse – “The Life of Chuck” estreia nos cinemas com emoção e humanidade

🎬 “A vida de Chuck mostra que até o fim do mundo pode ter momentos de beleza”. Esta frase poderia muito bem resumir a nova adaptação de Stephen King, The Life of Chuck, que chega aos cinemas portugueses a 13 de Junho, depois de conquistar o público no Festival de Toronto com o seu tom surpreendentemente… esperançoso.

O mestre do horror com coração

Stephen King é conhecido pelas suas criaturas terríveis, cidades amaldiçoadas e crianças a enfrentar o mal puro. Mas quem lê com atenção sabe que, por detrás de cada monstro, há sempre uma centelha de humanidade. É por isso que obras como It ou The Stand funcionam tão bem: porque, no fundo, falam sobre amizade, empatia e resistência.

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Em The Life of Chuck, King vira o jogo. O mundo está a acabar – literalmente –, mas o foco não está nos desastres ou no caos. Está numa única vida: a de Chuck, interpretado por Tom Hiddleston. A narrativa começa com a internet a colapsar e a Califórnia a descolar como papel de parede velho. Mas logo percebemos que não se trata do apocalipse clássico: trata-se da despedida serena de um homem que viveu, dançou e foi amado.

Mike Flanagan e o cinema sem cinismo

Mike Flanagan, que já adaptou com sucesso Doctor Sleep e Gerald’s Game, volta a trabalhar com o universo King e mostra, mais uma vez, o seu talento em equilibrar o fantástico com o profundamente humano. Em entrevista, Flanagan disse que este filme “não tem uma grama de cinismo” — e é isso que torna The Life of Chuck tão especial. Num mundo cansado de sarcasmo e distanciamento, eis um filme que fala de amor, perda, alegria e memórias com a mesma seriedade com que King trataria um vampiro ou um palhaço demoníaco.

Flanagan tem razão ao dizer que muitos se esquecem que os melhores livros de King têm coração. “Stand By Me” ou “The Shawshank Redemption” são histórias sobre crescer, acreditar e recomeçar. “The Life of Chuck” segue essa tradição.

Um toque pessoal

Stephen King, agora com 77 anos e quase 80 livros no currículo, vive uma fase particularmente introspectiva. Depois de uma experiência de quase morte e com novas obras no forno (incluindo “Never Flinch” e uma terceira parte de Talisman), King decidiu celebrar a vida e as pequenas coisas. Em The Life of Chuck, tudo começou com uma imagem: um executivo que não resiste a dançar ao som de um baterista de rua em Boston. A partir daí, nasceu uma história sobre identidade, memória e legado.

Chuck aparece primeiro num cartaz enigmático. Depois, vai-se revelando como uma figura que marcou discretamente muitas vidas — talvez um reflexo de King, que, mesmo escrevendo sobre horrores, tocou corações em todo o mundo.

O elenco e o apelo da simplicidade

Além de Hiddleston, o filme conta com Chiwetel Ejiofor como um professor em crise existencial, Karen Gillan, Mark Hamill, Mia Sara (que regressa aos ecrãs após mais de uma década) e o jovem Benjamin Pajak. Um elenco que, como a narrativa, aposta na subtileza e na emoção.

King confidenciou que esta é das poucas adaptações pelas quais se sentiu verdadeiramente protetor — ao ponto de comparecer à estreia no Festival de Toronto, algo que não fazia desde The Green Mile, há 26 anos.

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O mundo pode acabar, mas ainda há tempo para dançar

Entre o fim do mundo e uma dança espontânea ao som de Walt Whitman, The Life of Chuck é um filme sobre encontrar beleza onde menos se espera. Não é um conto de terror — é um lembrete de que viver, amar e até dançar, mesmo diante do abismo, continua a ser das maiores formas de resistência.

James Gunn confirma duração de Superman e desmente cortes impostos pela Warner Bros.

💥 O universo da DC prepara-se para um novo voo sobre Metrópolis — e James Gunn está determinado a manter as asas firmes. O realizador de Superman, que marca o início do novo DCU (DC Universe), veio esta semana esclarecer rumores sobre a duração do filme e alegadas pressões por parte da Warner Bros. para o encurtar. Spoiler: não há qualquer corte imposto.

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Duração confirmada: 2 horas e 9 minutos

Foi através da rede social Threads que um fã perguntou directamente a James Gunn se a duração de 2h09 incluía os créditos. A resposta foi clara:

“Inclusive of credits/post credits the runtime is 2 hours 9 minutes”, escreveu o realizador.

Com isto, Superman fica ligeiramente abaixo da média dos filmes de super-heróis modernos — um detalhe que poderá jogar a favor do ritmo narrativo, sobretudo numa história de origem (ou quase) que pretende relançar o ícone máximo da DC no cinema.

Warner Bros. não cortou nada

Perante os rumores de que a Warner Bros. teria pressionado para encurtar o filme, Gunn também foi peremptório:

“Zero truth to that.”

“E mesmo que quisessem, não poderiam fazê-lo. É um filme dos estúdios DC.”

Isto significa que James Gunn, na qualidade de co-presidente da DC Studios, mantém total controlo criativo sobre este primeiro capítulo da nova era da editora no grande ecrã: Gods and Monsters.

O que esperar de Superman?

Com estreia marcada para 11 de Julho, Superman será protagonizado por David Corenswet (como Clark Kent/Superman) e Rachel Brosnahan (como Lois Lane). A narrativa vai explorar o conflito interno de Clark entre as suas raízes kryptonianas e a sua educação terrena em Smallville.

Mas este não é um filme “a solo” como os anteriores. James Gunn abre logo as portas a um universo partilhado com várias personagens da DC a surgirem neste filme:

  • Nicholas Hoult como Lex Luthor
  • Edi Gathegi como Mister Terrific
  • Anthony Carrigan como Metamorpho
  • Nathan Fillion como Guy Gardner / Green Lantern
  • Isabela Merced como Hawkgirl

E ainda participações de Frank Grillo (Rick Flag Sr.), María Gabriela de Faría (Engineer) e Milly Alcock como Supergirl — figuras que já estão a ser posicionadas para futuros filmes do DCU.

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Um novo DCU a ganhar forma

Este será o primeiro capítulo da nova fase criativa da DC, intitulada Chapter One: Gods and Monsters. Gunn já demonstrou que quer afastar-se das abordagens anteriores da Warner/DC e criar um universo coeso, emocionalmente rico e com personagens profundamente humanas — mesmo quando são literalmente de outro planeta.

💬 O filme estreia a 11 de Julho de 2025, e promete ser um marco no cinema de super-heróis.

Kevin Smith quer voltar a Cannes com uma sequela de Dogma — e já tem história pronta

Mais de 25 anos depois da estreia de Dogma, Kevin Smith quer levar os anjos caídos de volta ao grande ecrã… e a Cannes. Após uma ovação de sete minutos durante a exibição especial do filme no Festival de Cannes, o realizador confessou que está inspirado para fazer uma sequela “à altura do festival”.

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“Uma doce volta à vitória

A exibição de Dogma na 78.ª edição do Festival de Cannes foi um momento especial para Smith. “Foi uma doce volta à vitória”, confessou o realizador, que já não pisava a Croisette desde Clerks II, em 2006. Mas o regresso reacendeu-lhe a vontade de voltar com algo novo e digno da ocasião.

“Porque é que presumi que a parte ‘Cannes’ da minha vida já tinha passado? Talvez, se me esforçar a sério, consiga voltar.”

A ideia? Estrear a sequela de Dogma em Cannes até 2028. Uma missão divina, portanto.

A história já está “cravada”

Smith revela que passou os últimos meses num processo que chama de “whimsying” — o seu método de escrita antes de pôr os dedos no teclado. E garante: já tem o enredo definido e está entusiasmado.

“Sinto que as pessoas vão perceber e dizer: ‘Ok, isto faz sentido’. Há lugar na história para todos os que participaram no original.”

Infelizmente, Dogma 2 não contará com os saudosos Alan Rickman e George Carlin, ambos falecidos, mas Smith quer manter viva a essência do elenco original, incluindo Ben Affleck, Matt Damon, Salma Hayek, Chris Rock e, claro, Jay e Silent Bob (Jason Mewes e o próprio Smith).

Mais do que uma sátira religiosa

Dogma, lançado em 1999, misturava fé e irreverência com uma dose generosa de crítica religiosa. A sequela, no entanto, deverá ter um tom mais contemplativo. Smith sofreu um ataque cardíaco grave em 2018 e diz que essa experiência mudou a forma como vê a mortalidade e a espiritualidade.

“O primeiro filme era a minha expressão de fé. Agora, não tenho essa estrutura de crença — mas tenho perguntas. E talvez seja esse o caminho.”

De volta à estrada… e aos cinemas

O entusiasmo de Smith tem crescido durante a sua Dogma: The Resurrection Tour, onde tem exibido o filme original seguido de sessões de perguntas e respostas. O feedback dos fãs, assim como a recepção em Cannes, deram-lhe o empurrão final.

Entretanto, Dogma será finalmente lançado em plataformas de streaming — um marco importante, já que os direitos do filme estiveram durante anos numa batalha legal entre Smith e a antiga Miramax, de Harvey Weinstein. Os direitos internacionais foram recentemente adquiridos pela Goodfellas.

E o que se segue no View Askewniverse?

Além de Dogma 2, Kevin Smith quer avançar finalmente com Moose Jaws — uma espécie de “Tubarão, mas com um alce”, segundo o próprio. Justin Long já está confirmado e o humorista Bert Kreischer poderá ser o protagonista.

“Ele seria o nosso Chief Brody, o grande conselheiro num campo de férias para miúdos… Vai arrasar com esse papel.”

Fé, sátira e um regresso em grande

Dogma 2 não será apenas uma sequela, mas um espelho do percurso de Kevin Smith — um realizador que cresceu, que já viu o outro lado da vida, e que ainda acredita no poder de contar histórias que fazem rir e pensar. E se depender dele, voltará a Cannes não como nostalgia, mas como renovação.

“Andor”: Criador Revela Orçamento Astronómico e Liberdade Criativa Dada pela Disney

💸 Tony Gilroy quebrou um dos maiores tabus de Hollywood ao dizer quanto custou a série — e parece que não houve limites (nem nas cenas de bordel).

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O universo Star Wars já nos habituou a aventuras épicas, batalhas espaciais, sabres de luz e… segredos orçamentais bem guardados. Mas Tony Gilroy, criador da aclamada série Andor, resolveu fazer aquilo que poucos em Hollywood ousam: dizer publicamente quanto a Disney pagou pelas duas temporadas da série. E não, não é um erro de digitação — são 650 milhões de dólares.

A rebelião não é barata

Durante uma conversa no ATX Television Festival, Gilroy revelou que os 24 episódios de Andor custaram aos cofres da Disney a módica quantia de 650 milhões de dólares (ou cerca de 569 milhões de euros à cotação actual). Este número impressionante confirma o que já havia sido avançado pela Forbes e Variety, colocando Andor ao lado de produções como House of the Dragon e Severance nos orçamentos mais robustos da televisão moderna.

Cada episódio terá custado perto de 20 milhões de dólares, um valor que, por si só, daria para produzir vários filmes independentes. Mas Gilroy garante que, apesar dos números colossais, nunca foi impedido de contar a história que queria.

“O Império que se f…!”

Segundo o argumentista e realizador, que também escreveu Rogue One e os filmes da saga Jason Bourne, o estúdio deu-lhe uma liberdade criativa invulgar — mesmo quando ele forçou (deliberadamente) os limites.

“Durante 24 episódios, nunca recebi uma nota [reparo]. Dissemos ‘O Império que se f***’ na primeira temporada, e a reação deles foi: ‘Por favor, podem não fazer isso?’.”

Gilroy não esconde que quis testar os limites logo à partida, ao abrir a série com uma cena num bordel — algo que, noutras eras da Disney, causaria um colapso de relações públicas. Mas não. Segundo ele, houve uma aceitação quase tranquila:

“Sim, não podemos ter pele, mas conscientemente comecei a primeira cena num bordel só para ver o que aconteceria… e acabou por ser um nada do início ao fim.”

Uma estrutura diferente, uma narrativa mais densa

A segunda temporada de Andor, lançada entre abril e maio deste ano, foi dividida em quatro arcos de três episódios, lançados semanalmente até 13 de maio. Uma estrutura pensada para permitir uma imersão mais profunda nos vários capítulos da história, mantendo a tensão narrativa ao longo de seis semanas.

Com Cassian Andor (Diego Luna) no centro da trama, a série explora o nascimento da rebelião contra o Império — muito antes de Luke, Leia e Han Solo entrarem em cena. É uma série que não se preocupa com batalhas espaciais a cada episódio, mas sim com personagens complexas, dilemas morais e uma atmosfera de thriller político que foi amplamente elogiada por críticos e fãs da saga.

A liberdade criativa… com responsabilidades

Gilroy reconhece que esta liberdade não veio sem desafios — especialmente numa altura em que o streaming enfrenta cortes orçamentais generalizados.

“Na segunda temporada, disseram: ‘O streaming está morto, não temos o dinheiro que tínhamos antes’, portanto lutámos bastante sobre o dinheiro, mas nunca nos impediram de fazer nada.”

Em tempos de incerteza para as plataformas de streaming, é reconfortante (e surpreendente) ver que ainda existem projetos onde o conteúdo, e não apenas os números, comanda as decisões.

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Andor pode não ter as explosões de The Mandalorian ou os cameos de Ahsoka, mas tornou-se um dos pilares criativos do universo Star Wars. E agora sabemos: essa qualidade teve um preço — mas, aparentemente, valeu cada crédito galáctico.

Michael J. Fox e a busca pela guitarra perdida de Regresso ao Futuro

🎸 A icónica Cherry Red Gibson ES-345 está desaparecida há quase 40 anos e Michael J. Fox quer a ajuda dos fãs para resolver o mistério.

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“Acho que vocês ainda não estão prontos para isto… mas os vossos filhos vão adorar.” A frase é lendária, o momento é inesquecível, e a guitarra? Bem, essa desapareceu misteriosamente. Quase quatro décadas depois da estreia de Regresso ao Futuro, Michael J. Fox e a Gibson lançaram uma campanha para tentar encontrar a guitarra vermelha que Marty McFly imortalizou no ecrã.

Perdida no tempo (e no espaço cinematográfico)

A Cherry Red Gibson ES-345 tornou-se um símbolo instantâneo do filme desde que Fox, como Marty, subiu ao palco do baile “Enchantment Under the Sea” e arrasou com Johnny B. Goode, muito antes de Chuck Berry sequer a ter lançado oficialmente.

Mas há um detalhe que poucos sabiam: a guitarra usada na rodagem desapareceu em 1985, ano de estreia do primeiro filme. Desde então, nem produtores, nem colecionadores, nem a própria Gibson conseguiram rastrear o instrumento.

Uma missão digna de Doc Brown

Numa iniciativa que parece saída da própria saga, a Gibson uniu forças com Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson e Harry Waters Jr. para um apelo global. Num vídeo partilhado nas redes sociais, os atores juntaram-se para pedir aos fãs que ajudem a localizar a ES-345 original — uma peça que, além do seu valor musical, carrega um peso icónico na história do cinema.

A Gibson está inclusivamente a produzir um documentário chamado Lost to the Future, que acompanhará os esforços de busca e investigação. E como se isso não bastasse para emocionar os fãs, a marca planeia também relançar a famosa guitarra num modelo especial.

A cena que marcou gerações

Para quem precisa de um lembrete (ou apenas de um pretexto para rever o filme), Regresso ao Futuro leva-nos a 1955, onde Marty McFly tem de garantir que os pais se apaixonam — sob pena de deixar de existir.

No baile da escola, Marty é forçado a substituir o vocalista da banda, e decide tocar um tema que os jovens da época ainda nem conheciam: Johnny B. Goode. O solo energético, a performance contagiante e o carisma de Fox deram origem a uma das cenas mais adoradas da sétima arte.

“Vocês ainda não estão prontos para isto… mas os vossos filhos vão adorar.”

E assim nasceu uma lenda — mas a guitarra que a protagonizou perdeu-se no tempo.

Um final por escrever

Com o documentário a caminho e os fãs mobilizados, talvez o futuro ainda reserve um final feliz para esta história. Quem sabe, algures numa arrecadação em Los Angeles, num estúdio esquecido, ou nas mãos de um colecionador anónimo, esteja a lendária ES-345, à espera de regressar ao palco que a eternizou.

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Se a encontrares, lembra-te: não precisas de 1.21 gigawatts. Basta um email à Gibson.

Ana de Armas Entra com Tudo no Universo “John Wick” em Ballerina — Já nos Cinemas

🩰❄️ Lança-chamas, katanas e patins de gelo: o novo capítulo do mundo de John Wick chegou… e promete dar que falar.

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Depois de quatro filmes cheios de adrenalina, duelos sangrentos e uma mitologia que se estende pelos cantos mais obscuros do mundo, a saga John Wick dá um passo ousado com Ballerina — o primeiro spin-off em longa-metragem, com Ana de Armas como protagonista absoluta. E, sim, já está nos cinemas portugueses desde 5 de Junho.

Uma bailarina com sede de vingança

A história de Ballerina decorre entre os eventos de John Wick 3: Implacável e John Wick: Capítulo 4, e centra-se em Eve Macarro, uma bailarina treinada pelos Ruska Roma — a mesma organização onde John Wick recebeu a sua formação letal. A missão de Eve é pessoal: vingar a morte da sua família, numa jornada que a empurra para o coração sombrio da rede de assassinos mais temida do planeta.

Ana de Armas brilha (e sofre) no papel principal

A atriz cubana, que já tinha mostrado talento para a ação em 007: Sem Tempo Para Morrer, assume aqui o controlo total da narrativa. E que controlo! Durante meses de filmagens em Praga, Budapeste e Hallstatt, Ana de Armas dedicou-se intensamente ao treino físico e às acrobacias — ao ponto de confessar em entrevistas que estava “cheia de dores, com o corpo todo a queixar-se”.

Mas o esforço valeu a pena. Segundo o realizador Len Wiseman (Underworld), Ana traz uma combinação única de intensidade, vulnerabilidade e fisicalidade. “Ela apareceu com hematomas a cada dia e tratava-os como medalhas de mérito. Nunca pediu descanso. Queria ser real.”

John Wick não é apenas uma lembrança

Sim, Keanu Reeves está de volta. E não apenas para um cameo simbólico. O assassino silencioso, agora visto pelos olhos de Eve, marca presença no enredo e nas cenas de ação — ajudando a expandir e a contextualizar esta nova entrada na saga. O regresso de Ian McShane como Winston e Lance Reddick como Charon (no seu último papel no cinema) acrescenta nostalgia e solidez ao elenco.

Uma nova estética para o universo Wick

Ballerina afasta-se das luzes de néon de Tóquio ou Paris para mergulhar na neve e frieza da Europa de Leste. A austeridade das paisagens, a arquitectura brutalista e as novas regras do jogo oferecem um contraste marcante aos capítulos anteriores. O próprio estilo de combate muda: Eve não domina pela força bruta, mas pela astúcia e criatividade — usando tudo, de panelas a lança-chamas, para sobreviver.

A saga Wick: de filme “B” a império cinematográfico

É quase difícil acreditar que tudo começou com um cão morto e um carro roubado. Em 2014, John Wick parecia mais um filme de ação descartável com Keanu Reeves a tentar recuperar a sua carreira. Hoje, é uma das maiores e mais rentáveis franquias de ação de sempre, com mais de mil milhões de dólares arrecadados e uma base de fãs apaixonada.

Além de Ballerina, já está em marcha um novo capítulo animado, um filme centrado em Caine (Donnie Yen) e até John Wick 5, com Chad Stahelski e Keanu novamente juntos.

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O que dizem os fãs?

Quem já viu Ballerina não tem dúvidas: este é apenas o começo de uma nova vertente da saga. Com Ana de Armas ao leme, o universo John Wick ganha um novo rosto — mais emocional, mais humano, mas igualmente letal. E se a promessa de sequelas se concretizar, podemos estar perante uma nova trilogia com protagonista feminina, algo ainda raro no género.

Do Mundo de John Wick: Ballerina já está nos cinemas. Carregada de acção, coração e uma protagonista imparável, esta é a entrada explosiva que não sabíamos que precisávamos — mas que vamos querer rever vezes sem conta.