A Galáxia Não Foi Igual para Todos: O Trajecto Estelar de Harrison Ford

De Han Solo a Indiana Jones, o ator teve o toque de Midas. Mas foi só talento — ou a sorte também teve uma palavra a dizer?

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Quando Star Wars chegou aos cinemas em 1977, apresentou ao mundo três protagonistas com potencial de ícones: Harrison FordCarrie Fisher e Mark Hamill. Todos carismáticos, todos jovens, todos de repente transformados em estrelas planetárias. No entanto, ao longo das décadas, apenas um deles se tornou verdadeiramente um astro de primeira grandeza em Hollywood.

A pergunta impõe-se: porque é que Harrison Ford se tornou uma lenda de bilheteira, enquanto os seus colegas de galáxia seguiram percursos bem mais discretos?


🎭 Uma questão de alcance… ou de mercado?

É verdade que Ford nunca foi conhecido pela versatilidade extrema. Mas também é verdade que Hollywood adora um certo tipo de protagonista: determinado, pragmático, de queixo cerrado e olhar sarcástico. Ford encaixou perfeitamente nesse arquétipo. Hamill, mais teatral, mais introspectivo, e Fisher, mais associada à comédia e ao seu estilo ácido, não se ajustaram tão facilmente ao molde do “herói tradicional”.

💥 O efeito Raiders of the Lost Ark

Enquanto Hamill apostava em filmes pouco memoráveis (The Night the Lights Went Out in GeorgiaSlipstream) e Fisher se debatia com problemas de saúde e dependências, Ford cavalgava directamente para outra saga: Indiana JonesRaiders of the Lost Ark (1981) não foi só um sucesso — foi um fenómeno que selou Ford como o herói da década. E quando ainda por cima se torna Jack Ryan… o resto é história.

👑 Três sagas, três trunfos

A maioria dos atores tem sorte se participar numa saga de sucesso. Ford teve trêsStar WarsIndiana Jones e Jack Ryan. Isso deu-lhe uma estabilidade comercial que poucos conseguiram igualar. Quando um projeto falhava (como The Mosquito Coast), havia sempre um novo Indy a caminho para o salvar.

🧠 Fisher e Hamill: talento… mas menos oportunidades

Carrie Fisher era uma excelente argumentista, com um humor mordaz e uma inteligência afiada — mas Hollywood dos anos 80 não era o lugar mais acolhedor para uma mulher com opinião, problemas de saúde mental e vícios assumidos. Fisher lutou — e até escreveu sobre isso — mas perdeu papéis e oportunidades por não se encaixar na imagem da “boa estrela”.

Mark Hamill, por seu lado, teve uma carreira de sucesso nos bastidores — a sua interpretação do Joker nas animações da DC é lendária — mas o cinema em imagem real nunca mais o acolheu como protagonista. E em Hollywood, quem não lidera bilheteiras, desaparece rapidamente dos radares.

🍀 O Factor Sorte (e Tom Selleck)

Sim, houve talento. Mas também houve uma dose cavalar de sorte. Tom Selleck rejeitou o papel de Indiana Jones. Alec Baldwin abandonou a saga Jack Ryan. Star Wars foi um sucesso improvável. E mesmo quando Ford recusou filmes como Syriana ou Traffic, a sua carreira não sofreu.

Ford é, de certa forma, o Forrest Gump dos astros de Hollywood — sempre no sítio certo, à hora certa, com o sorriso certo.


📽️ Conclusão: a galáxia é injusta?

A pergunta do título não é simpática — nem totalmente justa. Hamill e Fisher não “desapareceram”. Ambos tiveram impacto, ambos deixaram legado. Mas Ford soube — ou teve oportunidade de — construir uma carreira paralela ao fenómeno Star Wars.

E talvez a verdadeira resposta seja esta: em Hollywood, o talento ajuda. Mas o timing, a sorte e a imagem contam… ainda mais.

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🤖 Inteligência Artificial em Hollywood: Inovação, Medo e o Futuro do Cinema

Da recriação de vozes a curtas geradas por IA, os estúdios experimentam — mas os criadores levantam o sobrolho

Com Star Wars: Field Guide, a Lucasfilm lançou a sua primeira curta-metragem totalmente gerada por IA. E embora o resultado tenha causado alguma curiosidade, também gerou críticas — por parecer demasiado “normal”, demasiado mecânico… e, para muitos, assustadoramente desinspirado.

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Mas este não é um caso isolado. De vozes recriadas digitalmente a guiões parcialmente escritos por modelos generativos, o cinema está a atravessar um novo limiar tecnológico. A pergunta que paira no ar? Estamos a assistir a uma revolução… ou ao princípio do fim da autoria humana?


🎙️ A Voz de Darth Vader… sem James Earl Jones

Na série Obi-Wan Kenobi, a voz icónica de Darth Vader foi recriada por inteligência artificial, com autorização do próprio James Earl Jones, que se retirou da personagem após décadas. A ILM usou tecnologia da empresa Respeecher, alimentando o sistema com gravações do ator para gerar novas falas digitalmente.

Foi um momento simbólico: um dos personagens mais míticos da cultura pop, agora perpetuado por uma máquina.


🧠 A24 e o algoritmo dramatúrgico

Vários estúdios independentes, incluindo a A24, começaram a experimentar modelos de IA para análise de guião: prever a receção crítica, identificar arcos narrativos frágeis e até sugerir cortes. Uma ferramenta para ajudar os criadores ou um primeiro passo para os substituir?


🧟 

The Late Actor

: O filme com protagonistas gerados a partir de artistas falecidos

Um estúdio europeu provocou polémica ao anunciar um projeto experimental onde os protagonistas seriam gerados por IA com base em atores já falecidos. A produção, que nunca chegou a ser concretizada, gerou um debate aceso sobre direitos de imagem póstumos e ética na recriação digital.


✍️ Argumentos com IA? Já há quem o faça

Há cada vez mais relatos de guiões híbridos, escritos em colaboração entre humanos e IA — seja para gerar diálogos preliminares, sugestões de cenas ou mesmo descrições visuais. Alguns guionistas defendem o uso como ferramenta de brainstorming. Outros consideram que é uma porta aberta para a perda de identidade artística.


Onde traçamos o limite?

O uso da inteligência artificial no cinema levanta questões que não são apenas técnicas, mas profundamente filosóficas e éticas.

  • Quem é o autor de um filme feito com IA?
  • Deve um ator ter direitos sobre a sua imagem digitalizada?
  • É legítimo recriar vozes e rostos de pessoas falecidas?
  • E o que acontece à alma do cinema, quando a máquina começa a contar histórias?

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Por agora, a IA ainda é usada como apoio — mas os experimentos estão a crescer, e o debate está longe de terminar.

💰 Mountainhead: Jesse Armstrong Reúne Bilionários e Inteligência Artificial numa Sátira Explosiva

O criador de Succession estreia-se na realização com um filme que promete ser tão mordaz quanto atual

Jesse Armstrong, o cérebro por trás da aclamada série Succession, está de volta com Mountainhead, a sua primeira incursão na realização cinematográfica. O filme, uma sátira incisiva sobre o poder desmedido dos bilionários da tecnologia, estreia a 31 de maio na HBO e na plataforma Max. 

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Um retiro alpino, quatro bilionários e uma crise global

Mountainhead centra-se em quatro magnatas da tecnologia que se reúnem num retiro de luxo nas montanhas durante uma crise internacional. O elenco de peso inclui Steve Carell como Randall, Jason Schwartzman como Hugo Van Yalk, Cory Michael Smith como Venis e Ramy Youssef como Jeff. O que começa como um fim de semana de descontração rapidamente se transforma numa reflexão sombria sobre as consequências das suas criações tecnológicas. 

Inteligência artificial fora de controlo

No centro do enredo está a plataforma de redes sociais de Venis, alimentada por inteligência artificial, que é apontada como catalisadora de uma onda de violência global. À medida que as tensões aumentam, os protagonistas são forçados a confrontar o impacto das suas inovações, numa narrativa que espelha preocupações reais sobre o papel das big techs na sociedade contemporânea. 

Uma sátira com ecos de 

Succession

Armstrong traz para o grande ecrã o mesmo olhar crítico e humor ácido que caracterizou Succession. A dinâmica entre os personagens, marcada por diálogos mordazes e jogos de poder, promete cativar os fãs da série. A produção contou com uma equipa de peso, incluindo Frank Rich, Lucy Prebble e Mark Mylod, colaboradores frequentes de Armstrong. 

Estreia e expectativas

Com estreia marcada para 31 de maio na HBO e Max, Mountainhead é uma das apostas fortes do canal para 2025. A combinação de um elenco estelar, uma temática atual e a assinatura de Jesse Armstrong fazem deste filme uma das estreias mais aguardadas do ano. 

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🎬 Richard Linklater Recria a Revolução da Nouvelle Vague em Cannes

Nouvelle Vague estreia com homenagem estilizada a Godard e ao nascimento do cinema moderno francês

Richard Linklater, o cineasta texano conhecido por obras como Boyhood e a trilogia Before, apresenta a sua mais recente criação, Nouvelle Vague, no Festival de Cannes 2025. Este filme é uma homenagem ao movimento cinematográfico francês dos anos 60, recriando a produção de À Bout de Souffle (O Acossado), o icónico filme de Jean-Luc Godard. 

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Uma carta de amor ao cinema francês

Nouvelle Vague é filmado em preto e branco, com proporção 4:3, evocando o estilo visual dos filmes da época. Linklater optou por rodar o filme inteiramente em francês, marcando a sua primeira incursão nesta língua. A narrativa centra-se na figura de Jean-Luc Godard, interpretado por Guillaume Marbeck, e na sua colaboração com Jean Seberg, papel de Zoey Deutch, durante a realização de À Bout de Souffle

Estreia em Cannes e receção crítica

O filme teve a sua estreia mundial a 17 de maio de 2025, na competição oficial do Festival de Cannes. Críticos destacam a abordagem metacinematográfica de Linklater, que mistura comédia romântica, ensaio visual e crítica cultural, numa narrativa lúdica que dialoga com o próprio cinema. Lee Marshall, da ScreenDaily, descreveu o filme como “uma homenagem nostálgica a um tempo e lugar de extraordinária efervescência criativa”.  

Elenco e equipa técnica

Além de Marbeck e Deutch, o elenco inclui Aubry Dullin como Jean-Paul Belmondo, Adrien Rouyard como François Truffaut, e representações de figuras como Agnès Varda, Éric Rohmer e Jacques Rivette. A cinematografia está a cargo de David Chambille, conhecido pelo seu trabalho com Bruno Dumont, e a montagem é de Catherine Schwartz. 

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Lançamento internacional

Nouvelle Vague está previsto para estrear nas salas de cinema francesas a 8 de outubro de 2025. Ainda não há data confirmada para lançamento em Portugal.

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A atriz estreia-se como realizadora com uma adaptação visceral das memórias de Lidia Yuknavitch — uma obra turbulenta, urgente e profundamente pessoal

CANNES — Kristen Stewart nunca escondeu que queria realizar filmes. Desde pequena que o dizia com convicção, mas raramente encontrava incentivo. “Vários adultos sentaram-me e disseram: ‘Porquê?’ ou simplesmente ‘Não’”, recorda a atriz. “É uma falácia pensar que precisas de uma caixa de ferramentas inacreditável ou um diploma. Se tens algo a dizer, um filme pode simplesmente cair de ti.”

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No caso de Stewart, “cair” não é bem o verbo certoThe Chronology of Water, a sua primeira longa-metragem como realizadora, foi apresentada este fim de semana na secção Un Certain Regard do Festival de Cannes, depois de um processo de oito anos de gestação e um final em modo urgência total.

“Acabei o filme 30 segundos antes de entrar no avião”, conta Stewart, sentada numa varanda com vista para a Croisette.

“Foi como um parto — estive grávida durante imenso tempo e depois gritei como se estivesse a morrer.”

Uma viagem impressionista ao interior de uma sobrevivente

O filme adapta as memórias de Lidia Yuknavitch, uma mulher que sobreviveu a abuso sexual por parte do pai, que se refugiou na natação competitiva, e que viria a encontrar na escrita uma forma de reconstrução emocional. Stewart não quis filmar apenas o que lhe aconteceu — quis mostrar o que ela fez com o que lhe aconteceu.

“O livro foi um salva-vidas. Literalmente, um colete salva-vidas”, diz Stewart.

“Queria fazer um filme que não fosse sobre o trauma em si, mas sobre o que se pode construir a partir dele. O poder transformador da escrita.”

“A minha inexperiência fez este filme”

Stewart recusa a ideia de que é preciso saber tudo para realizar. “É um mito profundamente masculino. Há realizadores técnicos, claro, mas tu contratas uma equipa. O importante é ter uma perspectiva — e confiar nela.”

E confiar foi o que fez. Segundo a própria, o caos da produção — que descreve como um naufrágio — acabou por definir o estilo final do filme. A montagem, feita em condições limite, não procurou a ordem mas sim uma lógica sensorial, instintiva, como se cada plano estivesse ligado por “tecido emocional e neurológico”.

“Não havia forma de fazer este filme em circunstâncias normais. Se o fizesse, teria ficado… normal.”

Imogen Poots brilha num papel sem rede

A protagonista é interpretada por Imogen Poots, numa das performances mais cruas e abrangentes da sua carreira. A atriz britânica incorpora a jovem Lidia com uma fisicalidade e vulnerabilidade notáveis, num registo onde o corpo, a dor e o prazer colidem.

“Como mulher, estás sempre a ser observada, vigiada. E és ensinada a conformar-te. Tudo neste filme confronta isso”, disse Poots.

“É uma história de trauma, mas também de sabotagem, de prazer, de liberdade — coisas muito femininas e muito humanas.”

O início de algo novo

The Chronology of Water pode ser o primeiro filme de Stewart como realizadora — mas tudo indica que não será o último. A sua sensibilidade de atriz, a forma como capta a fragilidade, a intensidade, e a coragem de não querer agradar, tornam esta estreia numa afirmação clara: Kristen Stewart não quer apenas contar histórias — quer contá-las como nunca ninguém as contou antes.

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🎬 Kristen Stewart Estreia-se na Realização com The Chronology of Water em Cannes

A atriz apresenta a sua primeira longa-metragem na secção Un Certain Regard do Festival de Cannes 2025

Kristen Stewart, conhecida por papéis em filmes como Crepúsculo e Spencer, deu um novo passo na sua carreira ao estrear-se como realizadora com The Chronology of Water, apresentado na secção Un Certain Regard do Festival de Cannes 2025.  

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Uma adaptação intensa e pessoal

O filme é uma adaptação das memórias de Lidia Yuknavitch, explorando temas como trauma, identidade e expressão artística. Stewart descreveu o processo de realização como uma experiência intensa, comparando-o a “um parto e a recuperar de um naufrágio”.  

Estilo visual marcante

The Chronology of Water destaca-se pelo seu estilo visual arrojado, utilizando película de 16mm e uma montagem não linear para transmitir a desordem psicológica e a intensidade emocional da protagonista, interpretada por Imogen Poots.  

Receção positiva em Cannes

A estreia do filme em Cannes foi recebida com entusiasmo, tendo sido aplaudido de pé. Críticos destacaram a abordagem corajosa de Stewart e a performance poderosa de Poots.  

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Prequela centrada no jovem John Rambo durante a Guerra do Vietname começa a ser filmada em outubro

John Rambo prepara-se para regressar ao grande ecrã, mas desta vez sem a presença de Sylvester Stallone. Seis anos após o último filme, a personagem icónica do cinema de ação dos anos 80 vai ganhar uma nova vida numa prequela que explorará as origens do veterano de guerra. 

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Uma nova abordagem à lenda

O novo projeto, intitulado John Rambo, será uma prequela do clássico A Fúria do Herói (1982), centrando-se no jovem Rambo durante a Guerra do Vietname. A produção está a cargo da Millennium Media, estúdio conhecido por sagas como Os Mercenários e Assalto à Casa Branca. A realização ficará nas mãos de Jalmari Helander, cineasta finlandês responsável pelo aclamado Sisu (2022). 

O processo de casting encontra-se numa fase inicial, com a rodagem prevista para começar em outubro na Tailândia. O projeto será apresentado a potenciais investidores no “Mercado do Filme”, uma área do Festival de Cannes dedicada a estabelecer relações diretas com distribuidores e produtores de todo o mundo. 

Stallone fora do projeto, mas com conhecimento

Segundo informações divulgadas pelo Deadline, Sylvester Stallone está ciente da existência do projeto, mas não está envolvido. Os produtores deixam em aberto a possibilidade de participação do ator, caso surja um papel adequado. 

Uma personagem com legado

John Rambo nasceu para o cinema com A Fúria do Herói (1982), baseado no livro de David Morrell. O sucesso do filme originou duas sequelas nos anos 80: Rambo II – A Vingança do Herói (1985) e Rambo III (1988). Após um hiato, a personagem regressou em John Rambo (2008) e, mais recentemente, em Rambo – A Última Batalha (2019), que recebeu críticas negativas e teve um desempenho fraco nas bilheteiras. 

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🎭 Michael J. Fox Regressa à Televisão em “Terapia Sem Filtros”

Após cinco anos de pausa, o ator junta-se a Jason Segel e Harrison Ford na terceira temporada da série da Apple TV+

Michael J. Fox está de volta à representação. Cinco anos após anunciar a sua retirada devido ao agravamento dos sintomas da doença de Parkinson, o ator canadiano regressa ao pequeno ecrã com um papel de destaque na terceira temporada de “Terapia Sem Filtros” (Shrinking), série da Apple TV+ protagonizada por Jason Segel e Harrison Ford . 

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Um regresso simbólico e emotivo

Diagnosticado com Parkinson em 1991, Fox tornou-se uma das figuras mais proeminentes na sensibilização para a doença, tendo fundado a Michael J. Fox Foundation em 2000. A sua decisão de regressar à representação é vista como um gesto de perseverança e inspiração, especialmente considerando que a série aborda temas relacionados com a saúde mental e doenças neurodegenerativas . 

Uma série que reflete a realidade

Em “Terapia Sem Filtros”, Harrison Ford interpreta Paul Rhoades, um terapeuta que lida com o diagnóstico de Parkinson. A inclusão de Fox no elenco adiciona uma camada de autenticidade à narrativa, proporcionando uma representação mais profunda e realista da experiência de viver com a doença . 

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Detalhes ainda por revelar

Embora o papel específico de Fox na série ainda não tenha sido divulgado, a sua participação é aguardada com grande expectativa. A terceira temporada de “Terapia Sem Filtros” encontra-se atualmente em produção, sem data de estreia confirmada .

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O sexto filme da saga estreia com recordes, mortes criativas e o regresso de um velho conhecido. E sim… o público está a adorar sofrer.

Quem pensava que a fórmula estava gasta, enganou-se redondamente. Final Destination: Bloodlines, o novo capítulo da longeva e macabra saga de terror, estreou com um estrondo nas bilheteiras — e tornou-se a maior estreia da história da franquia.

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Só nos Estados Unidos, o filme arrecadou 21 milhões de dólares no primeiro dia, incluindo 5,5 milhões em sessões de pré-estreia, e prevê-se que o total do fim de semana atinja 48 milhões, ultrapassando largamente os 27,4 milhões de The Final Destination (2009), que detinha o recorde anterior.

A morte dá sempre jeito à bilheteira

Lançado internacionalmente a 16 de maio, Bloodlines já soma mais de 26 milhões de dólares fora dos EUA, com um total global a rondar os 47,4 milhões — números impressionantes para uma saga que estava ausente dos cinemas há mais de uma década.

Com realização de Zach Lipovsky e Adam B. Stein, o novo capítulo aposta no que a saga sempre soube fazer melhor: mortes rebuscadas, tensão milimétrica e aquele momento em que o público se contorce na cadeira… antes de soltar uma gargalhada nervosa.

Um regresso às origens — literalmente

O título não é inocente: Bloodlines funciona como uma prequela, explorando as raízes do conceito de “morte inevitável” e aprofundando o passado do enigmático agente funerário William Bludworth, novamente interpretado por Tony Todd, presença icónica desde o primeiro filme.

O argumento aposta num novo grupo de jovens condenados, que escapam a um acidente grotesco (neste caso, uma implosão em cadeia num parque temático abandonado) — e claro, descobrem que a morte não gosta de ser contrariada.

O fascínio do desastre (bem encenado)

Ao fim de seis filmes, a saga Final Destination continua a atrair multidões. Parte do segredo está na forma como reinventa o mesmo conceito com variações criativas: o jogo visual de “causas e consequências”, o efeito dominó, o suspense do “vai ou não vai” antes de cada tragédia.

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E, no fundo, há um certo prazer perverso em ver o destino transformar o quotidiano num campo minado de morte estilizada. Um prazer que, ao que parece, continua a render milhões.

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Adaptação do romance de Ariana Harwicz estreia no Festival de Cannes com aclamação da crítica e uma ovação de nove minutos

Jennifer Lawrence regressa em grande ao drama com Die, My Love, uma intensa adaptação do romance de Ariana Harwicz, que teve a sua estreia mundial no Festival de Cannes de 2025. O filme, realizado por Lynne Ramsay e produzido por Martin Scorsese, recebeu uma ovação de pé de nove minutos, destacando-se como um dos momentos mais marcantes do festival . 

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Uma História de Maternidade e Psicose

Em Die, My Love, Lawrence interpreta Grace, uma jovem mãe que enfrenta uma profunda depressão pós-parto e psicose, isolada numa zona rural de Montana. O filme explora os limites da sanidade e os desafios da maternidade, oferecendo uma visão crua e visceral da saúde mental feminina . 

Produção e Elenco de Peso

O projeto foi impulsionado por Martin Scorsese, que, após ler o livro de Harwicz no seu clube de leitura, enviou-o para a produtora de Lawrence, Excellent Cadaver, insistindo que ela era a escolha perfeita para o papel principal . O elenco inclui ainda Robert Pattinson como Jackson, o marido de Grace, LaKeith Stanfield, Sissy Spacek e Nick Nolte . 

Estilo Visual e Narrativa

A realização de Ramsay é marcada por uma estética intensa e simbólica, com influências de filmes como Repulsion e Rosemary’s Baby. A cinematografia de Seamus McGarvey e a banda sonora evocativa contribuem para uma atmosfera onírica e perturbadora, refletindo o estado mental fragmentado da protagonista . 

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Receção Crítica

A performance de Lawrence foi amplamente elogiada, sendo descrita como “assombrosamente poderosa” e uma das melhores da sua carreira . Críticos destacaram a forma como o filme aborda temas complexos como a depressão pós-parto e a identidade maternal, oferecendo uma narrativa provocadora e emocionalmente carregada .

🤖 Star Wars: Field Guide — Lucasfilm Explora o Futuro da IA no Cinema com Curta-Metragem Gerada por Inteligência Artificial

Uma incursão experimental da Lucasfilm e ILM no uso de IA para criação de conteúdo visual

A Lucasfilm, em colaboração com a Industrial Light & Magic (ILM), lançou recentemente Star Wars: Field Guide, uma curta-metragem de dois minutos gerada por inteligência artificial. Apresentada durante uma palestra TED por Rob Bredow, vice-presidente sénior de inovação criativa da Lucasfilm, a obra visa demonstrar o potencial da IA na produção cinematográfica . 

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Uma exploração visual de um novo planeta no universo Star Wars

O filme simula a perspectiva de um droide sonda explorando um planeta desconhecido no universo Star Wars. Utilizando modelos generativos de IA, a curta apresenta uma série de criaturas híbridas, como um pavão com concha de caracol e um chimpanzé com listras de zebra, acompanhadas por uma banda sonora evocativa . 

Receção crítica e debate sobre o uso de IA na criatividade

Apesar da inovação tecnológica, Star Wars: Field Guide recebeu críticas mistas. Alguns espectadores consideraram a curta visualmente pouco inspiradora, apontando que as criaturas apresentadas se assemelham demasiado a animais terrestres com alterações mínimas . Comentários online questionaram a originalidade do conteúdo, sugerindo que resultados semelhantes poderiam ser alcançados por utilizadores comuns com acesso a ferramentas de IA . 

O papel da IA no futuro da produção cinematográfica

Rob Bredow destacou que a curta serve como um experimento para avaliar como a IA pode ser integrada no processo criativo cinematográfico. A ILM já utilizou técnicas de IA em projetos anteriores, como na recriação digital da voz de Darth Vader, originalmente interpretada por James Earl Jones, para a série Obi-Wan Kenobi . 

Este projeto levanta questões sobre o equilíbrio entre inovação tecnológica e criatividade humana no cinema. Enquanto a IA oferece novas ferramentas para os criadores, a autenticidade e originalidade continuam a ser elementos cruciais na narrativa cinematográfica.

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🎬 Ana de Armas e Tom Cruise: Parceria Profissional ou Romance em Ascensão?

Os dois atores têm sido vistos juntos com frequência, alimentando rumores sobre a natureza da sua relação

Ana de Armas e Tom Cruise têm sido o centro das atenções nos últimos meses, com múltiplas aparições públicas que levantaram questões sobre a natureza da sua relação. Desde jantares em Londres até passeios de helicóptero, os dois atores têm sido fotografados juntos em diversas ocasiões.

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Em entrevista ao programa “Good Morning America”, Ana de Armas referiu-se à colaboração com Cruise como “muito divertida”, mencionando que estão a trabalhar em vários projetos juntos, incluindo com os realizadores Doug Liman e Christopher McQuarrie . 

Apesar das especulações, fontes próximas afirmam que a relação entre os dois é estritamente profissional. No entanto, a frequência das suas aparições conjuntas, incluindo a celebração do 37.º aniversário de Ana de Armas em Londres, continua a alimentar os rumores . 

Enquanto os fãs aguardam por confirmações oficiais, Ana de Armas prepara-se para o lançamento do seu próximo filme, “Ballerina”, um spin-off do universo “John Wick”, previsto para estrear a 6 de junho. Já Tom Cruise regressa aos cinemas com “Missão: Impossível – O Ajuste de Contas Final”, com estreia marcada para 23 de maio. 

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🤖 Inteligência Artificial em Cannes: Entre a Inovação e o Medo no Cinema

A IA invade o Festival de Cannes, gerando entusiasmo e apreensão entre cineastas e profissionais da indústria

A edição de 2025 do Festival de Cannes está marcada por uma presença notável: a Inteligência Artificial (IA). Enquanto alguns veem nesta tecnologia uma ferramenta revolucionária para a criação cinematográfica, outros expressam preocupações sobre o seu impacto na criatividade e na autenticidade artística.

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IA como protagonista e vilã no grande ecrã

Filmes exibidos no festival exploram a IA tanto como tema central quanto como ferramenta de produção. Em Missão: Impossível – O Ajuste de Contas Final, apresentado fora da competição, o agente Ethan Hunt enfrenta uma IA descontrolada com intenções maléficas. Já em Dolloway, de Yann Gozlan, uma escritora recorre a uma IA generativa para superar o bloqueio criativo, apenas para se ver dominada por ela, levantando questões sobre dependência tecnológica e perda de autonomia criativa. 

O debate no Marché du Film

No Mercado do Filme, empresas como a Largo.ai oferecem soluções baseadas em IA para otimizar processos de produção, desde a análise de roteiros até sugestões de elenco. Sami Arpa, cofundador da empresa, afirma que a IA pode “melhorar a criatividade”, proporcionando insights valiosos para cineastas. No entanto, esta visão não é unânime. Cineastas como Gozlan alertam para o risco de a IA substituir a intuição humana, essencial na arte de contar histórias.

Uma ferramenta ou uma ameaça?

A discussão sobre o papel da IA no cinema está longe de ser consensual. Enquanto alguns argumentam que a tecnologia pode ser uma aliada na superação de desafios criativos, outros temem que a sua utilização excessiva possa comprometer a originalidade e a autenticidade das obras. A presença da IA em Cannes reflete esta dualidade, servindo tanto como inspiração para novas narrativas quanto como catalisador de debates sobre o futuro da sétima arte.

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Morreu o Jacaré de Happy Gilmore 🐊💔

Adam Sandler despede-se do verdadeiro “vilão” do golfe mais divertido do cinema

Nem todos os vilões mordem… mas este mordeu mesmo. O lendário jacaré que roubava bolas, dedos e protagonismo em Happy Gilmore, comédia de culto de 1996, morreu aos 38 anos — e Adam Sandler não deixou passar a despedida em branco.

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O actor publicou uma sentida homenagem nas redes sociais, despedindo-se da “besta lendária” que se tornou um dos momentos mais memoráveis do filme. Para quem não se lembra: era este jacaré que arrancava a mão ao treinador de Happy (interpretado por Carl Weathers) e voltava mais tarde para um confronto épico… e escorregadio.

“Descanse em paz, velho amigo. Obrigado pelas risadas e pelo susto. Ninguém mordia como tu”, escreveu Sandler, provando que até os vilões répteis têm lugar no coração dos comediantes.

Um ícone… com escamas

O jacaré, que respondia pelo nome “Chubbs Gator” nos bastidores (em homenagem ao personagem de Weathers, Chubbs Peterson), era um dos animais mais treinados e experientes de Hollywood. Tinha participado em várias produções, mas foi em Happy Gilmore que se tornou verdadeiramente… imortal.

Aos 38 anos, viveu uma longa vida para um animal da sua espécie. Segundo o treinador responsável, morreu de causas naturais, num santuário para animais de cinema reformados. Sim, isso existe — e sim, também achámos adorável.

O legado de uma mordidela

Happy Gilmore é um daqueles filmes que envelheceu como um bom taco de golfe vintage: meio absurdo, meio paródico, completamente delicioso. O jacaré fazia parte do universo caótico de um jogador de hóquei transformado em golfista, com um temperamento explosivo e uma pancada fenomenal. A cena em que enfrenta o jacaré para recuperar a bola (e vingar o mentor) tornou-se um clássico imediato — tanto pela coreografia absurda como pela cara de puro terror de Sandler.

Agora, com a morte do jacaré, perde-se mais um pedaço do cinema físico, antes dos efeitos digitais tomarem conta de tudo. Era um tempo em que os animais no set eram reais, imprevisíveis… e com dentição afiada.

Adeus, Chubbs Gator. E obrigado pelas dentadas

A internet, claro, não deixou passar o momento. Memes, homenagens e vídeos da icónica cena inundaram o TikTok e o Instagram, com fãs a recordarem a importância deste improvável “actor secundário” na comédia dos anos 90.

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No fundo, é mais do que um jacaré: é um símbolo de uma era em que até os filmes de golfe tinham monstros memoráveis. E agora, descansa finalmente num lago tranquilo… longe de bolas de golfe e actores nervosos.

Cannes Entre o Génio e o Escândalo: 7 Filmes Que Dividiram o Festival 🎬🔥

De ovação a vaias, de lágrimas a saídas a meio: quando Cannes vira campo de batalha entre público e cinema

Cannes é o berço da cinefilia sofisticada… mas também um dos maiores palcos de polémica cinematográfica do mundo. Todos os anos, há filmes que fazem o público levantar-se para aplaudir durante dez minutos — ou sair a meio, encolhido de desconforto. Eddington, de Ari Aster, é só o mais recente exemplo de uma longa tradição de cinema que arrisca, que provoca — e que muitas vezes divide.

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Aqui ficam 7 filmes que incendiaram o Festival de Cannes, pelas melhores (ou piores) razões:


🎞️ Irreversível(2002), de Gaspar Noé

O filme começa ao contrário e contém uma das cenas mais violentas e perturbadoras de sempre. Protagonizado por Monica Bellucci e Vincent Cassel, Irreversível levou centenas de pessoas a abandonar a sala. Gritos, desmaios e protestos marcaram a sessão.


Está disponível para streaming no Filmin e para aluguer no Prime Video

🎞️ The House That Jack Built (2018), de Lars von Trier

Depois de anos banido de Cannes, Von Trier regressou… e trouxe consigo um serial killer que decapita, tortura e ri-se disso tudo. Algumas pessoas saíram a meio em protesto. Outras ficaram… para aplaudir de pé. Cannes puro.

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The Neon Demon (2016), de Nicolas Winding Refn

Estética obsessiva, canibalismo metafórico e a vacuidade do mundo da moda. Refn, que já dividira opiniões com Only God Forgives, levou Cannes ao limite com esta fábula sombria onde Elle Fanning brilha… e sangra.

🎞️ Titane (2021), de Julia Ducournau

Uma mulher engravida de um automóvel. E isto é só o começo. Titane levou a Palma de Ouro, mas houve quem saísse em choque. Outros viram nela uma revolução estética, brutal e corporal. Amor ou ódio, não há meio-termo.

🎞️Enter the Void (2009), de Gaspar Noé

Sim, ele de novo. Uma viagem psicadélica pela vida e morte em Tóquio, do ponto de vista de uma alma fora do corpo. Imagens estroboscópicas, câmaras flutuantes e um público a sair zonado — literal e emocionalmente.

🎞️ Holy Motors (2012), de Leos Carax

Denis Lavant muda de personagem como quem muda de camisa — de banqueiro a mendigo, de criatura CGI a assassino. Um exercício surrealista, enigmático, que deixou críticos maravilhados… e espectadores a perguntar “o que é que eu acabei de ver?”.

🎞️ Climax (2018), de Gaspar Noé (sim, outra vez)

Começa como um musical… e acaba como um pesadelo ácido. Um grupo de bailarinos numa festa que descamba em terror colectivo. Foi aplaudido, vaiado e, claro, abandonado por alguns.


Eddington está em boa companhia

Ari Aster junta-se agora a este panteão de realizadores que não jogam pelo seguro. Com Eddington, trouxe para Cannes uma mistura explosiva de sátira política, drama social e estética de western contemporâneo. E como todos os anteriores, foi aplaudido de pé… e também abandonado a meio.

Porque no fim, é isso que faz de Cannes o que é: um festival onde o cinema é levado até ao limite, onde os cineastas ousam — e onde o público responde, sem filtros.

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🧨 Eddington Divide Cannes — Mas Faz Joaquin Phoenix Chorar com Ovação de Pé

O western político de Ari Aster, com Phoenix e Pedro Pascal, arranca aplausos, críticas divididas e gente a abandonar a sala — tudo num só filme

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Joaquin Phoenix em lágrimas. Ari Aster a pedir desculpa. O público dividido. Eddington, o novo filme do realizador de Hereditário e Midsommar, teve a sua estreia mundial em Cannes esta sexta-feira, 17 de maio — e, como se esperava, não deixou ninguém indiferente.

Com um elenco de luxo — PhoenixEmma StonePedro Pascal e Austin Butler — o filme teve uma ovação de cinco minutos no Palais des Festivals. Phoenix, emocionado, não conteve as lágrimas, enquanto Aster, visivelmente nervoso, reagia com o seu habitual humor autodepreciativo:

“Não sei o que dizer. Não sei o que pensam. Desculpem, acho eu? Obrigado, acho eu?”

Um western MAGA? Um estudo sobre o caos? Uma sátira política?

Eddington é tudo isso — e talvez demasiado disso. A história, passada em maio de 2020, em plena pandemia, acompanha o conflito crescente entre um xerife de província (Phoenix) e um presidente da câmara em campanha (Pascal), numa pequena localidade do Novo México. À medida que vizinho se vira contra vizinho, instala-se uma tensão que ecoa as divisões ideológicas da América moderna — especialmente sob a sombra do movimento MAGA (Make America Great Again).

O filme tem sido descrito como uma sátira política com estrutura de western contemporâneo, onde a ameaça não vem do exterior, mas de dentro da própria comunidade. A realização de Aster mistura simbolismo, violência e crítica social, numa obra que muitos já apelidaram de “experiência”. E nem todos ficaram para ver o fim: pelo menos 20 pessoas abandonaram a sala durante a projeção, especialmente nos lugares superiores do Palais.

Um elenco de peso a confrontar o colapso social

Para além dos nomes principais, o elenco inclui ainda Luke GrimesDeirdre O’ConnellMicheal Ward e Clifton Collins Jr.. Emma Stone interpreta a esposa do xerife, Louise Cross, num registo menos excêntrico do que o habitual — mas igualmente intenso.

A banda sonora, os planos longos e os diálogos carregados de subtexto político tornam Eddington num filme denso e provocador. Uma crítica ao tribalismo ideológico, ao medo do “outro” e às cicatrizes abertas pela pandemia — com ecos de western clássico, mas temperado com paranoia contemporânea.

A estreia de Aster em Cannes — e uma resposta… complexa

Esta foi a primeira vez que Ari Aster estreou um filme em Cannes. Hereditary passou por Sundance, Midsommar e Beau Is Afraid foram directamente para os cinemas. O regresso de Phoenix ao festival foi também simbólico: já tinha vencido o prémio de Melhor Ator em 2017, por You Were Never Really Here, de Lynne Ramsay. Já Emma Stone esteve presente em 2023 com Kinds of Kindness, de Yorgos Lanthimos.

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Eddington tem estreia marcada nos cinemas a 18 de julho de 2025, com distribuição da A24. O que nos resta agora é ver se o público fora do Palais vai aplaudir… ou sair a meio.

Assédio nas Artes: Profissionais da Cultura Exigem Canais de Denúncia Urgentes 🎭

Manifesto de dezenas de artistas e técnicos quer quebrar o silêncio e combater um problema estrutural no sector

O mundo da cultura portuguesa vive dias de inquietação – e, ao que parece, também de coragem. Um grupo de mais de 70 profissionais da área, entre artistas, técnicos e activistas, assinou um manifesto onde exigem a criação urgente de canais de denúncia seguros e eficazes para combater o assédio sexual, moral e o abuso de poder no sector cultural e artístico.

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Esta iniciativa surge no rescaldo das denúncias recentes contra o encenador Bruno Bravo, e assume um tom claro: o problema é estrutural, antigo e está longe de ser resolvido com medidas pontuais ou silêncios cúmplices.

Um grito colectivo contra a impunidade

O manifesto foi divulgado na segunda-feira e conta com signatários de várias áreas, incluindo figuras reconhecidas do teatro, cinema e música. O objectivo é simples, mas ambicioso: garantir que as instituições culturais – sejam públicas ou privadas – criem mecanismos reais para proteger vítimas e responsabilizar agressores.

Entre as exigências estão a implementação de canais de denúncia independentes, estruturas que ofereçam apoio legal e psicológico às vítimas, e, sobretudo, o compromisso de que estas denúncias não sejam ignoradas ou abafadas.

Não é um caso isolado – é um padrão

Os profissionais alertam para o facto de os casos de assédio no meio artístico não serem eventos esporádicos, mas sim parte de um padrão sistémico sustentado por relações de poder desequilibradas, precariedade laboral e uma cultura de silêncio.

Num meio onde os vínculos profissionais são muitas vezes informais, onde há uma hierarquia tácita marcada por relações de confiança pessoal e onde os projectos dependem frequentemente de “favores”, muitos optam por calar-se com medo de represálias ou ostracização.

O que está (ou não está) a ser feito?

Apesar de algumas instituições culturais começarem a adoptar códigos de conduta e planos para a igualdade, o manifesto considera essas medidas “insuficientes” e “meramente formais”. Reforça que é necessário ir mais longe, criando canais com independência, anonimato e capacidade de actuação – não apenas para registar queixas, mas para as acompanhar e resolver com transparência.

Os signatários defendem ainda que deve existir formação específica para dirigentes e responsáveis institucionais sobre assédio e violência em contexto laboral e artístico. É preciso, dizem, deixar de tratar o tema como um tabu e assumi-lo como uma prioridade.

Cultura sim, mas com dignidade

Num sector tantas vezes romantizado como espaço de liberdade criativa, a verdade é que a ausência de regulação e a precariedade crónica deixaram brechas onde o abuso floresce. O manifesto é, por isso, um passo importante para mudar o rumo das coisas.

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O sector cultural sempre teve a capacidade de se reinventar e provocar reflexão. Está na hora de usar essa mesma energia para olhar para dentro e fazer limpeza. Não basta aplaudir no fim – é preciso garantir que todos os que sobem ao palco, trabalham atrás das câmaras ou dirigem projectos o fazem com dignidade, segurança e respeito.

“Missão: Impossível – O Ajuste de Contas Final” chega aos cinemas com sessões especiais este fim de semana 💥🎬

Antes da grande estreia, Ethan Hunt entra em acção com antestreias imperdíveis a 17 e 18 de Maio

A contagem decrescente chegou ao fim. Missão: Impossível – O Ajuste de Contas Final estreia oficialmente a 22 de Maio, mas os fãs mais impacientes vão poder ver o novo capítulo da saga já este fim de semana, em sessões especiais nos dias 17 e 18, por todo o país. E sim, há oferta 2 por 1 — como a própria IMF (Impossible Mission Force) aprovaria.

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Esta nova entrada marca o derradeiro capítulo de uma das sagas de acção mais icónicas de sempre, com Tom Cruise a regressar como o incansável Ethan Hunt — agora mais determinado do que nunca a cumprir a sua missão final. Depois da estreia mundial no Festival de Cannes, onde arrancou elogios da crítica internacional, o filme prepara-se para dominar os ecrãs portugueses. E não é para menos.

A missão começa com a NOS… e com estilo

A operadora NOS junta-se ao lançamento com uma campanha especial que aproxima os fãs do universo Missão: Impossível. Através de passatempos nas redes sociais e da app my NOS, os espectadores podem garantir acesso exclusivo às sessões antecipadas. E, para os clientes com Cartão NOS, há ainda a possibilidade de adquirir dois bilhetes pelo preço de um — porque, sejamos honestos, estas missões sabem melhor acompanhadas.

Esta parceria celebra o cinema como lugar de entretenimento épico, com a promessa de que “para quem quer sempre mais, não há impossíveis”. Uma filosofia que casa na perfeição com o espírito de Ethan Hunt.

Um final “de proporções bíblicas”

Realizado por Christopher McQuarrie, que já se tornou cúmplice habitual de Cruise nesta saga, O Ajuste de Contas Finalfoi descrito pelo The Guardian como “uma experiência cinematográfica imperdível”, recebendo nota máxima. Já o The Telegraph elogia o filme como “um final deslumbrantemente ambicioso”, onde o agente Hunt enfrenta um desafio “de proporções bíblicas”.

A acção, claro, promete ser de tirar o fôlego — e poderá ser vivida em todos os formatos possíveis: IMAX, 4DX, ScreenX, D-Box e Dolby Atmos. Nada foi deixado ao acaso. Esta é, literalmente, a missão final.

Uma saga que redefine o impossível

A saga Missão: Impossível começou em 1996, com Tom Cruise a adaptar para o cinema a clássica série de televisão criada por Bruce Geller. Quase três décadas depois, Ethan Hunt continua a desafiar leis da física, expectativas do público e a idade do próprio Cruise — que insiste em dispensar duplos e filmar as suas próprias acrobacias.

O Ajuste de Contas Final reúne um elenco de luxo: Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Angela Bassett, Nick Offerman, Hannah Waddingham, entre outros. É uma despedida épica e cheia de adrenalina.

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Portanto, se ouvir alguém a gritar “esta mensagem autodestruir-se-á em cinco segundos”… corra para o cinema. A missão começa já este fim de semana.

Em Busca da Quimera: Josh O’Connor Brilha Num Poético Assalto ao Passado e à Alma 💎🎥

Alice Rohrwacher assina um filme mágico sobre aquilo que todos procuramos mas nunca encontramos

Há filmes que se vêem com os olhos, outros com o coração. La Chimera, da realizadora italiana Alice Rohrwacher, pertence ao segundo grupo — uma obra melancólica, terrosa e encantada sobre perdas, luto, beleza e a eterna procura de algo que talvez não exista. Josh O’Connor, o actor britânico que brilhou recentemente em Challengers, dá corpo (e alma) a um salteador arqueológico que escava muito mais do que túmulos. Escava o passado. E a sua própria dor.

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Um arqueólogo fora da lei, mas dentro da poesia

O filme situa-se na Itália dos anos 80, onde Arthur (O’Connor), um arqueólogo britânico de passado misterioso, junta-se a um grupo de “tombaroli” — saqueadores de túmulos etruscos — que procuram artefactos para vender no mercado negro. Mas o que move Arthur não é apenas ganância. É a ausência. A perda de Beniamina, o grande amor da sua vida. A sua quimera.

Enquanto os companheiros de crime procuram objectos de valor, Arthur parece escavar obsessivamente na esperança de encontrar algo intangível: um vestígio, um sinal, uma ligação ao que perdeu. A câmara de Rohrwacher, sempre sensível ao mundo rural, às tradições e à fantasia do quotidiano, capta tudo com uma leveza quase mágica, como se estivéssemos num sonho filmado em película desgastada pelo tempo.

Um filme que flutua entre o real e o imaginário

Alice Rohrwacher — autora de As Maravilhas e Lazzaro Felice — volta a mostrar que ninguém filma como ela as margens da Itália: as casas em ruínas, as festas populares, os rostos marcados e os rituais perdidos. Mas aqui vai mais longe, misturando elementos mitológicos com um tom quase de fábula — sem nunca perder o pé no mundo real.

Há humor (muito, aliás), mas também uma tristeza profunda, quase mineral, que atravessa o filme como uma corrente subterrânea. As personagens secundárias — entre elas uma velhinha encantadora interpretada por Isabella Rossellini — ajudam a criar um universo excêntrico, mas de uma humanidade desarmante.

Josh O’Connor: um actor com alma antiga

É impossível falar de La Chimera sem destacar a interpretação de Josh O’Connor. O seu Arthur é contido, ferido, distante — e, ainda assim, magnético. Há nele algo de santo e de ladrão, de arqueólogo e de fantasma. Com um sotaque italiano vacilante (propositado), o actor parece sempre deslocado, como alguém que vive entre dois mundos — o dos vivos e o dos mortos, o do presente e o da memória.

Depois de papéis marcantes em The Crown e no recente sucesso Challengers, esta é talvez a sua interpretação mais delicada e madura. Um homem a quem falta algo — e que decide procurar esse algo nos lugares mais improváveis.

A quimera somos todos nós

O título do filme, claro, remete para a criatura mitológica feita de partes incompatíveis. Mas também para o conceito de um desejo impossível. E é isso que Rohrwacher nos mostra com mestria: que todos temos uma quimera. Algo que perdemos, algo que queremos, algo que talvez nunca tenha existido.

O Regresso de Henrique Galvão ao Cinema: “Palácio do Cidadão” Brilha em Cannes com Estreia Mundial 🎬🇵🇹

La Chimera é uma carta de amor ao que está perdido — no solo, no tempo e no coração. Um filme sobre a beleza da busca, mesmo quando não há nada para encontrar.

Profecia Satânica ou Pura Coincidência? Filme de Mexicano “Acerta” no Papa Leão XIV 😱🎬

“El Habitante” antecipou em 2017 algo que só aconteceu em 2025 — e agora as redes sociais não falam de outra coisa

Estamos habituados a ver Os Simpsons acertarem no futuro com um à-vontade quase assustador — mas quem diria que um obscuro filme de terror mexicano iria juntar-se ao clube das profecias cinematográficas?

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A longa-metragem El Habitante, realizada por Guillermo Amoedo e lançada em 2017, inclui uma cena aparentemente banal: um noticiário fictício anuncia a morte do “Papa Leão XIV”. Na altura, ninguém ligou. Afinal, não havia nem Papa Leão XIII, quanto mais XIV.

Mas eis que chega 2025… e a realidade ultrapassa a ficção.

Entra em cena o verdadeiro Leão XIV

Com a recente eleição do cardeal norte-americano Robert Prevost como novo pontífice — e a escolha precisamente do nome Leão XIV — a Internet explodiu. O detalhe do filme tornou-se viral no TikTok, no Instagram e em fóruns de cinema e religião. Há quem fale em coincidência sinistra, outros em previsão divina, e os mais desconfiados em puro acaso — mas que é estranho, lá isso é.

Vídeos com excertos do filme e reacções incrédulas somam milhares de visualizações, com utilizadores a perguntar-se: será que El Habitante sabia de algo que o Vaticano ainda não sabia?

Um terror modesto… com eco profético

El Habitante não foi propriamente um sucesso global na altura. Trata-se de um thriller de terror sobre possessões demoníacas e segredos obscuros, com uma narrativa centrada em três mulheres que invadem a casa de um político — apenas para descobrir que o verdadeiro terror está trancado no porão.

A tal cena do noticiário surge logo no início, como pano de fundo, sem qualquer relação directa com a trama. E é precisamente isso que torna tudo mais arrepiante: a referência era meramente decorativa… e acabou por se tornar realidade.

Coincidência? Talvez. Mas os fãs de teorias já estão em modo Dan Brown

Não tardou para que as teorias começassem a circular. Será que o realizador teve uma premonição? Terá sido uma escolha aleatória de nome pontifício que, por um capricho do destino, bateu certo? Ou haverá uma lógica qualquer por trás da escolha de “Leão XIV” como nome simbólico?

O próprio realizador, Guillermo Amoedo, confessou ter ficado surpreendido com a viralização recente do seu filme. Ainda não comentou oficialmente, mas deve estar, no mínimo, a considerar uma sequela: El Habitante 2 — Agora com Profecias Confirmadas.

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