De Lord Olivier a “Larry”: Como Sleuth  Mudou a Vida de Michael Caine

🎭 Sleuth (1972), realizado por Joseph L. Mankiewicz, é um daqueles raros filmes que coloca duas potências actorais frente a frente — e em pleno duelo psicológico. Mas o que se passou nos bastidores foi tão fascinante quanto o jogo de manipulações entre os personagens na tela. E para Michael Caine, contracenar com Laurence Olivier foi mais do que um marco na sua carreira — foi um momento de transformação pessoal.

ver também : 🎭 Michael Caine revela que ficou “aterrorizado” com o Joker de Heath Ledger em The Dark Knight

O jovem Caine, já conhecido por The Ipcress File e Alfie, ficou sem saber como se dirigir ao lendário Olivier quando começaram a rodar o filme. A reverência era compreensível. Afinal, estava perante o homem que era não só um ícone do teatro britânico como também… um lorde.

“Como devo tratá-lo?”, perguntou Caine, nervoso.

Olivier respondeu com a elegância descontraída que o caracterizava:

“Bem, sou o Lord Olivier e tu és o Mr. Michael Caine. Claro que isso é só na primeira vez. A seguir, sou o Larry e tu és o Mike.”

De terceira escolha a parceiro de cena

Curiosamente, Caine foi a terceira escolha para o papel de Milo Tindle. Albert Finney foi inicialmente considerado, mas foi descartado por estar “um pouco roliço” para o papel. Alan Bates recusou o convite. E assim, o papel acabou nas mãos de Caine — e que escolha acertada!

Durante uma das cenas mais intensas, na qual o personagem de Caine entra em colapso e chora descontroladamente, Olivier ficou tão impressionado que interrompeu a gravação para fazer um comentário inesperado:

“Pensei que tinha um assistente, Michael. Mas vejo que tenho um parceiro.”

Para Caine, que sempre teve o hábito de guardar elogios com modéstia, este foi “o maior elogio que recebi desde que me tornei actor profissional.”

Quando os papéis se invertem: o remake de 

Sleuth

Décadas mais tarde, em 2007, Caine regressou ao mundo de Sleuth, mas desta vez do outro lado do tabuleiro. No remake realizado por Kenneth Branagh, Caine interpretou o papel que outrora fora de Olivier, enquanto Jude Law assumia o seu antigo papel. Curiosamente, foi a segunda vez que Jude Law herdou um papel de Michael Caine — a primeira foi na reinvenção de Alfie (2004).

O Sleuth de 2007, escrito por Harold Pinter, é uma versão muito mais minimalista e cerebral do original. Embora tenha dividido opiniões, foi uma homenagem inteligente ao confronto de egos e à arte da representação — temas centrais do filme original.

Um jogo de inteligência, ego e respeito

Sleuth não é apenas um thriller engenhoso. É uma aula de representação, onde dois actores — um no auge da juventude, outro já imortal — se desafiam mutuamente em cena com inteligência, subtileza e camadas de emoção. Mas é também um testemunho de respeito: o respeito que Michael Caine tinha por Laurence Olivier… e o respeito que Olivier rapidamente desenvolveu por aquele jovem actor que, de “Mike”, se tornou um igual.

ver também: Como “Jackie Brown” Salvou o Romance de Elmore Leonard (e Porque Tarantino Quase Não o Realizou)

🎬 Festa do Cinema Italiano Premia Filmes sobre Imigração e Bullying Escolar

A 18.ª edição da Festa do Cinema Italiano, que decorreu recentemente em Lisboa, destacou obras que abordam temáticas sociais prementes, como a imigração e o bullying em meio escolar. O júri atribuiu o Prémio do Júri a “Anytime, Anywhere”, de Milad Tangshir, enquanto o Prémio do Público foi para “Il ragazzo dei pantaloni rosa”, de Margherita Ferri. 

ver também : Emily in Rome? Emily in Paris  Vai Dividir-se Entre a Cidade Luz e a Cidade Eterna

🏆 “Anytime, Anywhere”: Um Retrato Neorrealista da Imigração

O filme “Anytime, Anywhere”, realizado por Milad Tangshir, cineasta iraniano radicado em Itália, narra a história de um jovem imigrante clandestino em Turim. A obra foi elogiada pelo júri pela sua “narrativa crua e poderosa”, evocando o neorrealismo clássico de “Ladrões de Bicicletas”, numa versão moderna e comovente. 

“O filme surpreendeu-nos pela forma humilde e profundamente humana com que retrata a vida tal como ela é — evocando o neorrealismo e dando visibilidade a tantas e tantos que permanecem invisíveis nas cidades”, afirmou o júri.  

🎥 “Il ragazzo dei pantaloni rosa”: Uma História Real sobre Bullying

“Il ragazzo dei pantaloni rosa”, de Margherita Ferri, baseia-se na história real do primeiro caso conhecido em Itália de suicídio de um menor, provocado por bullying e cyberbullying. O filme, inspirado no livro da mãe da vítima, “Andrea além das calças cor-de-rosa”, relata a tragédia originada por uma situação aparentemente banal: umas calças vermelhas que passaram a cor-de-rosa numa lavagem errada. 

Produzido em 2024, o filme foi um dos mais vistos do ano em Itália, com mais de um milhão e meio de espectadores. 

🎞️ Um Festival de Cinema com Impacto Social

A 18.ª edição da Festa do Cinema Italiano contou com cerca de 13.200 espectadores em Lisboa, repartidos por sessões em seis salas de cinema. O festival prossegue agora a sua digressão por várias cidades portuguesas, incluindo Aveiro, Funchal, Braga, Figueira da Foz, Sintra, Almada, Coimbra, Évora, Porto, Vila Franca de Xira, Lagos, Moita, Loulé, Leiria, Oeiras, Abrantes/Sardoal, Barreiro e Odemira. 

Entre os filmes exibidos, destacam-se “A Grande Ambição”, de Andrea Segre, sobre o antigo secretário-geral do Partido Comunista Italiano, Enrico Berlinguer, e “Diva Futura – Cicciolina e a Revolução do Desejo”, de Giulia Steigerwalt. 

ver também : “Não Acredito em Remakes do ‘The Breakfast Club’”: Molly Ringwald Defende o Clássico Como Retrato do Seu Tempo

A Festa do Cinema Italiano é organizada pela Associação Il Sorpasso, em colaboração com a Câmara Municipal de Lisboa, a Embaixada de Itália, o Instituto Italiano de Cultura, o Instituto do Cinema e do Audiovisual e a Cinecittà, entre outras entidades. 

Emily in Rome? Emily in Paris  Vai Dividir-se Entre a Cidade Luz e a Cidade Eterna

🇫🇷🇮🇹 O amor está no ar… e também a indecisão. Emily Cooper, a executiva de marketing mais improvável de Paris, está de volta para uma nova ronda de dilemas sentimentais, outfits exuberantes e mudanças geográficas inesperadas. A quinta temporada de Emily in Paris começa a ser filmada em maio — mas desta vez, a ação arranca em Roma antes de regressar à capital francesa no final do verão.

ver também : “Não Acredito em Remakes do ‘The Breakfast Club’”: Molly Ringwald Defende o Clássico Como Retrato do Seu Tempo

Sim, leste bem: Emily in Paris vai passar (também) por Itália. Uma jogada arrojada da Netflix e do criador Darren Star para refrescar a série — e, quem sabe, lançar Emily num novo capítulo mediterrânico… com direito a cashmere, esplanadas romanas e mais um triângulo amoroso para baralhar os fãs.

Novos cenários, velhos corações partidos

Na nova temporada, Emily (Lily Collins) muda-se temporariamente para Roma, onde fica responsável por abrir o novo escritório da Agence Grateau na capital italiana. O início da temporada acontece poucos dias após o final do quarto capítulo — e traz consigo uma reorganização sentimental à altura do drama parisiense.

Alfie (Lucien Laviscount) seguiu em frente com uma nova namorada, depois de Emily ter escolhido Gabriel (Lucas Bravo). Mas, como sempre, as coisas não são tão simples. Gabriel continua envolvido numa relação ambígua com Camille (que já não regressa nesta temporada), deixando Emily mais uma vez dividida entre o passado e um novo interesse: Marcello Muratori, interpretado por Eugenio Franceschini, herdeiro de uma marca de cashmere e residente na pitoresca vila fictícia de Solitano, nos arredores de Roma.

De volta à cozinha de Gabriel… com alguma frustração

Lucas Bravo volta como Gabriel, apesar de ter recentemente manifestado algum desagrado com o rumo da sua personagem. Em entrevista ao IndieWire, o ator disse sentir-se cada vez mais distante do “sexy chef” que inicialmente o cativou:

“Transformaram o Gabriel em guacamole. Ele era parte de mim na primeira temporada, mas fomos-nos afastando com o tempo. Nunca estive tão distante de uma personagem.”

Ainda assim, Bravo continua na série, assim como o restaurante de Gabriel, que voltará a ser um dos cenários centrais — e, previsivelmente, palco de novas discussões românticas, jantares tensos e, claro, comida visualmente impecável.

O elenco (quase) completo regressa

Para além de Collins, Bravo e Laviscount, também regressam Philippine Leroy-Beaulieu (Sylvie Grateau), Samuel Arnold (Julien), Bruno Gouery (Luc), William Abadie (Antoine) e Ashley Park (Mindy). A ausência notada será Camille Razat, cuja personagem foi fundamental nos primeiros quatro anos da série. Ainda não se sabe se Thalia Besson — que deu vida à intrigante Geneviève — regressará, embora o público tenha recebido bem a sua presença na temporada anterior.

Um fenómeno global entre a diplomacia e a cultura pop

A influência de Emily in Paris extravasa o ecrã. A série tornou-se um fenómeno cultural, turístico e até político. Emmanuel Macron chegou a afirmar que a França “luta com unhas e dentes” para manter a produção em solo francês. A declaração provocou uma reacção divertida do presidente da câmara de Roma, Roberto Gualtieri, que sugeriu que a dolce vita também merece o seu lugar na série.

E assim será. Entre cafés à beira do Sena e gelados à sombra do Coliseu, Emily Cooper promete continuar a dividir corações e geografias — enquanto tenta encontrar, pela quinta vez, a combinação ideal entre amor, carreira e sapatos de salto alto.

ver também : Light & Magic  Regressa à Disney+ com Segunda Temporada Dedicada à Revolução Digital no Cinema

“Não Acredito em Remakes do ‘The Breakfast Club’”: Molly Ringwald Defende o Clássico Como Retrato do Seu Tempo

🎒 Quarenta anos depois da estreia de The Breakfast Club, Molly Ringwald deixou claro que o clássico teen de 1985 deve permanecer intocável. Durante uma aguardada reunião com o elenco original no Chicago Comic & Entertainment Expo, a atriz partilhou a sua opinião sobre a possibilidade de um remake… e a resposta foi um firme “não”.

“Pessoalmente, não acredito num remake desse filme. Porque acho que ele é muito marcado pelo seu tempo,” afirmou Ringwald. “É um filme muito branco. Não há diversidade étnica, não se fala de género, nada disso. E isso já não representa o mundo em que vivemos hoje.”

A importância de criar algo novo… inspirado, mas não copiado

Ringwald não se opõe a novas narrativas que se inspirem no espírito de The Breakfast Club, mas sublinha que é essencial que essas histórias reflitam a complexidade do mundo atual:

“Acredito em fazer filmes que sejam inspirados noutros, mas que os ultrapassem — que representem o que se passa hoje. Gostava de ver histórias que nascem de The Breakfast Club, mas que sigam em direcções diferentes.”

É uma posição que se alinha com muitas vozes na indústria que alertam para o excesso de reboots e remakes que não acrescentam nada de novo, especialmente quando as obras originais eram tão marcadamente reflexo do seu contexto histórico.

Um reencontro com cheiro a nostalgia… e legado duradouro

O painel de celebração contou com os cinco membros originais do elenco: Molly Ringwald, Emilio Estevez, Anthony Michael Hall, Judd Nelson e Ally Sheedy. Juntos, partilharam memórias dos bastidores, histórias com o lendário realizador e argumentista John Hughes, e refletiram sobre o impacto que o filme teve — e continua a ter — na cultura pop.

Rodado na Maine North High School, em Illinois, The Breakfast Club é ainda hoje um símbolo da adolescência dos anos 80. A história — cinco jovens arquétipos (o desportista, o cérebro, o criminoso, a princesa e a esquisita) obrigados a passar um sábado em detenção — toca temas universais como insegurança, pressão social e identidade, com uma honestidade que ainda ressoa junto de várias gerações.

Um clássico imortal… mas que reconhece as suas falhas

É precisamente por essa honestidade que The Breakfast Club continua a ser revisitado, discutido e até criticado. Ringwald, que já escreveu anteriormente sobre as limitações de alguns filmes de Hughes no que toca a representação, mostra aqui uma maturidade rara: a capacidade de amar uma obra que ajudou a construir… sem ignorar os seus limites.

Numa altura em que Hollywood se debate entre nostalgia e inovação, as palavras de Ringwald soam como um apelo à criatividade: em vez de reciclar o passado, que tal reinventá-lo?

Light & Magic  Regressa à Disney+ com Segunda Temporada Dedicada à Revolução Digital no Cinema

✨ O lado mais invisível da Força voltou — e mais uma vez, deslumbra. A segunda temporada da aclamada série documental Light & Magic, dedicada à história e inovação da lendária casa de efeitos visuais da Lucasfilm, estreou esta sexta-feira na Disney+, em estreia simultânea com a apresentação do novo trailer no Star Wars Celebration em Tóquio.

ver também : “O Quarteto Fantástico: Primeiros Passos”: Marvel Apresenta Um Começo Cósmico e Familiar Para a Primeira Família dos Super-Heróis

Desta vez, a docussérie mergulha na fase mais transformadora da Industrial Light & Magic (ILM): a transição do cinema analógico para o digital. A revolução silenciosa que moldou a forma como vemos o impossível no grande ecrã.

Uma celebração galáctica — e tecnológica

A apresentação foi um dos pontos altos do evento nipónico. O público presente foi brindado com mensagens em vídeo de Joe Johnston (realizador e veterano dos efeitos visuais da ILM) e do produtor Ron Howard, seguidas por um emocionante highlight reel e um painel de discussão ao vivo.

Moderado pelo actor Sam Witwer (a voz de Darth Maul em Solo: A Star Wars Story), o painel contou com presenças ilustres como Ahmed Best (Jar Jar Binks), a presidente da Lucasfilm Lynwen Brennan, Doug Chiang (designer lendário de Star Wars), John Knoll (supervisor sénior de VFX), Janet Lewin (directora-geral da ILM) e Rob Coleman (supervisor de animação).

Juntos, partilharam histórias, bastidores e decisões criativas que definiram o rumo do cinema nos últimos 30 anos — incluindo os primeiros personagens totalmente em CGI e os desafios de simular digitalmente elementos naturais como água, fogo ou pele humana com realismo.

Como o digital mudou a galáxia… e tudo o resto

Com apenas três episódios, esta nova temporada é mais curta, mas promete ser profundamente reveladora. A narrativa foca-se no impacto das tecnologias digitais na forma de fazer cinema, destacando não só as conquistas da ILM, mas também os conflitos internos e o ceticismo que enfrentaram por parte da indústria na época.

Entre os momentos-chave documentados estão os bastidores da criação de Jar Jar Binks em A Ameaça Fantasma, os avanços de simulação em filmes como O Naufrago, Pearl Harbor ou O Senhor dos Anéis, e a migração definitiva de Hollywood para os efeitos visuais digitais como norma.

Uma produção com o selo dos mestres

Light & Magic é produzida por pesos pesados da indústria: Brian Grazer e Ron Howard, através da Imagine Documentaries, com Johnston como realizador e Lawrence Kasdan (argumentista de O Império Contra-Ataca) entre os produtores executivos. Kathleen Kennedy, presidente da Lucasfilm, também assina como produtora, o que mostra a importância simbólica da série dentro da própria saga Star Wars.

Esta segunda temporada funciona como uma aula viva de história do cinema, mas com o brilho e o ritmo de uma aventura galáctica. É uma carta de amor à ILM, ao talento invisível por detrás de cada explosão, cada criatura alienígena e cada planeta improvável.

Disponível agora… e obrigatória para qualquer cinéfilo

Se a primeira temporada de Light & Magic foi uma revelação para muitos espectadores, esta segunda promete ser uma reflexão mais técnica e filosófica sobre o que significa fazer cinema num mundo onde tudo é possível — mas nem tudo tem alma.

E é precisamente essa alma que os artistas da ILM sempre conseguiram manter, mesmo quando os computadores tomaram o lugar das miniaturas, dos matte paintings e da magia analógica.

ver também : “The Sandman” Regressa em Julho: A Última Viagem de Morpheus Será Contada em Duas Partes

Baby Yoda Vai ao Cinema! “The Mandalorian & Grogu” Leva Star Wars de Volta ao Grande Ecrã com Acção, Emoção e Nostalgia

🌌 Depois de conquistar os ecrãs da televisão, Grogu — ou, para os amigos, Baby Yoda — prepara-se para invadir os cinemas numa aventura em grande escala. The Mandalorian & Grogu, o novo filme da saga Star Wars realizado por Jon Favreau, foi apresentado pela primeira vez durante a Star Wars Celebration, em Tóquio, com um primeiro vislumbre repleto de acção, combates galácticos e o regresso de personagens muito queridos.

ver também : “The Sandman” Regressa em Julho: A Última Viagem de Morpheus Será Contada em Duas Partes

É o primeiro filme Star Wars desde The Rise of Skywalker (2019), e marca também uma nova tentativa da Disney de inverter o caminho traçado pela saga: depois de expandir com sucesso o universo de Star Wars para a televisão através de séries como The Mandalorian, Ahsoka ou Andor, a Casa do Rato quer agora testar se o sucesso televisivo se pode traduzir em êxito cinematográfico.

Um trailer com tudo: lutas, sabres, neve e… pipocas espaciais

A estreia do footage exclusivo arrancou aplausos: snowtroopers, AT-ATs, batalhas em plano sequência com Din Djarin a abrir caminho a tiro e a fogo, e até um cliffhanger nostálgico ao estilo de 1977. A sequência central mostrava o Mandaloriano (Pedro Pascal) a abrir à força o casco de um AT-AT e a atravessá-lo num movimento contínuo que lembrava o primeiro Star Wars, com stormtroopers a invadir e rebeldes em pânico.

A surpresa? Grogu a usar os seus poderes, a nadar debaixo de água (!), e uma arena onde Rotta, o filho de Jabba the Hutt — aqui interpretado por Jeremy Allen White — se ergue em triunfo. Nas bancadas? Grogu, comendo a versão galáctica de pipocas. Como resistir?

Sigourney Weaver junta-se ao universo… e manda no Mandaloriano

Entre as novidades do elenco, destaca-se Sigourney Weaver, que interpreta uma misteriosa figura de autoridade que lembra a Moff Gideon — mas com mais elegância e menos explosões (por agora). “Lembras-te de que trabalhas para mim?”, diz ela a Din Djarin, num tom tão gélido quanto autoritário.

A actriz revelou que a sua ligação ao projecto começou com uma videochamada com Favreau e Dave Filoni, que lhe deram uma missão: ver The Mandalorian do início ao fim. “Apaixonei-me por todos os personagens, mas sobretudo por este homem”, disse, pousando a mão no ombro de Pedro Pascal. “E claro… o Grogu roubou-me o coração.”

Grogu, claro, apareceu em palco — uma versão animatrónica de cortar a respiração, que acenou à audiência japonesa. O público respondeu com gritos emocionados e palmas ininterruptas.

O cinema volta a ser casa para a Força

Pedro Pascal confessou que tudo começou com uma visita à sala dos argumentistas, onde viu as ilustrações da primeira temporada coladas nas paredes. “Nunca me vou esquecer desse dia”, disse. “Foi como ver a melhor banda desenhada de ficção científica que alguma vez me tinham mostrado.”

Favreau, por seu lado, sublinhou a importância de apresentar o filme no Japão: “A influência do cinema japonês em Star Wars é profunda. Vir aqui é como um regresso às origens.”

O futuro da saga… e o que vem a seguir

The Mandalorian & Grogu será o primeiro filme da nova vaga de cinema Star Wars. Outros projectos em desenvolvimento incluem o filme Dawn of the Jedi, de James Mangold (Ford v Ferrari), uma nova trilogia escrita por Simon Kinberg (X-Men), e um filme standalone de Shawn Levy (Deadpool & Wolverine).

Quanto ao filme de Favreau, ainda não há data oficial de estreia, nem confirmação de quando o trailer será lançado online. Mas a expectativa é alta — especialmente porque a história deverá unir personagens das séries The Mandalorian, Ahsokae Rebels, numa teia narrativa que recompensa os fãs antigos sem esquecer os novos.

Para já, sabemos que o elenco inclui também Jonny Coyne como um líder imperial, e rumores apontam para cameos de personagens muito conhecidos.

ver também : “O Quarteto Fantástico: Primeiros Passos”: Marvel Apresenta Um Começo Cósmico e Familiar Para a Primeira Família dos Super-Heróis

O que é certo é que, com Pedro Pascal de volta ao capacete e Grogu no colo, a Força está definitivamente com este filme.

“O Quarteto Fantástico: Primeiros Passos”: Marvel Apresenta Um Começo Cósmico e Familiar Para a Primeira Família dos Super-Heróis

🌀 Depois de anos de espera, rumores e reinvenções falhadas, O Quarteto Fantástico prepara-se para finalmente entrar no Universo Cinematográfico da Marvel — e fá-lo com um título revelador: Primeiros Passos. O novo filme, com estreia marcada para 24 de julho de 2025, promete ser mais do que apenas uma introdução a estes heróis. Será, segundo o novo trailer, uma viagem ao coração daquilo que define o Quarteto: família, descoberta, ciência… e um toque muito retro.

ver também : “The Sandman” Regressa em Julho: A Última Viagem de Morpheus Será Contada em Duas Partes

Entre o amor e a radiação cósmica: um Quarteto de rosto novo

Pedro Pascal lidera o elenco como Reed Richards, o Senhor Fantástico — um génio científico dividido entre as equações do universo e a emoção de ser (em breve) pai. Ao seu lado, Vanessa Kirby encarna Sue Storm, a Mulher Invisível, cuja gravidez é um dos elementos centrais da narrativa — uma escolha ousada que promete trazer emoção e complexidade à história.

Joseph Quinn surge como Johnny Storm, o impulsivo Tocha Humana, enquanto Ebon Moss-Bachrach dá vida a Ben Grimm, o eterno Cosa de coração mole e punho de pedra. O grupo, ainda a aprender a lidar com os seus poderes, é apresentado numa fase inicial — como indica o subtítulo Primeiros Passos — mas já com uma ameaça de proporções galácticas à vista.

Galactus e a Surfista Prateada: os deuses entram em cena

O trailer revela que os heróis vão enfrentar Galactus, o devorador de mundos, interpretado por Ralph Ineson. Com voz cavernosa e presença imponente, Galactus surge acompanhado da sua arauta: a enigmática Surfista Prateada, aqui reinterpretada por Julia Garner — um casting que causou surpresa entre os fãs mais conservadores, mas que poderá trazer nova dimensão à personagem.

Este confronto com o cósmico abre também portas a futuras ramificações do MCU, especialmente com a eventual introdução de Franklin Richards, o filho de Reed e Sue, que nos comics tem poderes com ligações aos mutantes. Teremos aqui uma ligação ao universo dos X-Men? A especulação está em marcha.

Visual retro, narrativa nova

Uma das grandes surpresas do trailer é o estilo visual: há uma clara inspiração nos anos 1960, com uma estética retro-futurista que mistura equipamentos analógicos, arquitetura modernista e cores saturadas. É uma escolha artística que presta homenagem à era original da banda desenhada criada por Stan Lee e Jack Kirby, mas que também estabelece um tom muito próprio para o filme.

Em vez de tentar competir com o frenesim urbano dos Avengers ou a ironia dos Guardiões da Galáxia, Primeiros Passosaposta num tom mais intimista, mais centrado nas dinâmicas pessoais — e, claro, no fascínio pela exploração científica. É como se estivéssemos a ver uma ficção científica clássica, passada por um filtro Marvel.

Uma estreia cheia de promessas

Com realização de Matt Shakman (WandaVision) e argumento de Josh Friedman (Avatar: O Caminho da Água), O Quarteto Fantástico: Primeiros Passos posiciona-se como um dos pilares da Fase Seis do MCU — e também como uma das maiores apostas para revitalizar a marca Marvel, que tem atravessado um período de recepção dividida.

A expectativa é elevada, mas o trailer mostrou o suficiente para reacender o entusiasmo: há emoção, humor contido, potencial narrativo e uma estética que se distingue da fórmula habitual. O MCU precisa de novos começos — e parece ter encontrado um nas estrelas… e numa barriga prestes a mudar tudo.

ver também : David Cronenberg está de regresso com The Shrouds

“The Sandman” Regressa em Julho: A Última Viagem de Morpheus Será Contada em Duas Partes

🌙 O Senhor dos Sonhos regressa ao pequeno ecrã — e traz consigo promessas de escuridão, beleza e redenção. A Netflix confirmou que a segunda e última temporada de The Sandman, baseada na icónica obra de Neil Gaiman, estreará em julho de 2025… mas com uma surpresa: será dividida em duas partes. Uma decisão que, longe de ser apenas estratégica, parece respeitar a densidade narrativa e poética do material original.

ver também: O Que Brad Pitt Nunca Contou Sobre Once Upon a Time… in Hollywood: A Verdade Por Detrás de Cliff Booth

Uma adaptação que sonha mais alto

A primeira temporada de The Sandman foi uma das adaptações mais ambiciosas e reverenciadas da história recente da televisão. Ao transpor para o ecrã a mitologia intricada e profundamente humana criada por Gaiman nos anos 90, a série não só captou a essência visual da obra como conquistou um público novo — que talvez nunca tenha entrado numa livraria de banda desenhada, mas se perdeu nos reinos do Sonho.

Tom Sturridge regressa como Morpheus, o Mestre dos Sonhos, numa performance contida, melancólica e poderosa, capaz de invocar tanto o horror cósmico como a fragilidade de um deus em crise existencial. E nesta nova temporada, vamos finalmente assistir aos momentos mais esperados da saga, desde o confronto com as suas irmãs, aos dilemas da sua própria identidade enquanto entidade imortal.

Porquê duas partes?

A escolha de dividir a temporada final em duas metades pode ser vista como uma forma de esticar o sucesso — mas neste caso, há mais do que lógica comercial. The Sandman não é uma narrativa linear nem apressada. É feita de fragmentos, de histórias dentro de histórias, de encontros improváveis entre seres humanos e entidades eternas. Dividir a temporada é dar-lhe o tempo certo para respirar.

A primeira parte estreia em julho. A segunda deverá chegar ainda em 2025. Não há datas exactas, mas para os fãs — e para os leitores de longa data de Gaiman —, a espera valerá cada segundo.

Um final anunciado… mas com promessas de eternidade

Sabemos que será a última temporada. Mas também sabemos que no universo de The Sandman, nada termina realmente. A série prometeu continuar a explorar temas universais — o luto, a mudança, a responsabilidade, o livre-arbítrio — tudo com aquela mistura inconfundível de horror, lirismo e filosofia que tornou os livros de Gaiman tão influentes.

Espera-se o regresso de personagens fundamentais como Desejo, Morte, Lucienne e o Corvo Matthew, e a introdução de figuras que marcaram os volumes mais densos da banda desenhada, como Delírio, Destino e Destruição. Se a primeira temporada foi um convite ao Sonho, esta segunda será o mergulho profundo no seu coração.

Neil Gaiman: sempre presente, sempre fiel

Um dos grandes trunfos da adaptação tem sido a participação activa de Neil Gaiman enquanto produtor executivo e guardião criativo do seu próprio universo. A sua influência sente-se não só nos diálogos e estrutura narrativa, mas na sensibilidade com que a série respeita o ritmo literário da obra original.

Num mundo televisivo em que tantas adaptações traem as suas fontes, The Sandman é uma raridade: uma homenagem fiel e ousada que se atreve a ser poética onde tantos optam pela acção.

O sonho continua

Para os leitores que acompanharam Morpheus desde as prateleiras poeirentas das lojas de BD, e para os novos fãs que descobriram este universo pela Netflix, este final será, ao mesmo tempo, uma celebração e uma despedida.

ver também : David Cronenberg está de regresso com The Shrouds

Mas como o próprio Gaiman escreveu, “as histórias nunca terminam… apenas mudam quem as conta.”

O Que Brad Pitt Nunca Contou Sobre Once Upon a Time… in Hollywood: A Verdade Por Detrás de Cliff Booth

🎬 Brad Pitt foi Cliff Booth, o duplo silencioso e imperturbável em Once Upon a Time… in Hollywood (2019). Mas por detrás da personagem, existe uma história digna de um filme à parte — recheada de reviravoltas, improvisos que se tornaram icónicos e até carros emprestados por velhos amigos de Quentin Tarantino.

ver também : First Date”: Luís Filipe Borges Faz Estreia no Cinema com Comédia Açoriana que Já Está a Dar Que Falar

Neste artigo, abrimos os bastidores do nono filme de Tarantino para revelar curiosidades e momentos insólitos que ajudam a perceber como nasceu esta performance que valeu a Pitt o seu primeiro Óscar de actor.

“You’re Rick f**king Dalton!” — A frase improvisada que veio do passado

A frase que Cliff grita a Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) num momento de crise — “You’re Rick f**king Dalton! Don’t you forget that.” — foi completamente improvisada por Brad Pitt.

Segundo o próprio actor, a inspiração veio de um momento marcante da sua juventude. Nos anos 90, quando ainda era um actor em início de carreira e cheio de dúvidas, um veterano disse-lhe exatamente essa frase, substituindo o nome. Foi um daqueles conselhos à antiga, meio rudes, mas sinceros. Pitt guardou a frase consigo — e entregou-a a Cliff Booth.

O papel que quase foi de Tom Cruise… e quase não foi de ninguém

O mais curioso? Brad Pitt quase nem fez parte do filme. Tarantino queria-o para um papel misterioso — segundo rumores, um detective a investigar os assassinatos. Pitt rejeitou. As negociações caíram. Quentin considerou Tom Cruise. Também não avançou.

Meses depois, Tarantino voltou à carga. Só que desta vez o convite foi para um papel diferente: o do duplo Cliff Booth. Pitt disse que sim. E ainda bem. A química entre ele e DiCaprio tornou-se um dos grandes trunfos do filme.

O Cadillac de Reservoir Dogs e o elogio que Brad (quase) censurava

Atenção aos olhos mais atentos: o Cadillac creme que Cliff Booth conduz ao longo do filme não foi alugado por produção. É o carro de Michael Madsen, actor-fétiche de Tarantino, e o mesmo que aparece conduzido por ele em Reservoir Dogs (1992). Um pequeno grande detalhe que só os mais fanáticos notaram.

E há mais: aquele momento em que Bruce Lee (Mike Moh) comenta que Cliff “é demasiado bonito para ser duplo”? Essa linha foi sugerida por Burt Reynolds durante uma leitura de guião. Reynolds ia interpretar George Spahn, o dono do rancho, mas faleceu antes das filmagens — tendo sido substituído por Bruce Dern.

Curiosamente, Brad Pitt não gosta de falas que aludem à sua aparência — e teria vetado a frase. Mas como veio de Burt Reynolds, uma lenda, não teve coragem de a cortar. Tarantino confirmou: “Se a linha não fosse do Burt, nunca teria entrado.”

Cannes, a t-shirt que desaparece… e os aplausos

Na estreia mundial de Once Upon a Time… in Hollywood, no Festival de Cannes, houve um momento que ficou na memória de quem assistiu: a cena em que Cliff Booth, já com 55 anos, tira a t-shirt no telhado para arranjar uma antena de televisão. O público reagiu com um misto de assobios, aplausos e risos nervosos. Pitt, sem esforço, mostrou que continua a ser um dos grandes ícones do cinema — mesmo quando não quer que se fale nisso.

O que torna Cliff Booth tão memorável?

Talvez seja o mistério. Ou a lealdade cega ao seu amigo. Ou a tranquilidade perigosa que faz dele tão carismático quanto inquietante. Mas uma coisa é certa: Cliff Booth nasceu de improvisos, recusas, homenagens a ídolos perdidos e muita intuição. É Tarantino no seu melhor — e Brad Pitt no auge da sua confiança.

ver também : Godzilla Regressa com Mais Fúria: Sequela de Godzilla Minus One Confirmada com Realizador Takashi Yamazaki

David Cronenberg está de regresso com The Shrouds

David Cronenberg regressa ao grande ecrã com The Shrouds, um thriller psicológico profundamente pessoal que explora o luto e a ligação entre os vivos e os mortos. O filme, protagonizado por Vincent Cassel, Diane Kruger, Guy Pearce e Sandrine Holt, estreou no Festival de Cannes de 2024 e tem gerado grande expectativa entre os fãs do realizador canadiano. 

Uma narrativa sobre luto e tecnologia

Em The Shrouds, Cassel interpreta Karsh, um empresário inovador que, após a morte da esposa, desenvolve uma tecnologia controversa que permite aos enlutados observar em tempo real a decomposição dos seus entes queridos através de mortalhas funerárias. A trama intensifica-se quando várias sepulturas, incluindo a da sua esposa, são vandalizadas, levando Karsh a questionar as suas motivações e a natureza da sua invenção. 

ver também : First Date”: Luís Filipe Borges Faz Estreia no Cinema com Comédia Açoriana que Já Está a Dar Que Falar

Reflexões pessoais de Cronenberg

Cronenberg descreve The Shrouds como um projeto profundamente pessoal, inspirado pela perda da sua própria esposa. Em entrevistas, o realizador revelou que o filme serve como uma forma de processar o seu luto, utilizando a ficção para explorar emoções reais e complexas.

Estreia e distribuição

O filme estreou no Festival de Cannes em 2024 e tem sido apresentado em diversos festivais internacionais desde então. A distribuição comercial está prevista para 2025, embora as datas específicas de lançamento em Portugal e no Brasil ainda não tenham sido confirmadas.

ver também : Olivia Colman e Benedict Cumberbatch em “The Roses”: Uma Nova Visão de “A Guerra das Rosas”

Andrew Lincoln revela porque deixou a Walking Dead

Andrew Lincoln deixou The Walking Dead após a nona temporada para passar mais tempo com a sua família no Reino Unido. A decisão foi motivada pelas longas ausências de casa devido às filmagens nos Estados Unidos. Lincoln explicou: “Tenho dois filhos pequenos e vivo noutro país. Eles tornam-se menos portáteis à medida que crescem. Foi tão simples quanto isso. Estava na hora de voltar para casa.”

ver também : First Date”: Luís Filipe Borges Faz Estreia no Cinema com Comédia Açoriana que Já Está a Dar Que Falar

Após a sua saída, o personagem Rick Grimes foi retirado da série de forma a permitir um possível regresso. De facto, Lincoln voltou ao papel numa minissérie intitulada The Walking Dead: The Ones Who Live, que explora o reencontro entre Rick e Michonne.

Onde assistir The Walking Dead e seus spin-offs

Portugal:

  • The Walking Dead (série principal): disponível no Disney+ e no Star Channel.
  • The Walking Dead: The Ones Who Live: estreia exclusiva no canal AMC Portugal.
  • The Walking Dead: Dead City: disponível no serviço de streaming AMC Selekt. 

Brasil:

Para os fãs que desejam revisitar a série original ou explorar os novos spin-offs, as plataformas de streaming oferecem diversas opções para acompanhar o universo expandido de The Walking Dead. 

First Date”: Luís Filipe Borges Faz Estreia no Cinema com Comédia Açoriana que Já Está a Dar Que Falar

🎬 Depois de anos como humorista, apresentador e argumentista, Luís Filipe Borges estreia-se na realização de cinema com First Date, uma curta-metragem rodada inteiramente na ilha do Pico, nos Açores. O filme mistura romance, identidade e enganos num cenário deslumbrante, e tem vindo a conquistar o circuito internacional de festivais — levando consigo uma boa dose de humor e uma ode à cultura açoriana.

ver também : “Honeyjoon”: A Comédia Dramática que Traz os Açores para o Centro do Cinema Independente Mundial

Quando a mentira tem pernas para… voar até ao Pico

First Date é uma comédia romântica centrada em Santiago, um lisboeta que, ao conhecer Melissa — uma americana encantada pelos Açores — decide mentir e dizer que é açoriano. Quando ela propõe que o primeiro encontro aconteça precisamente na ilha do Pico, Santiago vê-se obrigado a manter a farsa… rodeado por locais que conhecem bem a diferença entre um “continental” e um verdadeiro açoriano.

O argumento, escrito com o humor característico de Luís Filipe Borges, mistura equívocos culturais com uma reflexão leve sobre identidade e pertença. É uma história simples, mas cheia de charme — e com o Atlântico como pano de fundo.

O elenco principal conta com Cristóvão Campos (Santiago) e Ana Lopes (Melissa), com participações especiais de Gina Neves e Nuno Janeiro.

Rodado com alma açoriana, premiado além-fronteiras

A curta foi filmada com o apoio dos três municípios da ilha do Pico — Lajes, São Roque e Madalena — e com produção da MiratecArts e da Advogado do Diabo. A antestreia decorreu em janeiro de 2025 no Montanha Pico Festival, onde foi calorosamente recebida pela comunidade local.

Mas o filme não ficou pelas ilhas. Desde então, First Date tem percorrido festivais internacionais com grande sucesso. Arrecadou já o Silver Award e o Prémio do Público no Feel the Reel International Film Festival, na Escócia, além de ter vencido o prémio de Melhor Curta Internacional no Festival Rohip, na Índia.

A estreia norte-americana está marcada para abril de 2025, no New Bedford Film Festival — um palco particularmente simbólico, dada a forte presença da diáspora açoriana na costa leste dos EUA.

Um novo realizador no mapa

A estreia de Luís Filipe Borges atrás das câmaras representa uma viragem curiosa — e bem-sucedida — na sua carreira. Conhecido por projectos como A Revolta dos Pastéis de Nata e Zapping, o apresentador e humorista revela agora uma faceta mais cinéfila, mas sem perder o seu ADN humorístico.

Em declarações recentes, Borges confessou o desejo de continuar a explorar a realização e sublinhou a importância de promover a cultura açoriana no cinema: “Filmar nos Açores não é só mostrar paisagens bonitas — é mostrar as pessoas, os sotaques, os ritmos. É contar histórias com sotaque próprio.”

A comédia romântica portuguesa que fala açoriano

First Date é leve, divertido, visualmente encantador — e uma excelente porta de entrada para o talento narrativo de Luís Filipe Borges como realizador. Com diálogos certeiros, personagens cativantes e aquele toque de absurdo que só o humor português consegue manter com elegância, esta curta-metragem afirma-se como um pequeno grande cartão de visita.

Fica a expectativa: será este o primeiro de muitos encontros de Luís Filipe Borges com o cinema?

ver também : Olivia Colman e Benedict Cumberbatch em “The Roses”: Uma Nova Visão de “A Guerra das Rosas”

“Honeyjoon”: A Comédia Dramática que Traz os Açores para o Centro do Cinema Independente Mundial

🎬 A ilha de São Miguel, nos Açores, volta a servir de cenário cinematográfico, desta vez pelas mãos da realizadora norte-americana Lilian T. Mehrel. A sua primeira longa-metragem, Honeyjoon, estreia mundialmente em junho no prestigiado Festival de Tribeca — e promete juntar paisagens deslumbrantes com uma história íntima e comovente sobre perda, identidade e reconciliação.

ver também : Olivia Colman e Benedict Cumberbatch em “The Roses”: Uma Nova Visão de “A Guerra das Rosas”

Mais do que um simples filme rodado em Portugal, Honeyjoon representa uma afirmação criativa de duas vozes femininas: a da realizadora Mehrel, filha de refugiados judeus iranianos, e a da produtora portuguesa Andreia Nunes, fundadora da Wonder Maria Filmes, que continua a colocar o cinema português em destaque no circuito internacional.

Uma história sobre mães, filhas… e começos difíceis

Honeyjoon acompanha Lela, uma mulher curdo-iraniana que, após a morte do marido, embarca numa viagem com a filha adolescente, June. As duas viajam até aos Açores — num misto de fuga e tentativa de recomeço — e aquilo que parecia uma simples escapadinha transforma-se rapidamente numa jornada emocional intensa.

É nos campos verdejantes, crateras vulcânicas e nas falésias da ilha de São Miguel que mãe e filha vão confrontar o passado, reconstruir a relação e redescobrir-se a si próprias. Segundo Mehrel, o filme é “um retrato multigeracional com humor, dor e esperança”, com claras inspirações autobiográficas.

Um elenco internacional com talento português

A protagonista é interpretada por Ayden Mayeri (Somebody I Used to Know), enquanto a mãe, Lela, é vivida por Amira Casar, conhecida por filmes como Call Me by Your Name. O elenco conta ainda com a participação do actor português José Condessa, que continua a cimentar a sua presença em produções internacionais.

A escolha dos Açores não foi apenas estética — foi também emocional. Mehrel descreveu a ilha como um “espaço de cura”, referindo que a ligação com a natureza e o isolamento do arquipélago foram determinantes para a carga simbólica do filme. Para a realizadora, o contraste entre a imensidão da paisagem e o drama íntimo das personagens é essencial para a narrativa.

Do Tribeca para o mundo

Honeyjoon foi o grande vencedor do programa “Untold Stories” do Tribeca Festival, que oferece um milhão de dólares de financiamento a projectos promissores com enfoque em diversidade e novas vozes. Para Lilian T. Mehrel, foi a oportunidade de tornar real um projecto que conjuga herança pessoal com ambição cinematográfica.

A estreia oficial está marcada para junho de 2025 no Festival de Tribeca, em Nova Iorque, e será acompanhada por exibições internacionais. A Wonder Maria Filmes assume a coprodução portuguesa, reforçando a sua missão de contar histórias que cruzam fronteiras, geografias e culturas.

Açores: cada vez mais no mapa do cinema mundial

Depois de obras como Azor (2021) e produções internacionais que escolheram os Açores como cenário, Honeyjoon volta a confirmar o potencial cinematográfico do arquipélago. As paisagens naturais, a luz singular e a riqueza simbólica dos lugares tornam os Açores num palco privilegiado para narrativas que procuram mais do que beleza — procuram alma.

ver também: Stephen Graham Infiltra-se na RTP2: Nova Série Britânica Expondo o Terrorismo Neonazi

Godzilla Regressa com Mais Fúria: Sequela de Godzilla Minus One Confirmada com Realizador Takashi Yamazaki

Após o sucesso estrondoso de Godzilla Minus One, vencedor do Óscar de Melhores Efeitos Visuais, a Toho Studios confirmou oficialmente o desenvolvimento de uma sequela, com Takashi Yamazaki a regressar como argumentista, realizador e supervisor de efeitos visuais . 

ver também : Olivia Colman e Benedict Cumberbatch em “The Roses”: Uma Nova Visão de “A Guerra das Rosas”

Um Novo Capítulo no Universo Kaiju

Embora o título e a data de estreia ainda não tenham sido revelados, Yamazaki já iniciou o trabalho no argumento e nos storyboards da nova produção . A sequela contará com um orçamento significativamente superior ao do filme anterior, que foi produzido com cerca de 15 milhões de dólares . 

A Toho Studios anunciou um investimento de 1,2 mil milhões de dólares numa iniciativa de expansão global do universo Godzilla, com a sequela de Godzilla Minus One a ser uma das prioridades deste plano . 

Expectativas Elevadas

Com a confirmação de Yamazaki no comando, os fãs podem esperar uma continuação que mantenha a qualidade e profundidade emocional do filme original. A sequela promete explorar novas dimensões do universo Godzilla, possivelmente introduzindo novos kaiju e expandindo a mitologia da franquia. 

ver também : Stephen Graham Infiltra-se na RTP2: Nova Série Britânica Expondo o Terrorismo Neonazi

Olivia Colman e Benedict Cumberbatch em “The Roses”: Uma Nova Visão de “A Guerra das Rosas”

O clássico da comédia negra “A Guerra das Rosas” (1989) ganha uma nova vida em 2025 com “The Roses”, protagonizado por Olivia Colman e Benedict Cumberbatch. Realizado por Jay Roach e com argumento de Tony McNamara, o filme promete uma abordagem contemporânea e satírica sobre o colapso de um casamento aparentemente perfeito. 

ver também : Stephen Graham Infiltra-se na RTP2: Nova Série Britânica Expondo o Terrorismo Neonazi

Uma Reinterpretação Moderna

Baseado no romance de Warren Adler, “The Roses” apresenta Ivy (Colman) e Theo (Cumberbatch), um casal com carreiras de sucesso e uma vida familiar invejável. No entanto, quando a carreira de Theo entra em declínio e Ivy vê as suas ambições florescerem, a relação transforma-se numa batalha marcada por manipulações e ressentimentos. O trailer revela momentos intensos, incluindo confrontos físicos e psicológicos entre os protagonistas . 

Elenco e Produção

Além de Colman e Cumberbatch, o elenco conta com Andy Samberg, Kate McKinnon, Allison Janney, Ncuti Gatwa, Jamie Demetriou, Zoë Chao, Belinda Bromilow e Sunita Mani. A produção é uma colaboração entre as empresas SunnyMarch, South of the River Pictures e Searchlight Pictures .

ver também : O Vírus Está de Volta: 28 Years Later Reacende o Terror Pós-Apocalíptico com Aaron Taylor-Johnson

Estreia

“The Roses” tem estreia marcada nos cinemas portugueses para 28 de agosto de 2025 . 

Stephen Graham Infiltra-se na RTP2: Nova Série Britânica Expondo o Terrorismo Neonazi

A RTP2 estreia na próxima segunda-feira, 21 de abril, às 22h00, a minissérie britânica O Infiltrado (The Walk-In, 2022), protagonizada por Stephen Graham. Este drama policial, baseado em factos reais, aborda a infiltração de um ativista numa organização de extrema-direita no Reino Unido, explorando temas como racismo, liberdade de expressão e terrorismo. 

ver também : Ramson Canyon – Cowboys à Moda Antiga com a Mão Criativa de “Wednesday”

Uma História Real de Coragem e Confronto

A série, composta por cinco episódios, retrata a história de Matthew Collins, um ex-membro de grupos fascistas que se torna ativista antifascista na organização Hope Not Hate. Com a iminente votação do Brexit a provocar agitação política, Collins infiltra-se no grupo extremista National Action para impedir uma conspiração terrorista neonazi. A narrativa destaca a luta contra o extremismo e a importância da vigilância cívica. 

Elenco e Produção de Excelência

Além de Stephen Graham, o elenco conta com Andrew Ellis, Dean-Charles Chapman e Andrew Havill. A série foi escrita por Jeff Pope, premiado argumentista britânico, e realizada por Paul Andrew Williams. Produzida pela ITV, O Infiltradorecebeu críticas positivas, com o jornal The Guardian a descrevê-la como “um dos melhores investimentos televisivos que pode fazer (se o conseguir aguentar)”. 

Exibição em Portugal

O Infiltrado será exibido na RTP2 de segunda a sexta-feira, de 21 a 25 de abril, sempre às 22h00. A série oferece uma visão intensa e realista sobre os perigos do extremismo, sendo uma oportunidade para o público português refletir sobre questões atuais e relevantes. 

ver também : O Vírus Está de Volta: 28 Years Later Reacende o Terror Pós-Apocalíptico com Aaron Taylor-Johnson

Ramson Canyon – Cowboys à Moda Antiga com a Mão Criativa de “Wednesday”

🤠 A Netflix continua a apostar forte na reinvenção de géneros clássicos, e o próximo alvo é o western. A nova série original, ainda sem título traduzido para português, chega da mente de um dos argumentistas de Wednesday, a popular série gótica da plataforma, e promete combinar o espírito de fronteira do velho oeste com um toque moderno e estilizado.

ver também : O Vírus Está de Volta: 28 Years Later Reacende o Terror Pós-Apocalíptico com Aaron Taylor-Johnson

Com estreia marcada para os próximos meses, esta produção inspira-se num western clássico esquecido — um daqueles que passavam nas matinés de domingo — mas será tudo menos nostálgica. Segundo os produtores, o objectivo é “honrar o passado sem ficar preso a ele”.

Uma nova visão sobre o velho oeste

O western é um género cíclico. Reinventado nos anos 90 por Unforgiven e mais tarde revigorado por Tarantino e os irmãos Coen, o regresso ao faroeste tem sido tímido nas plataformas de streaming — mas quando acontece, chama a atenção (Godless, The Power of the Dog, Outer Range). Agora, a Netflix junta-se novamente à conversa com um projeto ambicioso que pretende unir drama, tensão e personagens moralmente ambíguas num cenário poeirento e marcado pela violência do território selvagem.

A presença de um dos criadores de Wednesday na equipa criativa sugere que não será um western tradicional. Espera-se uma estética vincada, personagens excêntricos e um subtexto social mais vincado do que o habitual. O argumento promete explorar temas de identidade, pertença, colonização e género — tudo embrulhado em duelos ao pôr do sol e cavalos a galopar por desertos implacáveis.

Um western para a era do streaming?

O western está longe de estar morto — está é a ser reinventado. Tal como o terror ou a ficção científica, também este género clássico se tem adaptado às exigências de uma nova geração de espectadores. Séries como 1883 e Yellowstoneprovaram que há apetite por histórias de fronteira, desde que sejam contadas com intensidade, subtileza e complexidade emocional.

O que esta nova série da Netflix parece prometer é precisamente isso: o sabor do faroeste, mas com ingredientes frescos. Ainda não são conhecidos muitos detalhes sobre o elenco ou o enredo central, mas a promessa de um western com ADN criativo vindo de Wednesday é, no mínimo, intrigante.

Porque é que isto importa?

A aposta neste novo western pode marcar mais um capítulo importante na evolução dos géneros dentro do streaming. A Netflix já provou que sabe jogar com convenções, e trazer a sua sensibilidade moderna para o mundo dos cowboys pode resultar num produto inesperado — e, quem sabe, memorável.

Para os fãs de Wednesday, é uma oportunidade de ver como o mesmo tipo de criatividade pode ser aplicado a um cenário completamente diferente. Para os fãs de westerns… é um lembrete de que o género nunca morre — apenas muda de sela.

ver também : Haley Joel Osment Detido em Resort de Esqui

Haley Joel Osment Detido em Resort de Esqui

Haley Joel Osment, o ator que encantou o mundo com a sua interpretação em O Sexto Sentido (1999), foi detido a 8 de abril de 2025 no resort de esqui Mammoth Mountain, na Califórnia. As autoridades responderam a uma chamada sobre um esquiador desordeiro e encontraram Osment, de 37 anos, sob custódia da patrulha de esqui do resort. Foi posteriormente detido por alegada embriaguez em público e posse de uma substância controlada, presumivelmente cocaína, embora a substância esteja ainda a ser analisada em laboratório . 

ver também: O Vírus Está de Volta: 28 Years Later Reacende o Terror Pós-Apocalíptico com Aaron Taylor-Johnson

Um Passado de Problemas Legais

Esta não é a primeira vez que Osment enfrenta problemas com a justiça. Em 2006, aos 18 anos, sofreu um acidente de viação enquanto conduzia embriagado, resultando em ferimentos e acusações de condução sob influência de álcool e posse de marijuana. Foi condenado a três anos de liberdade condicional, reabilitação e participação em reuniões dos Alcoólicos Anónimos . 

Dificuldades Pessoais Recentes

Recentemente, Osment perdeu a sua casa num incêndio florestal em Altadena, Califórnia, e enfrentou desafios com a seguradora para obter compensação. A sua irmã, a atriz Emily Osment, partilhou nas redes sociais o impacto devastador que o incêndio teve na família, apelando à solidariedade do público . 

ver também : Quando o Futuro Chega Cedo Demais: Os Episódios de Black Mirror Que Já Não São Distopia

Carreira Atual

Apesar dos contratempos, Osment tem mantido uma carreira ativa, com participações recentes no filme Blink Twice, realizado por Zoë Kravitz, e na série de comédia What We Do In the Shadows. Está também previsto o seu regresso na segunda temporada de Wednesday, da Netflix . 

O Vírus Está de Volta: 28 Years Later Reacende o Terror Pós-Apocalíptico com Aaron Taylor-Johnson

🧟‍♂️ Está oficialmente aberta a nova era do terror: 28 Years Later, a sequela direta do clássico 28 Days Later (2002), já tem trailer — e promete voltar a deixar-nos agarrados ao sofá. Realizado por Danny Boyle e com argumento de Alex Garland, o filme estreia nos cinemas a 20 de junho de 2025 e assinala o início de uma nova trilogia que dará continuidade ao universo sombrio onde o vírus da raiva viralizou muito mais do que se esperava.

ver também : Courtney Henggeler Despede-se de Hollywood: “Estava Faminta e Cansada de Sobreviver com Migalhas”

Três décadas depois… o inferno ainda não acabou

Passaram quase trinta anos desde que o vírus escapou de um laboratório de armamento biológico. A sociedade colapsou. O mundo, agora em ruínas, continua dividido entre zonas de quarentena, pequenos focos de sobreviventes… e legiões de infetados que não conhecem piedade.

Segundo a sinopse oficial, 28 Years Later acompanha um grupo de sobreviventes que vive numa pequena ilha, ligada ao continente apenas por uma ponte fortemente vigiada. Mas a relativa segurança não dura: um deles parte numa missão para o coração do território infetado e descobre que os horrores não se limitam aos que foram contaminados. Os próprios humanos mudaram — e talvez tenham evoluído para algo ainda mais perigoso.

Trailer: tensão, caos e acção visceral

O trailer — recentemente divulgado pela Sony Pictures — mergulha-nos de imediato num cenário de desespero. A estética é crua, suja, frenética. As sequências de ação surgem ao ritmo de um batimento cardíaco acelerado, com destaque para a personagem interpretada por Aaron Taylor-Johnson, que assume o papel central neste novo capítulo.

Embora ainda pouco se saiba sobre a sua personagem, o trailer confirma que ele será o fio condutor da história, liderando missões de risco e confrontando infetados em confrontos brutais. No elenco estão ainda nomes de peso como Jodie Comer, Ralph Fiennes, Jack O’Connell e Erin Kellyman — numa combinação de talentos que promete elevar a fasquia do terror psicológico e físico.

E sim, fãs atentos: Cillian Murphy irá regressar! Embora não apareça no trailer, está confirmado que retomará o seu papel icónico de Jim, “de forma surpreendente e com impacto narrativo”, segundo o presidente da Sony Pictures. Murphy, aliás, é também produtor executivo deste novo filme — uma clara demonstração do seu envolvimento criativo na expansão do universo.

Danny Boyle e Alex Garland: o regresso da dupla infernal

28 Years Later marca o reencontro de dois nomes incontornáveis do cinema britânico contemporâneo. Danny Boyle, realizador de obras como Trainspotting, Slumdog Millionaire e Sunshine, volta à cadeira de realizador 22 anos depois de ter criado uma das visões mais perturbadoras do apocalipse moderno. Alex Garland, autor do argumento original e mais recentemente responsável por Ex Machina, Annihilation e Civil War, assina o guião desta nova incursão no mundo dos infetados.

Ambos são mestres em conjugar horror com crítica social, adrenalina com filosofia existencial. E tudo indica que esta nova trilogia seguirá essa tradição. O segundo filme da série já tem título confirmado — The Bone Temple — e será realizado por Nia DaCosta (The Marvels), mantendo Garland como argumentista.

O regresso de uma lenda… com sede de sangue

28 Days Later é considerado um dos marcos do cinema de terror moderno, tendo reinventado a figura do “zombie” com infetados rápidos, furiosos e quase animalescos. A sua sequela, 28 Weeks Later (2007), embora mais convencional, consolidou o universo. Agora, com 28 Years Later, a saga ganha nova vida — e novo fôlego para aterrorizar toda uma nova geração de espectadores.

ver também : 🔥 Smoke: O Novo Thriller Criminal da Apple TV+ com Taron Egerton

Será este o início de uma nova trilogia à altura do legado? Se o trailer for indicativo, o terror vai regressar mais agressivo, mais inteligente e mais humano do que nunca.

Courtney Henggeler Despede-se de Hollywood: “Estava Faminta e Cansada de Sobreviver com Migalhas”

🎬 Courtney Henggeler, conhecida do grande público como Amanda LaRusso na série Cobra Kai, decidiu abandonar definitivamente a carreira de atriz — e fê-lo com uma carta de despedida tão sincera quanto amarga. Mais do que um adeus, o seu testemunho tornou-se uma reflexão sobre as exigências da indústria, os sacrifícios silenciosos e o peso da desilusão.

ver também : Quando o Futuro Chega Cedo Demais: Os Episódios de Black Mirror Que Já Não São Distopia

A decisão chegou pouco depois de terminar as gravações da sexta e última temporada de Cobra Kai, e foi partilhada com os fãs numa publicação pessoal na plataforma Substack. A atriz, que conta hoje com 46 anos, encerra assim uma carreira de duas décadas marcadas por papéis secundários, lutas persistentes e uma constante sensação de instabilidade.

Um percurso que nunca se tornou confortável

Henggeler entrou no mundo da representação em 2005, com uma breve aparição em House. Seguiram-se participações pontuais em séries como The Big Bang Theory, NCIS, Criminal Minds ou Mom, onde a sua presença passava frequentemente despercebida ao grande público.

O reconhecimento só chegou com Cobra Kai, quando assumiu o papel da esposa de Daniel LaRusso (Ralph Macchio) numa das séries revivalistas mais populares da última década. Ainda assim, e apesar da visibilidade, a atriz revela que a experiência não foi suficiente para preencher o vazio de uma carreira sempre em suspenso.

“Depois de mais de 20 anos a lutar a boa causa na indústria da representação, pendurei as luvas. Liguei aos meus agentes e disse que ia desistir. Não queria mais ser uma engrenagem na roda da máquina”, escreveu. O desabafo ressoou entre muitos artistas que vivem precisamente na mesma corda bamba emocional e financeira.

O sonho de Hollywood… e a realidade dos bastidores

A indústria do entretenimento está repleta de histórias de sucesso meteórico. Mas há uma realidade muito menos falada: a dos atores que vivem entre castings falhados, contratos temporários e promessas que nunca se concretizam. Henggeler descreve essa vivência com palavras duras, mas honestas:

“Sobrevivemos das migalhas. Enchemos a nossa chávena com a possibilidade; as nossas canecas com ilusão. Os nossos pratos estavam vazios, mas uma galinha dos ovos de ouro pairava sobre as nossas cabeças.”

Estas palavras descrevem uma vivência emocional de frustração permanente, na qual o reconhecimento tarda e o trabalho árduo raramente compensa. Mesmo após trabalhar com nomes como George Clooney, a atriz revela nunca ter sentido segurança ou verdadeira realização na carreira que abraçou por paixão.

O valor de parar para recomeçar

O que mais impressiona no testemunho de Courtney Henggeler é a coragem de parar — não por falta de talento, mas por excesso de lucidez. Num momento em que o sucesso parece medido em seguidores e contratos com plataformas de streaming, a atriz escolheu afastar-se para procurar algo que a preencha de forma mais autêntica.

Não são conhecidos, para já, os seus próximos passos. Mas a despedida, publicada com tom sereno e firme, aponta para uma fase de reinvenção. “Estava faminta. E não era por comida”, confessou.

O seu percurso, embora marcado por altos e baixos, oferece uma visão crua e necessária daquilo que é viver da representação sem nunca ter verdadeiramente “chegado lá” — mesmo quando se alcança o ecrã.

Uma saída que é também um espelho

A despedida de Courtney Henggeler surge num momento em que muitas figuras da indústria estão a reavaliar o equilíbrio entre vida pessoal e profissional, especialmente após a pandemia e as recentes greves de actores e argumentistas. O caso de Henggeler não é isolado — mas é um lembrete forte de que nem sempre o sucesso visível representa bem-estar real.

ver também : Chaplin, Ennio Morricone e John Williams Invadem o Palco: Teatro Nacional de S. Carlos Celebra o Cinema com Música ao Vivo

Para os fãs de Cobra Kai, é o fim de uma era. Para a própria atriz, é talvez o início de algo mais profundo. Como ela própria diz: “Já não quero ser apenas mais uma peça na engrenagem”.