Nuremberg: O Tribunal Que Definiu a História Chega ao Cinema com Elenco de Luxo

Um thriller histórico sobre a natureza do mal

Quase 80 anos após o fim da Segunda Guerra Mundial, Nuremberg, escrito e realizado por James Vanderbilt, traz para o grande ecrã o primeiro tribunal internacional da História, onde os líderes nazis sobreviventes foram julgados pelos seus crimes. Mais do que uma recriação judicial, o filme explora a própria natureza do mal e a forma como este se manifesta através de pessoas e sistemas.

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O elenco reúne nomes de peso: Rami Malek como o psiquiatra militar Douglas Kelley, encarregado de avaliar os réus nazis; Russell Crowe como Hermann Göring, o braço-direito de Hitler; Michael Shannon como o juiz do Supremo Robert H. Jackson, chefe da acusação norte-americana; Richard E. Grant como um dos juízes do tribunal; John Slatterycomo oficial dos EUA; e Leo Woodall como tradutor.

Russell Crowe a aprender alemão e intensidade nos bastidores

Russell Crowe e Leo Woodall tiveram de aprender alemão para os seus papéis, um desafio que Vanderbilt sublinha como prova do empenho do elenco. Crowe, em particular, mergulhou no estudo da figura histórica de Göring, procurando recriar o seu carisma perturbador.

Rami Malek recorda a intensidade das filmagens nas celas: “Quando se está frente a frente com Russell naquele ambiente, nada fica por dizer. Foi um confronto destrutivo e humano ao mesmo tempo. Magnífico de interpretar.”

Relevância atual de um julgamento histórico

John Slattery destaca que, apesar de ser um filme histórico, Nuremberg é antes de tudo um thriller com pertinência para o presente: “Foi o primeiro tribunal internacional alguma vez organizado e a primeira vez que imagens em filme foram usadas como prova. É impossível não pensar nos desafios democráticos de hoje ao revisitar este momento.”

Richard E. Grant elogia a autenticidade da produção, desde os cenários recriados ao detalhe até aos figurantes húngaros que carregavam memórias familiares ligadas ao nazismo ou ao comunismo: “Sentia-se o peso da História na sala.”

Michael Shannon, com a sua habitual ironia, confessou que nunca foi bom aluno, mas que a representação lhe deu uma nova forma de aprender: “Entrar nesta História e vivê-la é um enorme privilégio.” Sobre o papel de Robert Jackson, Shannon realça a mensagem central: “Para lidar com o mal, temos de o investigar, dissecar e compreender porque é que ele existe.”

Entre a História e o entretenimento

Para Vanderbilt, Nuremberg não é apenas uma lição de História, mas um filme construído como thriller, no espírito de clássicos como JFKApollo 13 ou Glory: “É sobre algo sério, mas deve emocionar e prender o espectador. Assim que o filme estrear, a história passa a pertencer ao público.”

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Com interpretações intensas e um tema que continua a ecoar na atualidade, Nuremberg promete ser não só um retrato do passado, mas também uma reflexão urgente sobre o presente.

Warner Bros. Faz História: Sete Estreias Consecutivas Acima dos 40 Milhões de Dólares

“The Conjuring: Last Rites” abre caminho para um recorde inédito

A Warner Bros. acaba de entrar para a história do cinema ao tornar-se o primeiro estúdio a lançar sete filmes consecutivos com estreias acima dos 40 milhões de dólares nas bilheteiras norte-americanas. O feito foi consolidado com The Conjuring: Last Rites, que alcançou 83 milhões nos EUA e 187 milhões globalmente no fim de semana de estreia — o melhor arranque de sempre para a saga.

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De fracassos a sucessos estrondosos

O estúdio vinha de um período difícil, marcado pelos desaires de Joker: Folie a Deux (2024), Mickey 17 e The Alto Knights, que causaram perdas milionárias. A reviravolta começou em abril com A Minecraft Movie, que surpreendeu com uma abertura de 162 milhões de dólares e já acumula quase 957 milhões globalmente, tornando-se o título mais rentável do ano.

Seguiram-se sucessos consecutivos:

  • Sinners, thriller de vampiros de Ryan Coogler e Michael B. Jordan (48M de estreia);
  • Final Destination: Bloodlines (51,6M);
  • F1: The Movie, com Brad Pitt (57M);
  • Superman (125M);
  • Weapons, mistério de terror de Zach Cregger (43,5M).

Todos estes filmes conseguiram resistir além do primeiro fim de semana, algo que muitos blockbusters recentes — incluindo The Fantastic Four: First Steps e Thunderbolts, da Disney — não conseguiram.

Lucros e apostas de risco

Segundo a Franchise Entertainment Research, o estúdio terá gerado já cerca de 600 milhões de dólares em lucros teatrais este ano, antes de contar com os resultados de The Conjuring: Last Rites. Filmes como Superman (com cerca de 125M de lucro previsto) e Final Destination: Bloodlines (75M) estão entre os destaques.

O analista David A. Gross resumiu: “A Warner Bros. está numa fase fantástica. O estúdio fez escolhas ousadas e criativas — e estão a compensar.”

O futuro imediato: Paul Thomas Anderson e 2026 recheado

O próximo grande teste será One Battle After Another, épico de Paul Thomas Anderson protagonizado por Leonardo DiCaprio, com estreia ainda em setembro. O projeto custou pelo menos 130 milhões e precisa de cerca de 300 milhõespara equilibrar contas — uma fasquia elevada, tendo em conta que o maior sucesso do realizador até hoje foi There Will Be Blood (2007), com 76,4 milhões.

Já em 2026, o calendário da Warner promete ser igualmente ambicioso, com títulos como Wuthering Heights de Emerald Fennell (com Margot Robbie e Jacob Elordi), The Bride de Maggie Gyllenhaal, SupergirlClayfaceFlowervale Streetcom Anne Hathaway e Ewan McGregor, Mortal Kombat II, um projeto de Alejandro G. Iñárritu com Tom Cruise e ainda Dune: Part Three.

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Se a atual maré de sorte continuar, a Warner poderá transformar mais uma vez riscos calculados em sucessos de bilheteira.

Good Fortune: A Comédia de Aziz Ansari Que Divide Críticos em Toronto

Apresentado no Festival de TorontoGood Fortune marcou o regresso de Aziz Ansari como realizador, argumentista e protagonista. Depois de vários anos afastado do grande ecrã e após o colapso do seu projeto anterior (Being Mortal), Ansari reuniu Seth RogenKeke Palmer e Keanu Reeves para dar vida a uma comédia de troca de corpos com ambições sociais.

Apesar da expectativa, a receção internacional tem sido morna. A crítica elogia as intenções, mas aponta a falta de ritmo e de gargalhadas como os principais problemas do filme.

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Uma premissa com potencial

A história acompanha Arj (Ansari), um editor de documentários que sobrevive a trabalhos precários e dorme no carro, até cruzar-se com o milionário da tecnologia Jeff (Rogen). A intervenção divina surge através de Gabriel, um anjo interpretado por Keanu Reeves, que decide trocar as vidas dos dois.

O objetivo é mostrar que a riqueza não resolve todos os problemas, mas o plano sai ao contrário: Arj recusa-se a abdicar do luxo, e o enredo mergulha em caos cómico.

O que dizem as críticas internacionais

Segundo as primeiras análises publicadas em meios estrangeiros, Good Fortune sofre com um tom inconsistente. O jornal The Guardian sublinha que o filme tem “nobres intenções” ao abordar as desigualdades sociais, mas “não arranca grandes gargalhadas”.

A crítica nota que o estilo de humor de Ansari, mais associado à ironia e observação subtil em Master of None, não se adapta com facilidade a uma comédia de alto conceito. A estrutura solta, as regras pouco claras da troca de corpos e a edição apressada deixam o filme “sem ritmo e repetitivo”.

O elenco, no entanto, recebe elogios: Ansari continua carismático, Rogen é sempre uma presença sólida e Reeves diverte ao satirizar a própria imagem, embora a piada se esgote depressa. Já Keke Palmer é considerada “encantadora mas subaproveitada”, num papel que poderia ter acrescentado maior profundidade política.

Entre intenções e resultados

As reações convergem na mesma conclusão: Good Fortune tem o coração no sítio certo e levanta questões relevantes sobre precariedade laboral e desigualdade, mas não consegue equilibrar a mensagem com o humor. O resultado é visto como uma obra simpática, mas irregular, que não devolve à comédia o impacto que Ansari pretendia.

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A estreia comercial está marcada para 17 de outubro, com a dúvida sobre como o público reagirá a este regresso do género às salas.

Ataque ao Comboio Noturno: A Nova Série Que Vai Acelerar o Seu Coração

Uma estreia eletrizante no TVCine Emotion

Preparem-se para uma viagem de alta tensão. No dia 10 de setembro, às 22h10, o TVCine Emotion estreia em exclusivo a primeira temporada de Ataque ao Comboio Noturno, uma série britânica que promete misturar ação, suspense psicológico e tecnologia numa corrida contra o tempo que não dá descanso.

Criada por Nick Leather (The Control Room), a série apresenta-se como um thriller contado em tempo real, no qual cada minuto pode significar a diferença entre a vida e a morte.

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Uma noite tranquila transformada em pesadelo

Tudo começa numa viagem aparentemente banal entre Glasgow e Londres. Os passageiros esperam apenas uma noite calma de descanso, mas a tranquilidade depressa se desfaz quando um dos viajantes descobre que o sistema do comboio foi hackeado.

De repente, todos estão presos numa armadilha em movimento, sem saber em quem confiar. O tempo corre, o pânico cresce e a catástrofe parece inevitável.

Dois heróis improváveis

À distância, em Londres, a especialista em cibersegurança Abby Aysgarth tenta decifrar a ameaça. No terreno, dentro do comboio, o improvável aliado é Joe Roag, um agente fora de serviço que vê o destino dos passageiros cair sobre os seus ombros.

Separados por quilómetros mas unidos pelo mesmo objetivo, Abby e Joe terão de trabalhar juntos, ainda que não se conheçam, numa aliança marcada pela tensão, perigo constante e reviravoltas inesperadas.

Um elenco sólido para um thriller implacável

Nos papéis principais encontramos Alexandra Roach e Alex Ferns, dois intérpretes britânicos que dão corpo e intensidade a esta luta contra o tempo. A realização aposta numa atmosfera claustrofóbica, aproveitando cada detalhe do comboio para aumentar a sensação de perigo e urgência.

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A série que o vai prender ao sofá

Ataque ao Comboio Noturno estreia a 10 de setembro, às 22h10, no TVCine Emotion, e terá novos episódios todas as quartas-feiras à mesma hora. Prepare-se para segurar a respiração: esta é uma viagem que ninguém vai esquecer.

Festival de Veneza: Um Palmarés Emocionante e Sem Polémicas

Uma cerimónia histórica marcada pela emoção e pela política

A 82.ª edição do Festival de Veneza fechou com uma das cerimónias mais comoventes e politicamente ativas de que há memória. O mais antigo festival de cinema do mundo viveu um momento sem precedentes quando Pierbattista Pizzaballa, patriarca de Jerusalém, surgiu em direto da Terra Santa para apelar ao fim das hostilidades em Gaza. Foi o culminar perfeito de uma noite em que vencedores e jurados mostraram que o cinema não vive isolado da realidade — nem das guerras, nem das crises humanitárias.

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Jim Jarmusch, ao receber o Leão de Ouro por Father Mother Sister Brother, lembrou que nem sempre um filme precisa de falar de política para ser político. Já a realizadora tunisina Kaouther Ben Hania fez questão de o sublinhar de forma direta, emocionando a Sala Grande com The Voice of Hind Rajab, distinguido com o Leão de Prata – Grande Prémio do Júri. O seu discurso, centrado na tragédia de Gaza, arrancou uma ovação de pé que ficará para a história da Mostra.

Interpretações premiadas de Itália à China

O júri, presidido por Alexander Payne, conseguiu um equilíbrio raro e um consenso quase unânime. Toni Servillo foi distinguido pelo papel de Presidente da República Italiana em La Grazia, de Paolo Sorrentino, que abriu o festival. Do outro lado do mundo, a atriz chinesa Xin Zhilei brilhou intensamente em The Sun Rises on Us All, um melodrama intenso de Cai Shangjun exibido no último dia, garantindo ao Extremo Oriente uma presença de peso no palmarés.

Argumento francês e wrestling americano

O prémio de Melhor Argumento foi para França, através da dupla Valérie Donzelli e Gilles Marchand por À pied d’œuvre. Já os Estados Unidos marcaram presença com o surpreendente Leão de Prata para Melhor Realização entregue a Benny Safdie, que levou a Veneza o improvável universo do wrestling em The Smashing Machine. O realizador não escondeu o espanto — e a gratidão — por ver o seu filme distinguido num festival tradicionalmente mais dado a dramas intimistas e obras autorais.

Documentário italiano e o futuro da Mostra

Outro momento alto foi o Prémio Especial do Júri para Gianfranco Rosi, que com Sotto le Nuvole ofereceu um olhar profundo sobre Nápoles. O reconhecimento ao documentário — género tantas vezes ofuscado pela ficção — reforçou o carácter equilibrado e plural deste palmarés.

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O festival, que nasceu sob a égide do regime fascista, sobreviveu à guerra, à turbulência de 1968 e a muitas crises. Agora, aproxima-se o fim do ciclo de Alberto Barbera como diretor, deixando em aberto o futuro da liderança da Mostra. Mas uma coisa é certa: Veneza mantém-se como palco maior do cinema mundial, capaz de juntar política, emoção e arte numa só celebração.

Wake Up Dead Man: O Regresso Mais Negro (e Mais Divertido) de Benoit Blanc

Um novo mistério com humor negro e ecos de Edgar Allan Poe

Daniel Craig volta a vestir o fato impecável de Benoit Blanc em Wake Up Dead Man, a terceira entrada da saga Knives Out, realizada por Rian Johnson. Mas desta vez, a surpresa vem de Josh O’Connor, que praticamente rouba o protagonismo ao interpretar o irreverente Padre Jud Duplenticy, um ex-pugilista transformado em padre como forma de penitência após um surto violento.

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O cenário não podia ser mais literário: Chimney Rock, uma aldeia que parece saída de um romance de Agatha Christie, com a sua igreja neo-gótica, cemitério sombrio e um ar de que demasiado sangue já ali foi derramado. Ao lado de O’Connor surge Josh Brolin como Monsenhor Jefferson Wicks, um clérigo selvagem e cínico, que adiciona ainda mais fogo a esta mistura insólita.

O equilíbrio entre o gótico e a comédia

Johnson afirmou que queria regressar às raízes do género policial, evocando nomes como Edgar Allan Poe. O filme mergulha nesse imaginário gótico, entre enterros inquietantes, personagens assombradas pela culpa e até grafitis irreverentes num mausoléu. Mas, ao mesmo tempo, consegue ser a entrada mais divertida e brincalhona da série.

Há diálogos mordazes, humor inesperado e uma autêntica dança entre referências literárias e cinematográficas que tornam esta experiência tão intrigante quanto divertida. A morte (ou mortes) está sempre em pano de fundo, mas o riso surge com naturalidade.

Benoit Blanc como maestro da intriga

Apesar de Josh O’Connor ser o verdadeiro motor narrativo do filme — ora cómico, ora sério, sempre magnético — Daniel Craig continua a dominar o ecrã. O seu Blanc surge com o habitual sotaque do sul, o charme elegante e a confiança descontraída de quem conduz a narrativa como um maestro.

Curiosamente, com cada novo filme, Blanc aparece menos em cena, assumindo o papel de guia, quase como um narrador que nos leva pelas veredas tortuosas de personagens enredadas e suspeitas. Aqui, até recruta o Padre Jud para ajudá-lo a deslindar o que ficou conhecido como o “assassinato de Sexta-Feira Santa”.

Rian Johnson no auge da sua forma

Com Wake Up Dead Man, Rian Johnson demonstra estar mais confiante do que nunca. Consegue pegar nos velhos clichés do género e reinventá-los com frescura, mantendo o mistério vivo e a audiência rendida. O resultado é o filme mais negro, mais ousado e, paradoxalmente, o mais divertido de toda a franquia Knives Out.

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Preparem-se: este é um mistério que faz rir, arrepiar e pensar — muitas vezes em simultâneo.

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A saga de um espião que não morre

Já lá vão mais de 20 anos desde que Matt Damon encarnou pela primeira vez Jason Bourne, o assassino amnésico que redefiniu o cinema de ação moderno. A franquia, baseada nos livros de Robert Ludlum, arrecadou mais de 1,6 mil milhões de dólares em bilheteira mundial, mas desde Jason Bourne (2016) que o futuro da saga tem sido incerto.

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Agora, os rumores reacenderam-se: Edward Berger, realizador de All Quiet on the Western Front (Óscar de Melhor Filme Internacional em 2023), confirmou estar em negociações para desenvolver um novo capítulo da história.

As palavras do realizador

Em entrevista à The Hollywood Reporter, Berger deixou claro que só avançará com o projeto se sentir que há algo de novo a acrescentar:

“Estou disponível para desenvolver um filme Bourne, e farei isso se o Matt também quiser. Será necessário sentirmos que estamos a adicionar algo realmente novo aos grandes filmes Bourne que já existem. Caso contrário, não faz sentido.”

O realizador destacou ainda que adoraria fazer um blockbuster divertido e envolvente, mas que não quer repetir fórmulas gastas.

Damon abre a porta ao regresso

O próprio Matt Damon já tinha elogiado Berger em fevereiro de 2024, quando foi questionado sobre o futuro da saga:

“Há um grande realizador chamado Edward Berger. All Quiet on the Western Front é um filme fantástico, e ele disse que tinha uma ideia para Bourne. Eu adoraria trabalhar com ele, por isso ele está a desenvolver algo. Estou tão ansioso quanto vocês para ver se acontece.”

Estas declarações deixaram os fãs em pulgas: afinal, Damon nunca fechou totalmente a porta a regressar ao papel que o tornou numa estrela mundial do cinema de ação.

Universal mantém o franchise em mãos

No verão, a NBCUniversal ganhou uma guerra de licitações para manter os direitos sobre o universo Bourne, garantindo assim que qualquer novo filme será produzido pelo estúdio. Esse investimento milionário sugere que a produtora tem planos concretos para relançar a franquia, embora ainda não exista data ou guião confirmado.

Para já, o que há são apenas indícios, mas fortes: direitos renovados, um realizador de prestígio interessado e um protagonista disposto a voltar se o projeto fizer sentido.

O futuro de Jason Bourne

Com ou sem Damon, parece inevitável que Bourne regressará ao grande ecrã. A questão é quando e em que moldes. Será um reboot total? Uma continuação direta com Damon no centro da ação? Ou até um spin-off com novas personagens?

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Seja qual for o caminho, uma coisa é certa: a fasquia está altíssima para um franchise que redefiniu a ação realista e visceral de Hollywood.

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O regresso de Lynne Ramsay

Depois de oito anos afastada da realização de longas-metragens, Lynne Ramsay regressa em grande com Die My Love, filme que promete marcar a temporada de prémios. A realizadora escocesa, conhecida pela intensidade de We Need to Talk About Kevin e You Were Never Really Here, apresenta aqui mais um mergulho profundo na psicologia humana.

O filme estreou em competição oficial no Festival de Cannes, em maio, onde foi imediatamente apontado como um dos favoritos.

Um drama psicológico em Montana

A história passa-se numa zona rural de Montana. Jennifer Lawrence interpreta uma mulher em luta com a maternidade, incapaz de se adaptar ao papel de mãe. Ao seu lado, Robert Pattinson dá vida ao marido, que se revela pouco presente e ainda menos útil perante o colapso da companheira.

A dupla divide o ecrã com nomes de peso como Sissy SpacekNick Nolte e LaKeith Stanfield, compondo um elenco de luxo para um drama psicológico que explora os limites entre depressão pós-parto, psicose e perturbações de personalidade.

Um retrato cru e visceral

Em crítica publicada na Variety, o jornalista Owen Gleiberman destacou uma das cenas mais arrebatadoras do filme, onde Lawrence tem uma quebra emocional ao som de “Mickey”, de Toni Basil:

“Ramsay tem um dom exuberante para encenar esse tipo de colapso barroco ao som de rock ‘n’ roll.”

Mais do que dar respostas clínicas, o filme oferece ao público um retrato intenso e vívido de uma mulher e mãe a sucumbir à pressão, enquanto a realidade começa a fragmentar-se.

Mubi aposta forte após sucesso de The Substance

A distribuição de Die My Love ficou a cargo da Mubi, que adquiriu os direitos de exibição por 24 milhões de dólares, garantindo a estreia na América do Norte e em vários territórios internacionais. O negócio segue a aposta da plataforma no cinema de autor, depois do sucesso alcançado com The Substance, que se transformou numa surpresa da temporada de prémios.

A ligação ao produtor Martin Scorsese, destacada no próprio trailer, reforça ainda mais o peso artístico e mediático da produção.

Estreia marcada para novembro

Com estreia agendada para 7 de novembroDie My Love promete ser um dos grandes títulos do ano, combinando a intensidade de Lynne Ramsay com interpretações de fôlego de Jennifer Lawrence e Robert Pattinson.

O trailer já disponível deixa antever um filme cru, denso e perturbador — daqueles que não nos deixam indiferentes muito depois de sairmos da sala de cinema.

O Monte dos Vendavais em Polémica: Adaptação de Emerald Fennell Faz Disparar Vendas do Clássico 📚🎬

A polémica que trouxe Emily Brontë de volta às tabelas

Desde que a Warner Bros. lançou o primeiro teaser da nova adaptação de Wuthering Heights (O Monte dos Vendavais), o clássico de Emily Brontë voltou a estar nas bocas do mundo. E não apenas nas conversas — também nas prateleiras: as vendas do romance de 1847 dispararam na Amazon.

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A edição da Wordsworth Classics registou uma subida de 504% em apenas 24 horas, tornando-se o segundo livro de romance gótico mais vendido na plataforma. Já a edição da Penguin Classics, lançada em 2002, viu as suas vendas crescerem 187%, ocupando o 98.º lugar geral de vendas.

O trailer que incendiou as redes

O motivo da súbita procura? O teaser divulgado na passada quarta-feira, que causou controvérsia imediata.

  • Jacob Elordi foi escolhido para interpretar Heathcliff, personagem descrita no livro como de pele escura — uma diferença que gerou acusações de “whitewashing”.
  • Margot Robbie, de 35 anos, foi anunciada como Catherine Earnshaw, apesar de a personagem ser uma adolescente no romance original.
  • O tom do trailer, marcado por olhares lânguidos e uma forte carga erótica, foi apontado por críticos como uma distorção de um enredo que, no livro, se centra em abuso, violência e trauma.

A realizadora Emerald Fennell, vencedora de um Óscar por Promising Young Woman, parece assim preparar uma visão ousada — mas não consensual — da obra-prima de Brontë.

Quando o “efeito Twilight” ressuscitou o clássico

Curiosamente, esta não é a primeira vez que Wuthering Heights conhece uma nova vida graças à cultura pop. Em 2009, o chamado “efeito Twilight” fez as vendas do livro quadruplicarem, depois de ser referido como o favorito da protagonista Bella Swan na saga de vampiros criada por Stephenie Meyer.

A editora Harper Collins aproveitou então o momento e relançou o romance com a tagline “O livro favorito de Bella e Edward”. O resultado? Mais de 34 mil cópias vendidas nesse ano, contra as 8.551 registadas em 2005.

Um clássico incontornável do gótico

O Monte dos Vendavais, a única obra de Emily Brontë, foi inicialmente recebido com críticas frias e comparações desfavoráveis a Jane Eyre, da sua irmã Charlotte. Mas, a partir do século XX, conquistou lugar cativo na literatura mundial, sendo hoje considerado um dos grandes romances góticos de sempre.

O livro já foi adaptado mais de uma dúzia de vezes ao cinema e televisão. A versão de 1939 foi nomeada a sete Óscares, incluindo Melhor Filme, e venceu o de Melhor Fotografia. Perdeu o prémio principal para E Tudo o Vento Levou.

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Agora, com Emerald Fennell ao leme e Elordi e Robbie nos papéis principais, o romance volta a dividir opiniões — mas também a provar que continua a ser impossível de ignorar.

Lady Gaga Entra em “Wednesday” e Lança Novo Single: The Dead Dance 🦇🎶

Uma estrela pop em Nevermore

A espera acabou: Lady Gaga juntou-se oficialmente ao universo sombrio e peculiar de “Wednesday”, a série fenómeno da Netflix inspirada na família Addams. A cantora e atriz dá vida a Rosaline Rotwood, uma antiga professora de Nevermore que chega para abalar a rotina da protagonista interpretada por Jenna Ortega.

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A novidade surge com a estreia da segunda parte da segunda temporada, que ficou disponível esta quarta-feira na plataforma.

O regresso à música

Para assinalar a sua entrada na série, Gaga lançou também um novo single, “The Dead Dance”, tema que serve de acompanhamento à sua personagem. A canção foi escrita pela própria artista em parceria com Andrew Watt e Henry Walter, e coproduzida por Gaga com Watt e Cirkut.

Trata-se do primeiro tema divulgado pela cantora desde março, altura em que editou o álbum “Mayhem”.

O toque de Tim Burton

Se a presença de Gaga já não fosse suficiente para entusiasmar os fãs, o videoclip de The Dead Dance promete elevar ainda mais a fasquia. Alegadamente realizado por Tim Burton, produtor executivo e um dos realizadores de “Wednesday”, o vídeo estreia ainda esta tarde, acrescentando ao lançamento um toque de assinatura visual inconfundível.

Um encontro entre música e televisão

Esta colaboração é mais um exemplo de como Gaga continua a reinventar-se, cruzando a sua faceta de estrela pop com o seu lado de atriz. Depois do sucesso no cinema com A Star Is Born e House of Gucci, a artista encontra em “Wednesday” o palco ideal para explorar a sua teatralidade natural e reforçar a sua ligação ao universo gótico e excêntrico que tanto lhe agrada.

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Para os fãs da série, a aparição de Gaga não é apenas um cameo: é também uma celebração do espírito irreverente de “Wednesday” e um convite para dançar… ao som da escuridão.

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Uma figura quase apagada da memória

O Festival de Veneza abriu espaço para uma das personagens mais improváveis a surgir no grande ecrã em 2025: Ann Lee, fundadora do movimento religioso Shaker no século XVIII e considerada por muitos como uma das primeiras feministas americanas. Em The Testament of Ann Lee, realizado por Mona Fastvold, Amanda Seyfried encarna esta figura que, segundo a cineasta, estava “à beira de ser apagada da memória”.

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Nascida em 1736 em Manchester, Inglaterra, Ann Lee — conhecida entre os seguidores como Mãe Ann — liderou uma comunidade que defendia a igualdade entre sexos, a paz, a empatia e o trabalho manual como forma de oração. Uma proposta radical para o seu tempo, que ainda hoje ressoa com surpreendente atualidade.

Um biopic entre o transe e a espiritualidade

Descrito pela IndieWire como um “biopic especulativo, febril e totalmente arrebatador”, o filme aproxima-se de um musical, dando especial destaque à música e à dança, elementos centrais do culto Shaker. Para os membros deste movimento, o canto e o movimento em transe eram uma forma de ligação espiritual, uma oração física e coletiva.

O compositor Daniel Blumberg, vencedor de um Óscar este ano pela banda sonora de O Brutalista, volta a colaborar com Fastvold, revisitando os hinos Shaker e dando-lhes uma nova vida.

Da investigação histórica ao cinema de autor

Mona Fastvold, que coescreveu o guião com Brady Corbet (seu parceiro e realizador de O Brutalista), descobriu Ann Lee durante uma pesquisa sobre movimentos religiosos nos Estados Unidos do final do século XVIII. Em 1774, Ann emigrou com alguns discípulos para Nova Iorque, fugindo à perseguição religiosa em Inglaterra, e fundou uma comunidade que, no seu auge, chegou a contar com seis mil seguidores espalhados por 19 comunidades.

Hoje restam apenas três membros Shaker, mas o legado sobrevive, sobretudo através da arquitetura e do mobiliário, conhecido pela sua estética minimalista e funcionalidade — peças que ainda hoje fascinam designers e colecionadores.

Um olhar feminino sobre um ícone espiritual

Para Fastvold, a inspiração foi clara:

“Todos os grandes ícones masculinos receberam este tratamento, como Jesus Cristo ou Joana d’Arc. Porque não dar o mesmo a uma mulher desconhecida?”

A realizadora não quis criar propaganda, mas antes tratar Ann Lee com amor e respeito, reconhecendo a sua visão de comunidade, bondade e empatia. Seyfried, pela sua vez, entrega uma interpretação intensa, transformando Ann Lee num ícone cinematográfico tão humano quanto espiritual.

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Com The Testament of Ann Lee, Mona Fastvold reafirma-se como uma das vozes mais interessantes do cinema de autor contemporâneo, recuperando uma figura feminina que, até agora, permanecia quase esquecida pela História.

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Um desafio pessoal em plena carreira de sucesso

Tom Holland, o ator britânico conhecido por dar vida ao Homem-Aranha no Universo Cinematográfico da Marvel, revelou recentemente que foi diagnosticado com PHDA – Perturbação de Hiperatividade e Défice de Atenção. Esta condição, que afeta milhões de pessoas em todo o mundo, caracteriza-se por dificuldades em manter o foco, gerir a impulsividade e controlar a hiperatividade, podendo persistir ao longo da vida adulta.

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A revelação surge numa altura em que o ator se encontra envolvido em novos projetos, e a notícia tem despertado atenção não apenas pelo impacto na sua vida pessoal, mas também pela forma como influencia a sua arte de representar.

Do diagnóstico à dislexia: um percurso com obstáculos

Holland já tinha anteriormente falado sobre a sua dislexia, que lhe causa dificuldades na ortografia. Agora, acrescenta mais um desafio à sua lista:

“Tenho PHDA e sou disléxico, e às vezes acho que quando alguém me dá uma página em branco, isso pode ser um pouco intimidador. E às vezes deparamo-nos com estes desafios ao desenvolver uma personagem”, confessou o ator em entrevista ao IGN.

Apesar das dificuldades, o intérprete destaca que estas condições não o impedem de se dedicar ao trabalho. Pelo contrário, obrigam-no a procurar estratégias criativas para superar os obstáculos.

Brincar como forma de liberdade criativa

A revelação surgiu durante a promoção da curta-metragem da LEGO, “Never Stop Playing”, onde Tom Holland assume vários papéis: de jogador de futebol a herói de ficção científica, passando por empreendedor de tecnologia.

Segundo o ator, a brincadeira continua a ser uma forma essencial de manter a criatividade viva:

“Qualquer maneira que tu, enquanto jovem ou adulto, possas interagir com algo que te force a ser criativo, a pensar fora da caixa e a fazer mudanças que podem ou não estar num manual de instruções, apenas promove uma criatividade saudável.”

Para Holland, essa é uma filosofia de vida: nunca deixar de brincar, nunca perder a capacidade de imaginar e reinventar-se.

A importância da visibilidade

Ao assumir publicamente o diagnóstico de PHDA, Tom Holland junta-se a uma crescente lista de figuras públicas que falam abertamente sobre condições de saúde mental e do neurodesenvolvimento. Esta partilha tem um impacto relevante, ajudando a quebrar tabus e a aumentar a consciência em torno da PHDA, que muitas vezes continua a ser incompreendida, sobretudo na idade adulta.

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Seja no grande ecrã como super-herói, ou fora dele como voz de experiências reais e inspiradoras, Holland mostra que vulnerabilidade e talento podem caminhar lado a lado.

Criador de “Father Ted” Detido em Londres: Debate Sobre Liberdade de Expressão Reacende-se no Reino Unido 🎭🇬🇧

Uma detenção polémica em Heathrow

O argumentista irlandês Graham Linehan, conhecido por ter co-criado as séries de comédia Father TedBlack Books e The IT Crowd, foi detido por polícias armados no aeroporto de Heathrow, em Londres. O motivo: publicações nas redes sociais consideradas transfóbicas.

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Segundo o próprio, foram precisos cinco agentes armados para a detenção à chegada de um voo dos Estados Unidos. A Polícia Metropolitana de Londres confirmou que a ação resultou de mensagens publicadas na rede social X (antigo Twitter), suspeitas de incitar à violência.

Linehan é uma figura premiada, com distinções Emmy e BAFTA, mas nos últimos anos tornou-se conhecido sobretudo pelas suas posições críticas em relação às questões de género.

Entre a sátira televisiva e os tribunais

O criador de algumas das sitcoms mais icónicas do Reino Unido compareceu no tribunal de Westminster para responder a acusações de assédio e danos criminais contra Sophia Brooks, uma jovem transgénero de 18 anos.

De acordo com a acusação, Linehan terá publicado mensagens “abusivas e vingativas” sobre Brooks, incluindo insultos como “sociopata profundamente perturbada” e “narcisista maléfica”. A procuradora Julia Faure Walker afirmou que o comportamento do argumentista equivalia a assédio e causava “alarmismo e angústia”.

Num episódio adicional, em Outubro, Linehan terá arrancado o telemóvel da mão de Brooks durante uma conferência, o que agravou as acusações. O argumentista nega todas as alegações.

Liberdade de expressão em causa

A detenção levantou um intenso debate político e mediático sobre os limites da liberdade de expressão no Reino Unido.

  • Nigel Farage, aliado de Donald Trump, classificou o caso como “mais um exemplo da guerra contra a liberdade”.
  • J.K. Rowling, autora de Harry Potter, descreveu a detenção como “deplorável” e “totalitarista”.
  • Elon Musk, dono da rede X, foi ainda mais longe, considerando a Grã-Bretanha um “Estado policial”.
  • Já o líder do Partido Verde, Zack Polanski, defendeu a detenção como “proporcional” face ao teor das publicações.

O próprio governo britânico reagiu através do ministro da Saúde, Wes Streeting, que afirmou na BBC que a polícia deveria concentrar-se em policiar as ruas em vez de “tweets”, admitindo que é necessário repensar a lei.

Um nome incontornável da televisão britânica

Apesar da polémica atual, Graham Linehan continua a ser recordado pelo impacto que deixou na comédia britânica. Father Ted marcou uma geração nos anos 90, enquanto Black Books e The IT Crowd cimentaram a sua reputação criativa.

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Agora, porém, a sua carreira cruza-se com a justiça, e o debate em torno da sua detenção promete não ficar por aqui. Entre a defesa da liberdade de expressão e a denúncia de discursos de ódio, o caso tornou-se mais um exemplo de como o espaço público britânico continua profundamente dividido.

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A sátira política volta em força

“South Park” nunca foi conhecido por meias palavras — e a nova temporada está a provar isso mesmo. Depois de décadas a chocar e a provocar gargalhadas desconfortáveis, Trey Parker e Matt Stone voltam a pegar no atual presidente dos EUA como alvo principal.

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O mais recente episódio, intitulado “Wok Is Dead”, exibido na passada quarta-feira, mostra Donald Trump envolvido numa relação com… Satanás. E como se não bastasse, o Senhor das Trevas aparece grávido do presidente.

A cena que está a dar que falar

No episódio, jornalistas perguntam a Satanás sobre o alegado romance com Trump. A resposta é digna da ousadia habitual da série:

“Adorava poder deixá-lo, mas estou grávido.”

É este tipo de humor provocatório que mantém “South Park” na linha da frente da cultura pop: misturar política, absurdo e polémica em doses iguais.

Uma temporada marcada pelos ataques a Trump

Esta não é a primeira vez que a nova temporada ataca diretamente o presidente. Logo no arranque, com o episódio “Sermon on the Mount”, a série já tinha conquistado recordes de audiência, tornando-se o episódio mais visto desde 1999.

Parker e Stone sempre tiveram o talento de transformar figuras políticas em personagens recorrentes da sua sátira feroz. Agora, com Trump, parecem ter encontrado material inesgotável para novas histórias — e o público responde, com números que provam que, em 2025, “South Park” continua mais relevante do que nunca.

South Park continua a desafiar limites

Há quem considere exagerado, há quem veja como genialidade satírica. A verdade é que, ao fim de tantos anos, “South Park” continua a desafiar os limites do que é aceitável na televisão. E, convenhamos, a imagem de Satanás grávido de Donald Trump dificilmente será esquecida tão cedo.

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O Mar em Grande Ecrã: International Ocean Film Tour Regressa a Portugal com Sessões em Lisboa e no Porto 🌊🎬

Um festival que celebra o oceano

O International Ocean Film Tour (IOFT) está de volta a Portugal em 2025 e promete mergulhar o público numa experiência única, onde o cinema se cruza com as histórias mais inspiradoras ligadas ao mar. Depois de edições anteriores com salas cheias, Lisboa e Porto voltam a receber este evento internacional que faz da sétima arte uma janela aberta para a vida marinha, o desporto e a sustentabilidade.

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As datas estão já definidas: em Lisboa, o encontro está marcado para 29 de Setembro, no Cinema São Jorge, enquanto no Porto a sessão decorre a 7 de Outubro, nos cinemas UCI Arrábida. Ambas arrancam às 19 horas e os bilhetes encontram-se disponíveis a partir de 16 euros.

Cinco filmes, cinco olhares sobre o oceano

A edição de 2025 apresenta cinco obras muito distintas, mas com um denominador comum: a ligação íntima e poderosa ao mar.

  • Row of Life acompanha a extraordinária jornada de uma atleta paralímpica que desafia limites em alto mar.
  • Kelp! revela o potencial das algas marinhas como recurso agrícola e ambiental.
  • Nika explora a ligação profunda entre humanos e animais em ambiente marinho.
  • Trilogy, um dos grandes destaques, reúne três dos melhores surfistas do mundo – Ethan Ewing, Griffin Colapinto e Seth Moniz – num retrato vibrante da adrenalina sobre as ondas.
  • 7 Beats per Minute leva-nos ao universo fascinante da apneia, onde cada mergulho é uma dança com o silêncio e com a própria respiração.

Portugal no mapa do cinema ligado ao mar

O International Ocean Film Tour é mais do que uma mostra de cinema: é também um manifesto em defesa do oceano. Cada sessão procura sensibilizar para os desafios ambientais que enfrentamos e inspirar novas formas de viver em harmonia com o mar. Não é por acaso que Portugal, com a sua forte identidade atlântica e tradição ligada ao surf, volta a ser palco destas exibições.

Além do IOFT, Setembro traz outro evento cinematográfico ligado ao mar: o Save the Waves Film Festival, que estará na Ericeira a 13 de Setembro e nos Açores a 20 do mesmo mês. Duas oportunidades imperdíveis para os cinéfilos e amantes do oceano.

Para quem é este festival?

Se gosta de cinema documental, se vibra com o surf ou se simplesmente sente que o mar é uma parte essencial da sua vida, este festival foi feito a pensar em si. É também uma excelente porta de entrada para descobrir novas narrativas visuais, onde o oceano deixa de ser apenas cenário e passa a ser protagonista.

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Sam Raimi e Roy Lee preparam remake de Magic, o clássico de terror do boneco ventríloquo

O regresso de um pesadelo cult dos anos 70

Lionsgate vai ressuscitar Magic (1978), o clássico de culto realizado por Richard Attenborough e protagonizado por um jovem Anthony Hopkins como Corky, um mágico mentalmente instável cuja marioneta, Fats, começa a ganhar vida própria de forma sinistra.

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Desta vez, o remake junta duas potências do género: Sam Raimi, criador da saga Evil Dead, e Roy Lee, produtor por trás de sucessos recentes como Weapons.

A nova equipa criativa

O guião ficará a cargo de Mark Swift e Damian Shannon, dupla veterana do terror que já escreveu Freddy vs. Jason e o remake de Friday the 13th.

Na produção, além de Raimi e Lee, estão Chris Hammond e Tim Sullivan, responsáveis por acompanhar o projeto desde a sua fase inicial e por reunir os direitos do original. Zainab Azizi, da Raimi Productions, também integra a equipa de produção.

Entre os produtores executivos estão Paul Fishkin e Andrew Childs, da Vertigo Entertainment.

O original: quando o boneco ganha vida

Lançado em 1978, Magic baseava-se no romance de William Goldman (que também escreveu o argumento) e contava ainda com Ann-Margret e Burgess Meredith no elenco.

A história segue Corky, um mágico em ascensão que se apresenta com o seu boneco ventríloquo Fats. À beira de assinar um contrato televisivo, Corky entra em colapso nervoso e refugia-se nos Catskills, onde tenta recuperar um amor do passado — mas Fats começa a dominar a sua mente, levando-o por um caminho de violência e morte.

O filme ganhou notoriedade até antes da estreia graças a uma campanha televisiva arrepiante, focada apenas no rosto do boneco a dizer: “Magic is fun, we’re dead.”

Raimi e Lee em maré de terror

A escolha de Raimi e Lee não é coincidência: ambos vivem um momento forte no género. Lee produziu Weapons, que já arrecadou mais de 236 milhões de dólares mundialmente, e prepara novas adaptações de Stephen King, incluindo The Girl Who Loved Tom Gordon e The Long Walk. Raimi, por sua vez, tem em pipeline Send Help, thriller de sobrevivência com Rachel McAdams e Dylan O’Brien, escrito também por Swift e Shannon.

O que esperar do remake?

Ainda sem elenco anunciado, o remake de Magic promete recuperar a atmosfera claustrofóbica e psicológica do original, mas com uma estética moderna e os toques inconfundíveis de Raimi e Lee.

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Se o sorriso sardónico de Fats já gelou espinhas em 1978, tudo indica que o boneco voltará a falar — e a matar — para uma nova geração de espectadores.

Street Fighter: novo elenco reúne-se para reboot da saga de videojogos

Um novo combate começa

A icónica saga de luta da Capcom prepara-se para regressar ao grande ecrã. O novo filme de Street Fighter, produzido pela Legendary Pictures, já entrou em rodagem e ganhou esta semana um primeiro olhar aos bastidores, com o elenco reunido numa fotografia partilhada nas redes sociais.

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Na imagem publicada por Vidyut Jammwal (que interpreta Dhalsim), vemos todo o grupo de atores escolhido para dar vida aos lendários lutadores. Ainda sem figurinos revelados — segredo guardado para a campanha oficial —, a foto serve para mostrar a química e camaradagem que o realizador Kitao Sakurai (Bad Trip) procura entre os protagonistas.

Quem é quem no torneio?

O elenco conta com nomes surpreendentes e diversificados:

  • Andrew Koji como Ryu
  • Noah Centineo como Ken
  • Cody Rhodes como ele próprio e no papel de lutador convidado
  • Callina Liang como Chun-Li
  • David Dastmalchian como M. Bison
  • 50 Cent como Balrog
  • Olivier Richters em papel ainda não detalhado
  • Andrew Schulz como Dan Hibiki
  • Vidyut Jammwal como Dhalsim
  • Orville Peck como Vega

O destaque recente vai para Centineo, que já partilhou no Instagram a preparação física para encarnar Ken, deixando os fãs ansiosos pelo primeiro vislumbre oficial.

Uma adaptação que demorou a sair do papel

O projeto passou por várias fases antes de avançar. Inicialmente, os irmãos Danny e Michael Philippou (Talk to MeBring Her Back) estavam ligados à realização, mas abandonaram para se concentrarem nos seus filmes de terror. Sakurai assumiu então a cadeira de realizador.

Este será o primeiro filme live-action da saga desde 2009, quando estreou o pouco celebrado Street Fighter: The Legend of Chun-Li. Agora, com o sucesso recente de adaptações como Mortal Kombat (2021) e a sequela prevista para 2026, a Legendary aposta em transformar Street Fighter num novo fenómeno cinematográfico.

Quando chega?

O filme estava inicialmente marcado para março de 2026, mas foi adiado sem nova data confirmada. Ainda assim, a produção está em andamento e deverá ficar concluída no outono, apontando para estreia em algum momento de 2026.

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Com a sequência de Mortal Kombat empurrada para o verão do mesmo ano, tudo indica que teremos um duelo direto entre duas das franquias de luta mais populares do mundo — um verdadeiro combate de bilheteiras.

James Gunn esclarece título da sequela de Superman: chama-se apenas Man of Tomorrow

Nem “Superman 2” nem “Superman: Man of Tomorrow”

Depois de semanas de especulação entre fãs, James Gunn veio esclarecer finalmente o título da próxima entrada na sua Superman Saga. A sequela do aclamado Superman (2025) chama-se simplesmente Man of Tomorrow — sem o nome do herói no título.

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A revelação surgiu numa troca de mensagens no Threads, onde Gunn respondeu diretamente a um fã que perguntava se o título completo seria “Superman: Man of Tomorrow”. O realizador foi claro: “É só Man of Tomorrow.”

Uma nova fase na saga

Gunn sublinha que o filme não é “Superman 2”, mas sim a continuação direta da narrativa iniciada no primeiro filme. O cineasta já tinha adiantado ao Hollywood Reporter que o guião está pronto, descrevendo-o como “a próxima história naquilo a que chamo Superman Saga”.

A estreia está marcada para 9 de julho de 2027, data confirmada pelo próprio Gunn no Instagram, acompanhada de uma arte de Jim Lee que mostra Superman frente a frente com Lex Luthor na sua clássica armadura verde e roxa — visual icónico dos comics, mas ainda nunca visto em live-action.

Reações dos fãs e especulação sobre trilogia

Nas redes sociais, a ausência do nome “Superman” no título levantou debate. Muitos fãs defendem que continua a ser uma sequela, “apenas não se chama Superman 2”. Outros já teorizam que Gunn poderá estar a preparar uma trilogia baseada nos epítetos do herói, com futuros capítulos a adotarem nomes como Last Son of Krypton.

O que vem a seguir no DCU

Man of Tomorrow surge depois do sucesso do novo Superman, que arrecadou 611,6 milhões de dólares em box office mundial e introduziu personagens como Guy Gardner, Mister Terrific e Hawkgirl, preparando terreno para o novo DCU.

Antes da estreia da sequela, a agenda da DC Studios inclui outros títulos:

  • Supergirl, realizado por Craig Gillespie, estreia a 26 de junho de 2026;
  • Clayface, de James Watkins, chega a 11 de setembro de 2026.

O futuro do Homem de Aço

Ao retirar o nome “Superman” do título, Gunn parece querer destacar o caráter mais temático e autoral desta segunda parte, reforçando que a sua visão para a saga vai muito além de convenções numéricas de sequelas. Uma jogada ousada — mas que já mantém os fãs a contar os dias até 2027.

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The White Lotus vai para França na 4.ª temporada

Bem-vindos ao Le Lotus Blanc

O mistério e a sátira de luxo de The White Lotus têm novo destino confirmado: França. A quarta temporada da premiada série da HBO, criada por Mike White, vai decorrer em território francês, embora o hotel principal ainda não esteja definido.

Segundo informações avançadas pelo Deadline, a produção mantém a parceria com a cadeia Four Seasons, que tem servido de cenário oficial para a antologia. A especulação recai sobretudo sobre o lendário Grand-Hôtel du Cap-Ferrat, na Riviera Francesa, a poucos quilómetros de Cannes e com longa ligação a Hollywood.

Possíveis cenários

Apesar dos rumores, fontes ligadas à série sublinham que nenhum hotel foi ainda confirmado e que a produção tende a combinar múltiplos resorts em cada temporada. Em The White Lotus: Thailand (S3), por exemplo, o foco foi o Four Seasons Koh Samui, mas outros três hotéis completaram os cenários.

Em França, as hipóteses incluem:

  • Cap-Ferrat, na Riviera Francesa, mais próximo do espírito das temporadas anteriores (praia e mar como pano de fundo).
  • Megève, nos Alpes, um famoso resort de esqui — embora Mike White já tenha revelado não gostar de frio, o que pode afastar a opção.
  • Hotel George V, no coração de Paris, que traria uma mudança drástica, situando a trama num ambiente urbano e romântico.

Entre marés e assassinatos

Mike White já tinha dito, no final da 3.ª temporada, que gostaria de se afastar um pouco da “paisagem de ondas a bater nas rochas”. Ainda assim, brincou: “Há sempre espaço para mais assassinatos nos hotéis White Lotus.”

Com França confirmada como palco, resta saber se a série continuará fiel ao contraste de resorts paradisíacos ou se ousará levar os seus hóspedes — e as suas intrigas — para um cenário mais improvável.

O peso de um fenómeno

Lançada em 2021, The White Lotus conquistou público e crítica, arrecadando dezenas de prémios e nomeações, incluindo 23 indicações aos Emmy só com a sua terceira temporada.

Agora, com a mudança para França, a HBO volta a apostar em ambientes de luxo, segredos à beira da piscina (ou do Sena?) e o mesmo humor negro que transformou a série num fenómeno global.

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Um mercado cauteloso mas esperançoso

50.º Festival Internacional de Cinema de Toronto (TIFF) abre com um ambiente de “otimismo cauteloso”, como descrevem os vendedores no arranque de mais uma temporada de aquisições. As atenções dividem-se entre a secção artística e o mercado, que volta a reunir estúdios, plataformas de streaming e novos distribuidores em busca do próximo grande título.

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Entre os filmes mais aguardados estão projetos com Chris Evans, James McAvoy, Vince Vaughn, Amanda Seyfried, Angelina Jolie e Sydney Sweeney, numa edição repleta de estrelas a tentar seduzir compradores.

Streamers, salas e novas regras do jogo

Depois de anos marcados por negócios milionários fechados a alta velocidade, o cenário mudou. Hoje, tanto streamers como distribuidores analisam cuidadosamente o retorno sobre investimento:

  • Apple prefere desenvolver conteúdos in-house.
  • Amazon foca-se em direitos internacionais.
  • Netflix ainda investe pesado em aquisições globais — pagou 20 milhões de dólares por Hit Man de Richard Linklater e 11 milhões por Woman of the Hour, de Anna Kendrick, no TIFF 2023.

Já os distribuidores independentes enfrentam dificuldades acrescidas, sobretudo aqueles sem parcerias pay-one com plataformas. Ainda assim, players como Sony Pictures Classics (Netflix)Searchlight (Hulu)Focus Features (Peacock)Neon (Hulu) e A24 (HBO Max) mantêm espaço para investir.

Novos compradores em cena

Há também espaço para novidades: Black Bear Finance e Row K, apoiados pela Media Capital Technologies e liderados por Megan Colligan (ex-Paramount), entram este ano no circuito com vontade de mexer no mercado.

Além disso, o “novo Paramount” de David Ellison já assumiu o objetivo de lançar 15 filmes em 2026 e 20 por ano no futuro — um sinal de vitalidade que pode mexer no panorama.

Casos de estudo recentes

Um bom exemplo do impacto de uma compra certeira foi The Brutalist, estreado em Veneza e comprado pela A24 por 10 a 15 milhões. O filme rendeu 16,4 milhões de dólares no mercado doméstico e conquistou 10 nomeações ao Óscar, incluindo Melhor Filme, arrecadando três estatuetas, entre elas Melhor Ator para Adrien Brody.

Em contraste, Eden (de Ron Howard, com Sydney Sweeney, Jude Law e Ana de Armas), após críticas mornas no TIFF, demorou quase um ano a chegar às salas via Vertical Entertainment.

O que esperar em 2025

O festival abre com o documentário John Candy: I Like Me (Amazon MGM), mas os olhares estão também sobre Motor City, de Potsy Ponciroli, com Ben Foster e Shailene Woodley. O gangster thriller, notável por ter pouco diálogo, estreou em Veneza e chega agora a Toronto para testar o seu poder no mercado.

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Outros títulos vão tentar atrair distribuidores com olho no Óscar ou no box office, sabendo que, no pós-pandemia, o sucesso já não se mede apenas pelo número pago no calor do festival, mas pela estratégia de lançamento a longo prazo.